Perché sembrano che i film horror siano sempre sottovalutati? Una cosa è certa: in quest’epoca in cui il geekismo regna sovrano, critici e accademici non liquidano più il genere come poco raccomandabile con la regolarità istintiva di una volta. Ma anche ora si parla di “horror elevator”, di esplorazioni più artefatte del terrore e del terrore – “Midsommar” di Ari Aster e “Suspiria” di Luca Guadagnino sono due esempi recenti – che sono chiaramente distinti dall’horror non elevato. L’idea è che coinvolgono il tuo cervello più che mostrare semplicemente i cervelli schizzati contro il muro.

Come possono i film che attivano le ghiandole surrenali, mandano i brividi lungo la schiena, fanno venire la pelle d’oca e accelerano il respiro – che ispirano una reazione fisica così intensa – anche essere cerebrali esperienzei? Dimentichiamo continuamente che, come dice Marianne Renoir, il personaggio di Pierrot Le Fou di Anna Karina, “Ci possono essere idee nei sentimenti”.

Ciò che spaventa persone dice molto su di loro, ha rivelato molto chiaramente il recente discorso su cosa significhi se uno spettatore alcuni di “Get Out” spaventosi o divertenti. Get Out ” ha mostrato la somiglianza tra horror e commedia i due generi più spesso previsti per una reazione immediata e viscerale. Forse l’avversione di alcuni spettatori per entrambi i generi è la paura di perdere il controllo: di ridere così tanto da sbuffare o di dover voltare le spalle spaventati, di metterti in imbarazzo. Molte persone semplicemente non vogliono perdere il controllo, qualunque cosa accada.La cosa divertente è che l’horror, come la commedia, è un genere in cui ogni regista deve affermare il suo massimo controllo sul materiale, deve calibrare perfettamente la narrazione, in modo che possiamo perderla. Controllo estremo in modo che il pubblico possa perdere il controllo.

Abbiamo messo insieme questo elenco dei 150 migliori film horror di tutti i tempi per celebrare questi film personali intensamente primordiali. Ci auguriamo che sia un elenco che catturi l’ampia gamma e la diversità del genere, dai veicoli nascosti di Laird Cregar a un chiller russo basato su una storia di Nikolai Gogol, da J-Horror alla gemma messicana “Alucarda”. Preparati per questi film: perdere il controllo non sarà mai così divertente.

150. “Urlo” (Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, 2022)

SCREAM, (aka SCREAM 5), Jenna Ortega, 2022. ph: Brownie Harris / © Paramount Pictures / cortesia Everett Collection

“Grido”

Ti piacciono i film di paura? Il quinto “Urlo” dipende da questo. “Scream” (2022) ha sovvertito le aspettative con un requel, tornando alle radici dell’originale introducendo la prossima generazione di vittime di Ghostface, tutte legate alle vittime originali e agli assassini. Diretto da Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, “Scream” vede Jenna Ortega e Melissa Barrera nei panni delle sorelle Carpenter (ehm, come in John Carpenter, probabilmente molto) che sono gli obiettivi del nuovo Ghostface. Jack Quaid, Jasmin Savoy Brown, Dylan Minnette, Mason Meeks e Mikey Madison completano il gruppo di amici che, uno per uno incontra una nuova Ghostface grazie a una serie di regole di franchising consolida.Certo, anche Courteney Cox, Neve Campbell e David Arquette sono tornati, ma “Scream 5” fa giustamente affidamento su Sam (Barrerra) e sul suo legame segreto con il film originale per l’ultimo sangue della ragazza. —SB

149. “Pronto o no” (Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, 2019)

READY OR NOT, Samara Weaving, 2019. TM e copyright © Fox Searchlight Pictures.  Tutti i diritti riservati.  / cortesia Everett Collection

“Pronti o meno”

Parte “Indizio”, parte “Purge”, “Ready or Not” capovolge un gioco da tavolo in un gioco mortale a nascondino. Bride Grace (Samara Weaving) viene inaugurata nella ricca famiglia Domas dopo aver sposato lo scapolo idoneo Alex (Mark O’Brien). Eppure l’eccentrica famiglia famosa per i giochi da tavolo costringe Grace a un trucco per le feste non proprio giocoso: sopravvivi alla notte nascondendoti nella villa se ne hai il coraggio. I fratelli Adam Brody e Melanie Scrofano hanno deciso di uccidere Grace, su richiesta dei genitori Andie MacDowell e Nicky Guadagni. Eppure il commento sulla ricchezza, il matrimonio e la vita domestica resiste grazie alla dedizione di Weaving alla “commedia dei terrori”.“Non ci doveva lasciare mai dimenticare che questo essere il giorno più bello della vita di Grace”, ha scritto Ehrlich nella sua recensione, citando la discesa di Grace nella modalità di sopravvivenza al posto della felicità degli sposi novelli. Certo, la famiglia Domas può osare la caccia a Grace, 

148. “Maligno” (James Wan, 2021)

MALIGNANTE, Annabelle Wallis, 2021. © Warner Bros. /Cortesia Everett Collection

“Malino”

Il successo virale di James Wan “Malignant” non vale quasi la pena menzionarlo. Vieni mai? Perché senza conoscere la svolta, è difficile descrivere quanto sia fantastico il film. Madison (Annabelle Wallis) viene picchiata dal marito Derek (Jake Abel) e inizia a vedere gli omicidi prima che accadano, a cominciare dallo stesso Derek. Per metà thriller di invasione domestica e per metà poliziesco, “Malignant” è tutto horror… finché non lo è. Madison è costretta a indagare sul proprio passato e fare i conti con il fatto che potrebbe non essere chi (o cosa) pensa di essere. “Malignant” si basa sull’assurdo e prospera nel ridicolo; sarebbe un vero peccato se non avessimo di più. 

147. “La casa di notte” (David Bruckner, 2020)

LA CASA DI NOTTE, 2020. © Searchlight Pictures / Courtesy Everett Collection

“La casa di notte”

La prima tesa e atmosferica di David Bruckner al Sundance Film Festival schernisce l’attrice sempre giocosa e intensamente concentrata Rebecca Hall con una casa infestata che è sia letterale (un’impresa inquietante di scenografia) che della mente. Il suo personaggio, Beth, è una vedova in lutto tormentata non solo dalla perdita del marito (Evan Jonigkeit), un architetto con una generosità di segreti, ma anche da un particolare episodio del suo passato. Quando Beth inizia a vedere (allucinando? evocando?) donne fantasma entrare e uscire dalla casa (e tutte sembrano a pochi centimetri dall’essere completa doppelganger di Beth) in agonia, il terreno sotto di lei inizia a muovere e Beth scopre cosa Potrebbe essere la vita segreta di suo marito. 

146. “Martin” (George A. Romero, 1978)

MARTIN, John Amplas, 1977

“Martin”

George Romero sarà sempre sinonimo di zombi, ma la sua interpretazione dei vampiri merita di essere considerato un classico dell’horror a sé stante. La storia di un uomo che crede di essere un vampiro è una lenta sovversione della storia standard di Dracula, ma una volta che inizia, inizia davvero. Se il personaggio principale non è in realtà un vampiro, l’idea di un vero uomo che beve sangue è sia orribile che un commento interessante sul rapporto della società con i personaggi dell’orrore immaginari. Lo stesso Romero ha definito “Martin” il suo film preferito che ha realizzato, e le lodi non sono molto più alte di così. 

145. “Spider Baby” (Jack Hill, 1967)

SPIDER BABY, Sid Haig, Beverly Washburn, 1964

“Ragno di Bambino”

I bambini malvagi e contorti non faranno mai paura, ma il classico culto di Jack Hill porta l’orribile tropo dell’orrore a un altro livello. La storia di una famiglia con la “sindrome di Merrye”, una condizione come commedia fa sì che i bambini immaginano si trasformino in animali quando ammette la pubertà. La commedia horror può essere un ago difficile da infilare, ma “Spider: or, the Maddest Story Ever Told” Baby riesce a essere davvero divertente, davvero spaventoso e al 100 percento incasinato. Se non l’hai ancora visto, correggilo immediatamente. 

144. “Vecchio” (M. Night Shyamalan, 2021)

VECCHIO, da sinistra: Aaron Pierre, Vicky Krieps, Gael Garcia Bernal, Abbey Lee, 2021. ph: Phobymo / © Universal Pictures / cortesia Everett Collection

“Vecchio”

“Old” è l’esempio perfetto di un film contemporaneo di M. Night Shyamalan, brillante e frustrante in eguale misura. Il gancio del film – una famiglia è intrappolata su una spiaggia che accelera notevolmente il processo di invecchiamento – è una delle migliori premesse horror della memoria recente. Anche se il film Shyamalan non è semper all’altezza della sua promessa promettente, riesce comunque a trasmettere alcune interessanti idee sui rapporti dell’umanità l’invecchiamento e il tempo. Se non altro, ha dimostrato che il regista horror ha ancora un sacco di brividi cinematografici nel suo serbatoio.Forse ancora più impressionante è il fatto che si è trattato di un vero successo pandemico, che ha incassato oltre 90 milioni di dollari con un budget di 18 milioni di dollari nel 2021. 

143. “Nightbreed” (Clive Barker, 1990)

NIGHTBREED, 1990, TM & Copyright © 20th Century Fox Film Corp./cortesia Everett Collection

“Razza Notturna”

“Nightbreed” è stato criminalmente frainteso al momento della sua uscita iniziale, ma fortunatamente il fantasy horror di Clive Barker è diventato il capolavoro che è. La storia contorta di un paziente mentale che viene manipolato facendogli credere di essere un serial killer funziona come un thriller psicologico, ma il regno pieno di mostri delle sue allucinazioni aggiunge un elemento di creatura al film, risultando in un’aggiunta al moderno canone horror questo è davvero unico. 

142. “La squadra dei mostri” (Fred Dekker, 1987)

MONSTER SQUAD, Duncan Regehr, 1987 © TriStar Pictures / cortesia: Everett Collection

“La squadra dei mostri”

“The Monster Squad” è stato bombardato al botteghino, forse perché è arrivato con un paio di anni di ritardo per l’onda “Goonies”/”ET” che il regista Fred Dekker sperava di cavalcare. Ma questa commedia horror per adolescenti è diventata un successo in home video; ed ora è amato sia dai bambini degli anni ’80 che dai fan dei vecchi film di mostri della Universal. Scritto insieme a Dekker e Shane Black (il cui primo grande successo “Arma letale” è uscito anche sul grande schermo nel 1987), il film segue un gruppo di adolescenti disadattati la cui ossessione per Dracula, il mostro di Frankenstein, l’Uomo Lupo , la Mummia e il La creatura della Laguna Nera ripaga quando quei leggendari brividi si alzano e cospirano per conquistare il mondo.Breve e scattante – e piena delle volgarità colorate di Black, addomesticate quel tanto che basta per una valutazione PG-13 – “The Monster Squad” è un’avventura divertente, 

141. “Camicia di forza” (William Castle, 1964)

STRAIT-JACKET, Joan Crawford, (con le teste di manichino mozzate di Lee Majors, Patricia Crest), 1964

“Camicia di forza”

Il regista, produttore e showman William Castle è spesso utilizzato per i suoi espedienti da barnstorming: come attaccare cicalini vibrant nei sedili del teatro o offrire polizze assicurative sulla vita nel caso in cui gli avventori erano letteralmente spaventati a morte. Ma era anche un superbo artigiano di film di serie B, che capiva che quando il pubblico pagava per la violenza e gli shock, doveva consegnare. Per “La camicia di forza”, Castle ha lavorato con il romanziere di “Psycho” Robert Bloch su un riff orribile di Lizzie Borden, con Joan Crawford che interpretava una moglie offesa che picchia suo marito e la sua amante con un’accetta. E questo è solo nella prima foto scena.Quello che segue è uno psicodramma acuto, con il personaggio di Crawford, Lucy Harbin, che cerca di reintegrarsi nella società dopo un periodo in prigione e si ritrova perseguitata dal suo passato. Ci saranno più uccisioni? La locandina del film risponde a grandi lettere: “Attenzione! La “camicia di forza” descrive vividamente gli omicidi con l’ascia!” 

140. “L’ululato” (Joe Dante, 1981)

L'ululato, Belinda Balaski, 1981, (c) Ambasciata Avco/cortesia Everett Collection

“L’ululato”

Dopo aver trascorso gran parte degli anni ’70 come apprendista nella scuderia di film di serie B di Roger Corman, il regista Joe Dante ha stabilito la sua voce stravagante e la sua padronanza del cinema di genere con “The Howling”, scritto da John Sayles e Terence H. Winkless (adattamento di un romanzo di Gary Brandner). Dee Wallace interpreta una giornalista televisiva la cui indagine su un pericoloso stalker alla fine la porta in un rifugio hippie nella natura selvaggia, che funge anche da culto dei licantropi.Gli effetti di trasformazione del lupo mannaro di Rob Bottin sono visivamente sorprendenti e abbastanza originali da adatto al senso dell’umorismo distorto di Dante, che vede anche il regista seminare inquadrature casuali con riferimenti al lupo, dai libri di Thomas Wolfe alle lattine di Wolf Chili . “The Howling” offre anche una battuta finale meravigliosamente malata, 

139. “Scatti allo zenzero” (John Fawcett, 2000)

GINGER SNAPS, Katharine Isabelle, Emily Perkins, 2000. ©Unapix Entertainment/cortesia Everett Collection

“Biscotti allo zenzero”

Lo sceneggiatore-regista canadese John Fawcett e la sua co-sceneggiatrice di “Ginger Snaps” Karen Walton erano molto più avanti dei loro tempi con questo intelligente thriller di lupi mannari, che ha molto da dire sull’angoscia adolescenziale, sull’identità femminile e sulle dinamiche di potere specifiche per genere – tutto ancora più attuale oggi di quanto non fosse due decenni fa. Katharine Isabelle interpreta Ginger, una liceale impopolare che viene sbranata da un animale selvatico e cambia bruscamente la sua personalità. Diventa più seducente e pazza per i ragazzi, allarmando la sua sorellina nerd, Brigitte (Emily Perkins), che la idolatra.Mimi Rogers interpreta la madre delle ragazze, che scambia la trasformazione soprannaturale di Ginger con il “diventare una donna”, e insiste con Brigitte che il suo giorno arriverà presto. Fawcett e Walton intrecciano un sapiente studio del personaggio nelle loro divertenti e sanguinose sequenze d’azione, 

138. “Maggio” (Lucky McKee, 2002)

MAGGIO, Angela Bettis, 2002. © Lions Gate / cortesia Everett Collection

“Maggio”

Il film d’esordio stravagante e inquietante di Lucky McKee “May” segue Angela Bettis nei panni di un’assistente veterinaria e motivamente tormentata il cui occhio pigro le ha impedito di sentirsi come se potesse adottare ai suoi coetanei o connessioni significative. La sua unica “amica” è una bambola di nome Suzie che è tenuta dietro una cassa di vetro. Ma quando entra in scena un meccanico interpretato da Jeremy Sisto, entra in gioco anche una predilezione per il cannibalismo e lo smembramento, poiché la prima relazione di May risveglia in lei insolite tendenze erotiche.Con elementi di film slasher e body horror, la bizzarra “May” offre un sacco di paure cruente mentre riesce anche a essere stranamente commovente, poiché May alla fine realizza il suo compagno ideale attraverso metodi inquietanti. 

137. “Un lupo mannaro americano a Londra” (John Landis, 1981)

Un lupo mannaro americano a Londra, Griffin Dunne, David Naughton, 1981, (c) Universal/cortesia Everett Collection

“Un lupo mannaro americano a Londra”

Dei quattro (!) film sui licantropi usciti nelle sale americane nel 1981, “An American Werewolf in London” dello sceneggiatore e regista John Landis è stato il più grande successo al botteghino e il più simile a un ritorno al classico horror hollywoodiano degli anni ‘ 30 e Anni ’40… anche se con più sangue e nudità. David Naughton e Griffin Dunne interpretano i turisti yankee, che stanno viaggiando con lo zaino in spalla per l’Inghilterra quando vengono attaccati nella brughiera da un uomo-bestia. Bloccati in una terra straniera e reciprocamente colpiti da una terribile maledizione, i due discutono su dovrebbe essere la loro prossima mossa: prendersi cura della sopravvivenza propria personale o tenere sicuro gli innocenti?Con i suoi effetti di trucco Rick Baker ancora impressionanti, le sue evocazioni di inquietudine del Vecchio Mondo e il suo commento furbo sul provincialismo americano e inglese, questo “lupo mannaro” è diventato di per sé un classico duraturo, 

136. “Pet Sematary” (Mary Lambert, 1989)

PET SEMATARY, 1989, (c) Collezione Paramount/cortesia Everett

“Cimitero per animali domestici”

I libri di Stephen King hanno ispirato alcuni dei più grandi film mai realizzati, ma anche molte bombe. L’ironia è che i suoi romanzi horror più iconici possono produrre i migliori film. Molti dei film più acclamati adattati dal suo lavoro erano su storie non horror (“The Shawshank Redemption”, “Stand By Me”) o romanzi horror che sono stati come male (“The Shining”). Ma il film originale “Pet Sematary” trova un mezzo felice, trasformando uno dei libri più spaventosi di King in un eccellente film horror. La storia di un uomo che scopre un cimitero nel proprio cortile che ha il potere di resuscitare i morti è una perfetta configurazione horror: semplice, ma piena di potenziali paure.Il film di Mary Lambert guida un treno attraverso quella premessa, ancorata da un’eccellente interpretazione di Dale Midkiff. Un remake con protagonista John Goodman è stato rilasciato nel 2019, 

135. “Venerdì 13” (Sean S. Cunningham, 1980)

VENERDÌ 13, Kevin Bacon, 1980, (c) Paramount/cortesia Everett Collection

“Venerdì 13”

Chiunque cerchi l’origine di come lo sfortunato campeggiatore di Camp Crystal Lake Jason a) sia diventato una maschera da hockey che ama tanto sfoggiare mentre è tutte le furie sarà almeno un po’ deluso da quella di Sean S. Cunningham grande successo a sorpresa “Venerdì 13”. Diavolo, Jason non è nemmeno l’assassino in quello che sarebbe diventato il primo film di un franchise tentacolare, ingombrante e spesso molto confuso (no, non stiamo parlando di quella volta in cui Jason è andato nello spazio, non ora, non mai) , ma ciò non dovrebbe vietare il godimento di questo (letteralmente) successo indie eccentrico e campy.

E, sì, è stato un successo indie! Comprensibilmente ispirati dal successo di “Halloween” di John Carpenter, Cunningham e lo scrittore Victor Miller hanno iniziato a fare shopping intorno alla loro sceneggiatura, che si appoggia fortemente a idee simili, dallo stalker invisibile e gli adolescenti arrapati in pericolo, alle uccisioni cruente ea un apparentemente “sicuro” atmosfera in cui si svolgono, prima ancora che fossero completati. Ne seguì una guerra di offerte e alla fine il film fu ripreso dalla Paramount Pictures, che lo portò a una corsa al botteghino di quasi 60 milioni di dollari.Girato in esterni in un vecchio campo di Boy Scout e con un cast di giovani stelle nascenti (tra cui Kevin Bacon, Adrienne King e persino il figlio di Bing Crosby, Harry Crosby), questo primo capitolo della serie è una delizia stravagante e cruenta. proprio, indipendente dagli scad delle funzionalità di follow-up.

Sicuramente ne conosci già la forma: un gruppo di consulenti del campo arrapati tentano di ripulire un campo estivo precedentemente in disuso (qualcosa di brutto è successo lì tanti anni fa, ma chi può ricordare cosa), e quando non sono impegnati a giù, vengono uccisi da un particolare brutale assassino invisibile. Ci sono cose che vanno a sbattere nella notte e temporalisi, asce e frecce, oh mio! Per lo più, però, ci sono adolescenti stupidi che corrono a faccia in giù nel pericolo e non hanno mai il buon senso di allontanarsene – credibile! – e un cattivo davvero inaspettato con un’ascia molto speciale da macinare.fin sia spaventoso, cruento e abbastanza divertente da solo, “Venerdì 13” crea altri brividi a venire, e mentre ci vorrebbero quasi altri due film per Jason per ottenere la sua maschera, dall’inizio, almeno sappiamo perché, 

134. “Cronos” (Guillermo del Toro, 1993)

CRONOS, Tamara Shanath, Federico Luppi, 1993, (c)film di ottobre/cortesia Everett Collection

“Crono

Prima che la visione fantastica di “Pan’s Labyrinth” lo gettasse alla ribalta internazionale e la sua storia di mostri emotivi “The Shape of Water” vincesse il miglior film, Guillermo del Toro ha stabilito alcuni degli ingredienti chiave per il suo marchio di realismo magico nel suo film d’esordio del 1993 “Crono”.

La mitologia del film inizia nel XVI secolo, quando un alchimista sviluppa un dispositivo che gli fornisce la vita eterna. Viene scoperto negli anni ’90 da un antiquario (Federico Luppi), il cui nome ha una sottile somiglianza con un salvatore cristiano. Jesús Gris è presto afflitto da una sua resurrezione durante una battaglia per il dispositivo intrapresa da un uomo d’affari morente (Claudio Brook) e suo nipote scagnozzo (Ron Perlman).

Mentre la tela di “Cronos” è più compatta di quelle concesse a del Toro più avanti nella sua carriera, un budget inferiore non potrebbe limitare la voce del regista. In un film che bilancia abilmente sangue e cuore insieme a fantasia e realtà, il primo mostro di Del Toro è un uomo, intrappolato tra una sete soprannaturale di sangue e l’umanità che conserva attraverso il suo amore per sua nipote. 

133. “Noi” (Jordan Peele, 2019)

Noi, Lupita Nyong'o come doppelganger Red, 2019. ph: Claudette Barius / © Universal / cortesia Everett Collection

“Noi”

Per il suo seguito del 2019 al fulmineo zeitgeist “Get Out”, Jordan Peele costruisce un’affascinante mitologia in “Noi”. Quello che inizia come un inquietante dramma su una famiglia (guidata da Lupita Nyong’o e Winston Duke) durante una brutta vacanza si trasforma rapidamente in un incubo doppelgänger. Siamo davvero le persone che pensiamo di essere, o sono le versioni oscure di noi più stessi che vivono nel sottosuolo?

Nyong’o fa un doppio conto eccezionale nei panni della devota madre Adelaide e del suo doppio squilibrato e dalla voce graffiante che emerge da sotto la della civiltà, insieme a molti altri, per devastare la vita privilegiata e ignara. Elisabeth Moss è prevedibilmente meravigliosa nei panni della bevitrice di vino Kitty, che è sicuramente la donna che tutti conosciamo durante una vacanza sulla spiaggia, ma l’attrice sovverte rapidamente quella performance per interpretare il suo doppio mostruoso e omicida.Man mano che l’oscuro demimonde di Peele si espande, non tutto va a buon fine, perché il film si gonfia per soprattutto includere la catena umana del 1986 Hands Across America contro la povertà, ma è impossibile dalla sua selvaggia oscillazione contro le recinzioni. 

132. “L’urlo” (Jerzy Skolimowski, 1978)

L'urlo, Alan Bates, 1978

“The Shout” di Jerzy Skolimowski è un tuffo inquietante nella discesa nella follia di un tecnico del suono. Anthony Fielding, interpretato da John Hurt, è già pronto per la follia. Nel suo traballante studio sulla costa inglese del North Devon, crea suoni da fonti insolite, colpendo un arco di violino su rottami di metallo, facendo rotolare biglie bagnate su una teglia o fumando a catena nel suo microfono per creare inquietanti paesaggi sonori. Poi ci sono i dipinti di Francis Bacon che rivestono le pareti.

La vita di provincia che condivide con la moglie Rachel (interpretata dalla sempre eccellente Susannah York) è seriamente turbata dall’arrivo di un misterioso vagabondo (A potrebbelan Bates) che sostiene che uno Sciamano gli abbia insegnato a imparare un urlo così assordante da uccidere una persona. Quel grido – messo in scena in modo impeccabile su una duna ventosa mentre Hurt si precipita giù da una collina sabbiosa fino all’incertezza e gli agnelli muoiono al suono – non uccide Anthony. Ma le conseguenze sono molto più gravi, poiché ne consegue un completo crollo psicosessuale del suo matrimonio. Il film nascosto di Skolimowski è una lezione di orrore psicologico.Non ci sono spaventi di salto, nessun mostro nell’oscurità, ma questo adattamento di un racconto dello scrittore britannico Robert Graves è molto inquietante per la sua rivelazione di un matrimonio già condannato. I suoni della scossa di assestamento risuonano nella tua testa. 

131. “Il corpo di Jennifer” (Karyn Kusama, 2009)

IL CORPO DI JENNIFER, Megan Fox, 2009. TM e ©copyright Fox Atomic.  Tutti i diritti riservati./Per gentile concessione di Everett Collection

“Il corpo di Jennifer”

Crudemente trascurato alla sua uscita nel 2009, non ci volle molto prima che il film di possesse femminista sovversivo di Karyn Kusama ricevesse la sua legittima rivalutazione. Come troppo spesso accade ai film su donne e ragazze, “Jennifer’s Body” è stato originariamente cancellato come una sciocchezza, nonostante una sceneggiatura killer di Diablo Cody, fresca di successo di “Juno”. Il film ruota attorno a due migliori amiche, una popolare (Megan Fox) e l’altra no (Amanda Seyfried), e gioca con le linee sfocate dell’intenso legame che può svilupparsi tra le ragazze adolescenti. Offerto come un sacrificio vergine per soddisfare i bisogni dell’ego maschile, la Jennifer di Megan Fox viene posseduta perché, beh, non è veramente vergine.

Con aplomb satirico, Cody ha trasformato l’iconografia della possessione in un’allegoria del modo in cui la sessualità femminile viene demonizzata al servizio del patriarcato. Aggiungi a ciò alcune sfumature specifiche saffiche e la esperta di Kusama, e non sorprende che “Jennifer’s Body” sia diventato un cult. Ora, se solo potissimo rilanciare la carriera di Megan Fox, quella sarebbe l’ultima, ma la giustizia è servita. 

130. “Buon giorno della morte” (Christopher Landon, 2017)

BUON GIORNO DELLA MORTE, Jessica Rothe, 2017. ph: Patti Perret.  ©Universal Studios/cortesia Everett Collection

“Buon giorno della morte”

Il deliziosamente campy “Happy Death Day” di Christopher B. Landon non scoppia la sua prima battuta “Groundhog Day” fino al suo terzo atto, ma il film horror del 2017 prodotto da Jason Blum porta il suo pedigree cinematografico con apparente orgoglio. Puoi sentire il tono che ha venduto il film: è la classica commedia di Bill Murray, ma come un’uscita dell’orrore – e tutto incentrato su una studentessa monella (la carismatica Jessica Rothe) che viene brutalmente uccisa ogni notte, solo per essere costretta per rivivere l’intera prova il giorno successivo. L’unica vera sorpresa: quanto bene è invecchiata questa stravagante commedia horror, quanto deliziosamente ha ispirato un sequel e quanti fan sono ancora in attesa di una voce finale.

Gli elementi costitutivi elementari sono presenti fin dall’inizio, incluso un protagonista generale iniziale sgradevole e un generoso servizio di montaggi, persino un messaggio sul potere di essere una brava personaggio (un certo punto, un urla: “l’amore è amore! ” ed è sia totalmente accattivante che esilarante fuori luogo). Teresa (Rothe) – o “Albero” come le piace essere chiamata – non è una brava persona. È una sorellanza viziata per lo più interessato a festeggiare ea mantenere tutte le sue sue relazioni a distanza di sicurezza (spunto tragico retroscena).Quando si sveglia in un dormitorio sconosciuto la mattina dopo una notte sfrenata, è disgustata dall’adorabile dispettoso Carter (Israel Broussard) e dai suoi bonari tentativi di far andare avanti la loro apparente avventura di una notte. Lei è fuori con un colpo,

La sceneggiatura di Scott Lobdell e l’acuta regia di Landon introducono immediatamente scenari chiave e personaggi importanti – la prima passeggiata attraverso la ripetuta giornata di Tree fornisce una serie di suggerimenti su cose a cui prestare attenzione e persone a cui prestare attenzione – prima di stravolgere alcuni elementi regolari per mantenere la trama andando avanti. Quando Landon si allontana dalle parti più oscure del film, scegliendo di riprodurre gli elementi più campagnoli di una storia per lo più sciocca, “Happy Death Day” è il tipo di divertimento vertiginoso per commedia cui è stato creato il genere della horror, completo di un Final Girl degno tifare per, ancora e ancora e ancora. 

129. “Dentro” (Julien Maury e Alexandre Bustillo, 2007)

All'interno, (aka A'L'INTERIEUR), Beatrice Dalle (in alto), 2007. ©Weinstein Company/cortesia Everett Collection

“Dentro”

I francesi sono piuttosto bravi a regalarti i film horror più oscuri e morbosi in circolazione, e “Inside” di Julien Maury e Alexandre Bustillo non fa eccezione. Il film slasher vede Alysson Paradis nei panni della futura mamma Sarah Scarangelo, a casa da sola in una serata piovosa, e Béatrice Dalle nei panni di una donna senza nome che arriva alla sua porta chiedere di usare il suo telefono per chiedere aiuto. Per una cauta Sarah cerchi di allontanarla, la donna si rifiuta di andarsene, rompendo una delle sue finestre e nascondendosi nel suo cortile per entrare, trasformando il film in un terrificante gioco del gatto e del topo all’interno della piccola casa di Sarah.“Inside” è un ottimo esempio della nuova ondata di horror francese caratterizzato da un approccio severo alla rappresentazione della violenza. Maury e Bustillo consegnano generosamente i fantastici prodotti grafici. Non vorrai mai essere a casa da solo dopo questo. 

128. “La notte del demone” (Jacques Tourneur, 1957)

La notte del demone, (aka MALEDIZIONE DEL DEMONIO), Dana Andrews, 1958

“La notte del demone”

L’horror può essere più efficace quando aderisce a un rigido insieme di regole, quando c’è una logica vile nelle azioni macabre sullo schermo. Il chiller britannico “Night of the Demon” (originariamente pubblicato negli Stati Uniti come “Curse of the Demon”) dimostra proprio una precisione così schematica. Un professore in Inghilterra si rannicchia davanti al suo rivale, un leader di una setta satanica di nome Karswell (Niall MacGinnis). Karswell ha scatenato un demone per abbattere il tizio in tweed, che era stato determinato a smascherare il suo culto. Certo, il poveretto lo morde. Ma se stai guidando una setta malvagia, ci sarà sempre qualcun altro a sconfiggerti.

Entra Dana Andrews, che si allea con il nipote (Peggy Cummins di “Gun Crazy”) dell’uomo assassinato, per smascherare il cattivo. Karswell non verrà fermato prima di scatenare tutte le forze dell’inferno in quello che si svolge quando qualcosa come “Hellboy” incontra i film di Basil Rathbone e Nigel Bruce Sherlock Holmes. Il suo obiettivo è scrivere una maledizione su un pezzo di carta e che accade al piccolo pezzo determina come andrà a finire. Vale a dire che c’è uno scenario in cui la stessa maledizione che desideri sugli altri può rimbalzare su di te, e il modo in cui è contorto diventa uno dei migliori finali horror di Tourneur. 

127. “La casa costruita da Jack” (Lars von Trier, 2018)

LA CASA COSTRUITA DA JACK, da sinistra: Matt Dillon, David Bailie, 2018. © IFC Films / cortesia Everett Collection

“La casa costruita da Jack”

Lascia che sia Lars von Trier a creare un serial killer umano. Dopo aver fatto simpatizzare il suo pubblico con un pedofilo in “Nymphomaniac: Vol. II”, naturalmente tutto ciò che restava era il suo sadico obiettivo umanistico in un assassino di bambini. Aiutato da un’ispirazione interpretazione di Matt Dillon nei panni del protagonista Jack, il protagonista dell’epopea più oscura di Von Trier è afflitto da un disturbo ossessivo compulsivo, che rende il suo disordinato hobby di assassino estremamente difficile. atroci.A poco più di due ore e mezza, la tensione di ogni scena raccapricciante aiuta il film a navigare su un passo grottesco. Man mano che ogni omicidio diventa più stravagante, lo spettatore è implicato nelle trasgressioni di Jack, discendendo ulteriormente nei circo dell’inferno accanto a questo Dante maniacale. Incredibilmente grottesco e assolutamente avvincente, “The House That Jack Built” è Von Trier al suo massimo livello artistico. 

126. “Reliquia” (Natalie Erika James, 2020)

RELIC, Robyn Nevin, 2020. ph: Jackson Finter/©IFC Midnight/Courtesy Everett Collection

“Reliquia”

Gli echi di David Cronenberg abbondano nell’agghiacciante film d’esordio di Natalie Erika James, “Relic”. Con Emily Moritmer, Bella Heathcote e Christian White, il film è concentrato su tre generazioni di donne in una famiglia che potrebbe essere maledetta da forze oscure. Con la madre di 85 anni in preda alla demenza, la Kay di Mortimer torna alla sua casa d’infanzia accompagnata da sua figlia, Sam (Heathcote). Non tutto è come sembra. “Relic” esiste nel regno dell’allegoria, quindi se stai cercando risposte alle ambiguità spettrali e alle scene inquietanti del film, non le troverai. James è più interessato a creare una riflessione atmosferica su traumi intergenerazionali, morte e morte che sembra anche essere un film horror sorprendente.In questo senso, “Relic” appartiene allo scaffale accanto a “The Babadook” e “Hereditary” come intellettuale, film horror guidati da donne che dimorano nella combustione lenta. Il film si conclude facilmente una delle scene finali piùquietanti, enigmatiche e stranamente toccanti con un vero spettacolo madre in tutto l’anno, figlia e nipote che si uniscono per colmare un divario ineffabile. 

125. “The Evil Dead” (Sam Raimi, 1981)

IL MALE MORTO, Ellen Sandweiss, 1981

“Io morti malvagi”

Il massimo del terrore da capanna nel bosco, l’antipasto del franchising colpisce ancora per la sua spietatezza implacabile. Mancando l’umorismo che ha definito “Evil Dead II” – e sicuramente ha reso quel sequel il film piuttosto migliore – questa è un’esperienza monocromatica. Cinque amici del college si dirigono verso un rifugio rustico dove l’altalena del portico continua a sbattere minacciosamente sul lato della cabina fino al momento in cui le chiavi della porta d’ingresso non vengono recuperate dal loro nascondiglio. Suggerimento per i professionisti: se ti capita di capitare, ripensa ai tuoi piani per le vacanze.Uno stuolo di demoni sumeri si annida in questi boschi ei terrificanti possedimenti che si sposano il terrore soprannaturale de “L’esorcista” con l’assalto dello smembramento comune in un film di zombi. Raimi calibra ogni macabro accadimento per essere il più possibile susultare: nelle sue mani,

Un esempio del cinema fai-da-te, Raimi si è fatto strada per raccogliere il budget di $ 375.000, la maggior parte dei quali è sicuramente andata negli effetti del trucco visceralmente dettagliati di Tom Sullivan, e aveva una troupe composta principalmente da Raimi e dagli amici e dalla famiglia di Bruce Campbell. Tredici membri dell’equipaggio hanno effettivamente dormito nella cabina stessa, vicino a Morristown, nel Tennessee, in quello che da qualsiasi punto di vista suona come una sparatoria estenuante. Ma il disagio ha portato all’invenzione e gli angoli olandesi, le inquadrature dall’alto invertite e le macchine fotografiche fatte in casa da Raimi e dal direttore della fotografia Tom Philo hanno prodotto un film insolitamente avvincente. 

124. “Dead of Night” (Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Robert Hamer, Basil Dearden, 1945)

MORTE DELLA NOTTE, Michael Redgrave, 1945

“Morte della notte”

Quando il film antologico “Dead of Night” degli Ealing Studios è uscito il 9 settembre 1945, è stato il primo film horror ad essere proiettato nel Regno Unito da anni: il British Board of Film Censors aveva vietato i film horror durante la seconda guerra mondiale . Ma che bello per far rivivere il genere: un uomo viene invitato in una casa di campagna nel Kent per una festa, e quando incontra i suoi compagni ospiti ha la sensazione inquietante di aver vistili tutti prima. In effetti, ha: nei suoi sogni – incubi tutti.

Continua a raccontare i suoi incubi, che iniziano una serie di cortometraggi horror, alcuni certamente migliori di altri. Il migliore è “The Ventriloquist’s Dummy” di Cavalcanti, che pone le basi per Chucky e “Magic” con la storia di un ventriloquo (Michael Redgrave) che è costretto alla sottomissione dal suo burattino di legno, che sembra avere una personalità tutta sua . Mescolare le paure con le risate, o almeno il terrore con le risate – nel momento in cui Redgrave implora il suo manichino di non interrompere la loro collaborazione e di andare da solo come un atto solista e il manichino risponde con disprezzo “Come l’inferno lo farò!” è d’oro — “Il manichino del ventriloquo” estrae un po’ di vero pathos, facendo appello alla paura universale dell’abbandono. 

123. “L’orrore di Dracula” (Terence Fisher, 1958)

HORROR OF DRACULA, Christopher Lee, 1958, vampiro

“L’orrore di Dracula”

Il racconto originale della Universal del 1931 del refrigeratore Bram Stoker è molto più un capolavoro dell’umore che la versione di Hammer Film del materiale, con Christopher Lee che indossa il mantello di Bela Lugosi. Ma il film della Universal ha un finale affrettato, e questo è qualcosa che il remake di Hammer corregge molto. Grislier in tutto – una sanguinosa ripresa di una delle spose di Dracula con un paletto nel petto è più violenta di qualsiasi altra cosa avresti visto in un film di Hollywood in quel momento – il film britannico trasforma il vampiro in più o meno un gentiluomo inglese. Finché all’improvviso non hai quella scena iconica delle zanne di Lee che sanguinano.

Peter Cushing interpreta il dottor Van Helsing, eternamente alla ricerca di Dracula. La loro resa dei conti finale, ispirata molto più da “Nosferatu” rispetto alla versione del 1931, è uno dei grandi momenti culminanti di qualsiasi film dell’orrore: una convergenza mozzafiato della fisicità di Lee, il montaggio staccato e alcuni effetti di trucco in anticipo sui tempi nei panni di Dracula combatte sia Van Helsing che l’alba che si avvicina. 

122. “Inferno” (Dario Argento, 1980)

INFERNO, Irene Miracle, 1980, TM & Copyright (c) 20th Century Fox Film Corp. Tutti i diritti riservati.

“Inferno”

Il maestro italiano intendeva che il suo classico “Suspiria” del 1977 fosse semplicemente l’inizio della trilogia delle tre madri. Quello seguì una battaglia contro la Madre dei Sospiri di Helena Marcos. Nel suo immediato seguito, “Inferno”, la Mother of Darkness è la nemesi e l’azione è stata trapiantata da Friburgo, in Germania, a New York City. I colori in questo sequel sono in qualche modo ancora più vividi che in “Suspiria”, rossi e blu schizzavano sullo schermo con abbandono. E le scene sono indimenticabili, anche quando una giovane donna si tuffa in una cantina piena d’acqua. Ci devono davvero essere più scene subacquee nei film dell’orrore.

E niente in “Suspiria” è così terrificante come la scena di un uomo che viene attaccato da un branco di topi, il peggior incubo di ogni newyorkese prende vita. “Mi stanno mangiando vivo!” urla ripetutamente, e dato che è a Central Park di notte, quando succede, nessuno lo sente. Intendiamoci, questo si verifica dopo un incidente separato quando una donna viene sbranata da un branco di gatti domestici. Questo non è un film che trattiene qualcosa! Purtroppo, la conclusione della trilogia ha dovuto aspettare 27 anni, fino a “La madre delle lacrime” del 2007, criticamente diffamato. 

121. “La casa del diavolo” (Ti West, 2009)

LA CASA DEL DIAVOLO, Jocelin Donahue, 2009. ©Magnet Releasing/cortesia Everett Collection

“La casa del diavolo”

Jocelin Donahue turns in one of the all-time great “final girl” performances in Ti West’s ‘80s-set 16mm chiller. Made when the director was still in his twenties, “The House of the Devil” translates the sensibility of “Rosemary’s Baby” to the Satanic panic of the Reagan years. College girl Donahue needs money to move off-campus, so she accepts a babysitting job. But she finds out its not to take care of a child, but an elderly parent, a bait-and-switch that prompts her to ask for more money: $400 specifically.

That the job poster (a creepily elegant Tom Noonan) is willing to pay that much (in 1980s dollars, remember) should give her pause. But it doesn’t, of course. Much of the film, then, features Donahue doing her job in the eerie house (without ever seeing her charge) without dialogue, an extremely difficult task to ratchet up the suspense purely through the filmmaking and Donahue’s quietly assured performance. But West is up to the task, and draws you in until you’re identifying with Donahue to an overwhelming degree. Also on hand, Greta Gerwig as Donahue’s schlubby best friend, who has one of the funniest voicemail greetings in movie history. 

120. “The Blood on Satan’s Claw” (Piers Haggard, 1971)

“The Blood on Satan’s Claw”

One of the “Unholy Trinity” of films that gave birth to the folk horror sub-genre (a cinematic realm that Kier-La Janisse’s recent documentary “Woodlands Dark and Days Bewitched” compellingly positions as a storytelling mode unto itself), Piers Haggard’s “The Blood on Satan’s Claws” continues to feel ancient and otherworldly even as its entire manner screams the 1970s. Haggard’s unfamiliarity with the horror genre lends a strange instability to this bucolic tale of demonic possession in 18th century England, as if the movie itself is a bit nervous and unsure about the sexually charged witchcraft that seems to be spreading throughout the pious little village where the movie takes place, and why some of the locals are growing patches of animal fur out of their backs. 

“Beware the wiles of women” warns Patrick Wymark in the second-to-last role he shot before his death, but there’s no defense against the sinister Angel Blake, who an unforgettable Linda Hayden embodies as the smirking personification of every patriarchal anxiety the church has ever had. What “The Blood on Satan’s Claw” lacks in spine-tingling scariness it more than makes up for in elemental dread and the pervasive (even psychedelic) dread that nature cannot be tamed, only shrouded in darkness.

119. “Inside” (Alexandre Bustillo & Julien Maury, 2007)

“Inside”

Il miglior thriller sulla gravidanza dai tempi di “Rosemary’s Baby” è anche, francamente, uno dei film slasher più snervanti mai realizzati. Il duo di registi francesi Alexandre Bustillo e Julien Maury (il cui seguito gotico relativamente sottovalutato “Livid” è totalmente diverso) non ha trattenuto nulla per questa storia di una donna incinta che respinge un invasore di casa che vuole il bambino nel suo grembo. Mai uscito nelle sale americane, “Inside” contiene alcune immagini seriamente demenziali, ma non prima di aver creato gli spavento con un’efficienza tecnica che è decisamente hitchcockiana.

Per la maggior parte, “Inside” ruota attorno agli sforzi della futura madre single Sarah (Alysson Paradis) per impedisce a un intruso di strapparle letteralmente un bambino dall’addome. Coltelli e forbici volano liberamente, ma l’elegante ripresa rende chiaro che i valoreri non mirano al puro shock. Invece, “Inside” è una classica storia di invasione domestica con la suspense alzata a 11 e le sanguinose battute finali fino a 12. Guardalo una volta e per sempre il film slasher che seguirà in seguito a lavorare un po’ più duramente per produrre il suo valore. 

118. “Attività paranormali” (Oren Peli, 2007)

“Attività paranormale”

Prima di un franchise senza fine di film horror di medio livello, “Paranormal Activity” ha avuto inizio come un thriller a basso budget spietatamente efficace che ha avuto l’attenzione nazionale sulla strada diventare per una delle uscite cinematografiche più redditizie della storia. Come il suo predecessore “The Blair Witch Project”, “Paranormal Activity” racconta una semplice storia di una coppia tormentata da una presenza soprannaturale nella loro casa di San Diego. Il regista Oren Peli ha deciso di girare la maggior parte del film utilizzando telecamere fisse (una differenza della telecamera mobile in “Blair Witch”), ed è una decisione che provoca la massima paura.Poiché le scene vengono trascinate fuori dalla telecamera e la telecamera è obbligata a studiare ogni centimetro della casa fino a quando qualcosa si insinua o qualcosa si muove e la paura è troppo palpabile da gestire. 

117. “Sinister” (Scott Derrickson, 2012)

“Sinistro”

Non c’è speranza nel triste e miserabile “Sinister” di Scott Derrickson, uno dei film horror più solitari mai realizzati. Parla di un vero scrittore di gialli di nome Ellison Oswalt, interpretato da un occhialuto Ethan Hawke, che dopo essere trasferito in una nuova casa, dove una famiglia era stata precedentemente uccisa, per motivi di ricerca, inizia a isolarsi nell’attacco guardando l’ orribile filmato di Super 8 lasciato per lui apparentemente da un fantasma. Il filmato i raccapriccianti, e sempre più elaborati, omicidi di diverse famiglie in modo agghiacciante, incluso, forse il più famoso, una corsa all’inferno con un tosaerba.Che il film abbia generato un sequel di successo non è una sorpresa, anche se il finale completamente senz’anima del film (che ha ribaltato il pensiero dell’infanticidio) sarebbe stata una conclusione piuttosto per questa storia a sott’acqua. 

116. “L’orfanotrofio” (JA Bayona, 2007)

“L’orfanotrofio”

Unendo la qualità da libro di fiabe gotiche di “Pan’s Labyrinth” con il terrore materno, il debutto del regista spagnolo Juan Antonio Bayona vede una donna che torna all’orfanotrofio dove è cresciuto e affronta i letterali fantasmi del suo passato; mentre è lì, il suo giovane figlio adottivo scompare sulla spiaggia desolata nelle vicinanze. Il dramma ambientato negli anni ’70 è un classico dramma inquietante che vira in un territorio morboso quando la donna diventa sempre più avvilita e le fondamenta stesse della sua realtà si avvia a crollare.

Il finale, un oscuro confronto con forze soprannaturali, è caratterizzato da una delle più grandi scene inquietanti di tutti i tempi: un conto lento alla rovescia nell’oscurità che vede un gruppo di bambini spettrali che si avvicinano costantemente nell’oscurità. Bayona ha da solo ringiovanito le eleganti possibilità del genere horror con questo compendio di paure di prim’ordine. Dall’ambientazione minimalista ai bambini spaventosi e alle forze invisibili, il film offre un miscuglio di ingredienti che rendono questo genere un mezzo così essenziale per confrontarsi con cose spaventose che vanno a sbattere nella notte. 

115. “Mandy” (Panos Cosmatos, 2018)

Nicolas Cage appare in <i>Mandy</i> di Panos Cosmatos, una selezione ufficiale del programma Midnight al Sundance Film Festival 2018. Per gentile concessione del Sundance Institute.  Tutte le foto sono protette da copyright e possono essere utilizzate dalla stampa solo a scopo di notizie o copertura editoriale dei programmi del Sundance Institute.  Le foto devono essere accompagnate da un credito al fotografo e/o "per gentile concessione del Sundance Institute".  L’uso, l’alterazione, la riproduzione o la vendita non autorizzati di loghi e/o foto sono severamente vietati.” referrerpolicy=”no-referrer”></p>
<p><span><span><span><span>“Mandy”</span></span></span></span></p>
</div>
<p><span><span><span><span><span>“Mandy,” il seguito di Panos Cosmatos al suo audace opera di fantascienza “Beyond the Black Rainbow,” è un’ondata indimenticabile di psichedelia e squilibrio. </span></span></span><span><span><span>Nicolas Cage interpreta un uomo costretto a una furia di vendetta dopo che un culto di scagnozzi motociclisti demoni ha rotto il suo matrimonio. </span></span></span><span><span><span>Basandosi sul modello di un thriller horror-vendetta, Cosmatos offre a Cage il veicolo perfetto per scatenare i suoi estremi più psicotici. </span></span></span><span><span><span>Il brivido di “Mandy” sta nel guardare la danza della follia tra la performance di Cage e la visione implacabile di Cosmatos. </span></span></span><span><span><span>Il regista e l’attore si spingono l’un l’altro verso tali estremi ipnotici e cruenti che le sequenze di “Mandy” sembrano decisamente espressionistiche.</span></span></span><span><span><span>Cage ha trascorso anni alla ricerca del tipo di materiale gonzo che meglio si adatta al suo stile e ha trovato la sua pazza corrispondenza in “Mandy”.</span></span></span></span></span></p>
<h3><span><span><span><span>114. “[Rec]” (Jaume Balagueró & Paco Plaza, 2007)</span></span></span></span></h3>
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“[Reg.]”

Siamo spiacenti, “Attività paranormali”: il miglior film horror found footage del nuovo millennio è questa implacabile interpretazione spagnola del genere zombi dei co-registi Jaume Balagueró e Paco Plaza, che trova un giornalista intrappolato in un edificio con vigili del fuoco condannati e difesa fuori dall’ordine di non morti posseduti dal demonio. Sony ha acquisito i diritti e li ha seppelliti su DVD, solo per fare il remake “Quarantine” colpo per colpo. Si può avere l’idea dalla versione in lingua inglese, ma l’originale conserva la sua viscerale immediatazza, che è così piena di terrore che i registi si sono lanciati direttamente in un sequel interrotto da dove si era il precedente.Vale la pena guardare “REC 2” per un’esperienza da brivido similitudine, ma “REC” è da solo un esempio teso di come l’ambiguità di filmati traballanti non sia una scusa per una narrazione scadente; 

113. “Saint Maud” (Rose Glass, 2020)

Santa Maud

“Santa Maud”

Un empio incrocio tra “First Reformed” e “The Exorcist”, il teso e tremante “Saint Maud” di Rose Glass trasmuta la crisi spirituale di una giovane donna in una storia così raffinata di body horror che guardarla sembra quasi un’esperienza religiosa. Infermiera di cure palliative in una triste cittadina da qualche parte lungo la costa britannica, la devota Maud (una divina  Morfydd Clark ) sta facendo del suo meglio per sigillare l’area intorno alla sua anima. Sembra essere una lotta infernale. Pacata ma vibrante di intensità da serial killer, Maud apre di rado la bocca quando non parla con Dio nel suo piccolo appartamento acetico, e ricorda al suo signore e salvatore che era destinato a qualcosa di più grande.La nuova amaro paziente di Maud (Jennifer Ehle) non condivide proprio la stessa fede.

Come la maggior parte dei film profani sul fervore di una devota fede religiosa, il primo lungoggio severo e malvagio di Glass diffida della credenza del suo protagonista; “Saint Maud” non ha fretta di definirne i termini, ma non c’è dubbio che Maud sia un film horror a sé stante. È come se l’alieno di “Under the Skin” si travestesse da suora. Non sono solo le striature rosse sull’addome o il rombo incessante dei violoncelli che la seguono ovunque vada, ma anche il modo in cui cammina attraverso i delicati telai di Glass come se avesse paura di romperli, e come stringe tutto ciò che può ogni volta che qualcuno cerca di parlare. È davvero possibile che una di quelle voci appartenga a Dio?A Maud sarà concesso un biglietto per il paradiso se riesce a salvare l’anima della sua paziente? Glass si rifiuta di coprire le sue scommesse. A modo suo, la regista è tanto una linea dura quanto la sua eroina, e “Saint Maud” è tanto più terrificante per il modo in cui si rifiuta di tirarsi indietro dalla sua verità. 

112. “L’invasione degli ultracorpi” (Philip Kaufman, 1978)

“L’invasione degli ultracorpi”

La versione di Philip Kaufman del 1978 di “L’invasione degli ultracorpi” abbandona l’armatura del film di serie B dell’originale di Don Siegel del 1956 (per quanto glorioso possa essere anche quel film) per guadare nelle acque della paranoia trasudante degli anni ’70. Con una sceneggiatura di WD Richter, questo si adatta perfettamente ai film di Alan J. Pakula come “The Parallax View” e “Klute” come una fetta di freddezza degli anni ’70 della Guerra Fredda. È completato da un cast eccezionale che include Donald Sutherland nei panni di uno scienziato cool, Jeff Goldblum nei panni del suo amico, oltre a Brooke Adams, Leonard Nimoy e Veronica Cartwright.I set gelatinosi ei corpi di capsule aliene che sembrano sbocciare sono una delizia disgustosa, ma il film cattura anche in modo evocativo la Bay Area, come raro promemoria di quanto possa essere bello un film degli anni ’70 ambientato a San Francisco. 

111. “Midsommar” (Ari Aster, 2019)

“Mezzogiorno”

“Midsommar” inizia con un evento traumatico e si conclude con una scena di sesso perversa, coronata da circostanze subdole e vendicative allo stesso tempo catartiche e macabre. È un film di follia per cui vale la pena fare il tifo: Aster rielabora “The Wicker Man” come un film perverso sulla rottura, soffoca la mitologia svedese nella disperazione bergmanesca e dà fuoco all’epico collage. 

Forse il primo film horror in buona fede ambientato esclusivamente alla luce del giorno, “Midsommar” si svolge contro il bianco accecante del sole di mezzanotte e panorami bucolici in contrasto con i disturbi psicologici in gioco. Florence P è sbalorditiva nei panni di Dani, che tenta di riprendersi da una recente perdita seguendo il suo terribile fidanzato (Jack Reynor) in un viaggio nella campagna svedese. Ne deriva ogni tipo di bizzarro caos da culto, mentre il film si basa sul rituale ribelle della Regina di Maggio che raggiunge vette fantasmagoriche nel suo finale psichedelico. “Midsommar” illustra il potenziale di un regista innamorato dei classici film horror e desideroso di trasformarli in strumenti esperti per analizzare i problemi intimi.A volte diventiamo tutti un po’ matti, specialmente quando si tratta di brutte rotture,

110. “Dracula” (Tod Browning, 1931)

“Dracula”

La prima cosa che noti è la sua immobilità. L’effetto agghiacciante della performance di Bela Lugosi nei panni del conte non morto della Transilvania risiede nella sua capacità straordinaria di fissare la telecamera… e dentro di te. I primi 15 minuti sono tutto ciò che è ambientato nel paese natale di questo vampiro cortese, ma il regista Tod Browning offre un capolavoro di atmosfera. Uno che è anche abbastanza accurato: quando Bram Stoker pubblicò “Dracula” nel 1897, la Transilvania faceva parte del Regno d’Ungheria, tutti i contadini che vedete recitano le loro preghiere in ungherese, e quindi lo stesso Lugosi, 48 quando indossò il mantello e zanne sullo schermo, era ungherese.

Era solo 6’1″ ma in qualche modo sembra molto più alto. Con gli occhi ben illuminati da un riflettore del direttore della fotografia Karl Freund, Lugosi sembra sorprendente, persino bello. La sua lunga consegna ha posto le basi per innumerevoli film horror in arrivo (e ancora più parodie): “Non bevo… vino”. “Partiremo domani… sera.” Ma nel contesto si adatta anche a un personaggio per il quale l’inglese è tutt’altro che una lingua madre, e si presta a una storia su due inglesi che temono questo straniero esotico con i suoi strani appetiti. La maggior parte dei brividi di Browning deriva da semplici montaggi di inquadratura inversa, il tutto alimentato dallo sguardo incrollabile di Lugosi. Comanda la telecamera.Tanto che pensi che sarà lui il prossimo a comandarti. 

109. “Ereditario” (Ari Aster, 2018)

“editoriale”

Una meditazione magistralmente realizzata su traumiti, eredità inevitabili (il tipo che tende a marcire nell’oscurità ereditaria della soffitta come cimeli di famiglia che hai troppa paura di cercare per non parlare di buttare via) e il senso di colpa che tanti genitori provano nel portare un bambino in In questo mondo malato e triste, “Hereditary” di Ari Aster bagna un dramma intergenerazionale con un carburante da incubo senza piombo fino a quando una sola scintilla è sufficiente per far auto-immolare un’intera famiglia. Toni Collette offre la migliore interpretazione della carriera nei panni della sfilacciata Annie Graham, un’artista dello Utah la cui morte della madre innesca una reazione a catena di tragedie che si svolgono con predeterminazione quasi genetica;la decapitazione della figlia preadolescente, una scossa trasgressiva in un film pieno di paure indimenticabili, è solo il primo segno di una maledizione inarrestabile.

Il film d’esordio di Aster fonde così magnificamente i conflitti familiari in un horror satanico da infiammare molte chiacchiere inutili sulla semantica del suo genere, ma l’unico “horror elevator” di cui vale la pena parlare è Collette che si nasconde nell’ombra lungo la parte superiore dell’inquadratura come un ragno demoniaco. Se le sale cinematografiche si estingueranno davvero, è quel tipo di momento – ogni membro del pubblico che lo vede alla propria velocità con un sussulto incontrollabile – che ci perseguiterà per averli lasciati morire. 

108. “Gli sconosciuti” (Bryan Bertino, 2008)

“Gli stranieri”

Il debutto alla regia di Bryan Bertino è uno dei film in scala ridotta di questa lista, ma la sua semplicità è anche la sua più grande virtù. La premessa è così snervante perché, a differenza di un’apocalisse di zombi o di un massacro di motoseghe in Texas, potrebbe accadere a chiunque, ovunque. E in “Gli sconosciuti” lo fa. Liv Tyler e Scott Speedman interpretano una coppia molto normale il cui dramma relazionale molto ordinario viene interrotto da un bussare alla porta; tre cattivi mascherati, potenziati solo da alcuni coltelli e dai loro desideri sadici, sono passati per rovinare la loro notte.I giochi malvagi a cui giocano sono realizzati con rabbia vivida e brutalità cruda, ma questo è il raro film horror che diventa ancora più spaventoso con la sua rivelazione finale. Perché questi maniaci hanno preso di mira questa coppia in particolare, e in che quartiere saranno domani? Le risposte a queste domande lasciate a tenerci svegli la notte. 

107. “Häxan” (Benjamin Christensen, 1922)

“Häxan”

Questo film saggio in quattro parti è stato il film muto scandinavo più costoso mai realizzato, e si vede Beh, almeno in parte. Alcune delle rievocazioni del medioevo e delle accuse di stregoneria storiche sono sontuose nella loro portata e consistenza… altri segmenti, tra cui gran parte dell’inizio, sembrano una versione degli anni ’20 di un documentario di Ken Burns, con la telecamera puntata su disegni e litografie per rappresentare una storia della stregoneria e come questi eventi soprannaturali possono essere spiegati attraverso la medicina e la psicologia moderne. A volte un puntatore di legno, rivolto alla mano del regista Benjamin Christn, sporge nella cornice per attirare l’attenzione su un particolare del disegno in questione.

Purtroppo, lo zoom di Ken Burns non era ancora tecnicamente possibile. (Per suggerire che il film che segue sia, almeno in una certa misura, un’opera di borsa di studio, Christensen appare in primo piano nei titoli di testa, un effetto che sembra più simile al poster di Tommy Wiseau per “The Room” che a qualsiasi cosa di professorale. ) C’è molto qui per soddisfare i macabri, tuttavia, e per i cinefili il film colpisce particolarmente per il modo in cui collega l’iconografia horror dei secoli passati alle paure che abbiamo ricevuto dai film: alcune modifiche al demone nell’immagine sopra e hai la creatura in “Sputnik”. 

106. “Shutter Island” (Martin Scorsese, 2010)

“Shutter Island”

Anche i film più pesanti di Martin Scorsese sono infinitamente rivisibili – c’è solo un’attrazione centrifuga nell’attenzione e nel cinetismo del suo cinema, come potrebbe dire chiunque passato gli ultimi 25 anni abbia a essere risocchiato in parti casuali di “Casino” su HBO – ma ” Shutter Island ” è uno dei pochi che sembra cambiare forma davanti ai tuoi occhi durante le ripetute recensioni. Un adattamento salato di Dennis Lehane che si traveste da thriller poliziesco oscuro e tempestoso per mascherare l’orrore psicologico che sta ribollendo sotto la superficie, il pulpfest di Scorsese è stato in gran parte oscurato da un finale intricato che si basa sulla scienza del cervello di livello “Spellbound” dell’ambientazione del dopoguerra.

un tappeto per secoli, uno che rimuove così grossolanamente il mistero centrale del film che sentirti un po’ ingannato dai suoi espedienti. Abbiate il coraggio di rivisitare l’Ashecliffe Hospital per i pazzi criminali, tuttavia, e diventa una cosa completamente diversa. Così fa anche il film stesso: quello che una volta sembrava un enigma con una soluzione facile si confonde in una tragedia senza scampo. In un elenco pieno di indelebili storie di fantasmi, pochi personaggi sono più dolorosamente ossessionati di “Teddy” di DiCaprio, un uomo che è stato intrappolato in una prigione del proprio trauma per così tanto tempo, che non può più sopportare di vivere con se stesso . È difficile immaginare un destino molto più spaventoso di quello. 

105. “La notte del cacciatore” (Charles Laughton, 1955)

“La notte del cacciatore”

E se non potessi fidarti delle persone che dovrebbero proteggerti? Se sei un bambino, non c’è niente di più spaventoso che se i protettori in questione erano i tuoi genitori. Il padre del giovane John e Pearl (Peter Graves) è un rapinatore di banche e assassino che ha nascosto i $ 10.000 che ha rubato in un luogo che solo i suoi figli parlano. Il suo squilibrato compagno di cella, un serial killer (Robert Mitchum) che si atteggia a predicatore per sposare donne, prendere i loro soldi e poi ucciderle, scopre che questi tipi sanno dove si trova il bottino. Dopo il rilascio, si trasferisce nella loro città, corteggia la madre volitiva (Shelley Winters) e inizia a minacciare i suoi nuovi figliastri.Quello che segue diventa un thriller di inseguimento più che un vero film horror – in un elenco di film semplicemente fantastici, “La notte del cacciatore” potrebbe apparire in una classifica più alta di soli 105 – ma cattura un filone unico di horror per bambini.

Conosci l’horror per bambini. È la paura che hai provato quando hai visto il cacciatore prepararsi a conficcare un pugnale nel cuore di Biancaneve, e poi (almeno nella versione Disney) il suo volo espressionistico attraverso i boschi. È il brivido che ti è sceso lungo la schiena quando hai capito cosa è successo alla madre di Bambi. Una volta che l’inseguimento è iniziato, il regista Charles Laughton distribuisce immagini da favola: i bambini, su una zattera, superano una rana toro in primo piano. C’è un senso di chiarezza e meraviglia in queste immagini (fotografate dal direttore della fotografia di “Magnificent Ambersons” Stanley Cortez) come se fossimo in un film d’animazione Disney che prendono vita… con il tutto senso di terrore che comporta .Poi Mitchum può essere sentito in lontananza cantare “Leanin'” e sai che la morte è vicina. Agghiacciante. 

104. “La nebbia” (Frank Darabont, 2007)

“La Foschia”

Ci sono due tipi di adattamenti di Stephen King: quelli che disonerano il loro materiale originale e quelli che elevano i romanzi ei racconti dell’autore a nuove sbalorditive vette. “The Mist” di Frank Darabont, molto simile a “The Shawshank Redemption” di Frank Darabont, è inconfondibilmente uno di questi ultimi. L’azione è confinata negli sterili confini di un supermercato del Maine, dove gli acquirenti locali si trovano a cercare di dare un senso alla fitta nebbia che ha avvolto la loro città (e sopravvivere ai mostri pronti per l’incubo che vivono all’interno della foschia impenetrabile, alcuni dei più terrificanti creature cinematografiche da questa parte di “The Thing”).Mentre la tensione cresce tra il pittore dal cuore onesto di Thomas Jane e la lunatica profetizzatrice di sventure di Marcia Gay Harden, il film si rapprende in un ritratto di speranza unico e straziante, e – nell’indimenticabile scena finale che King stesso vede come un miglioramento del suo romanzo – l’orrore di perderlo. Con il nostro futuro sempre più nebbioso di giorno in giorno, quegli ultimi minuti angosciosi riescono in qualche modo a colpire ancora più duramente. 

103. “La carrozza fantasma” (Victor Sjöström, 1921)

“La carrozza fantasma”

I film horror più profondi non riguardano solo la morte, ma la vita sprecata. David Holm (Sjöström) ha condotto una vita senza valore come puoi immaginare. Mettendo il suo amore per la bottiglia prima di tutto, ha respinto sua moglie ei suoi figli, ha portato anche suo fratello all’alcolismo (con il risultato che suo fratello è diventato un assassino) e quasi deliberatamente infetta un lavoratore dell’Esercito della Salvezza con la tubercolosi. È un sacco di merda. Alla vigilia di Capodanno, sceglie di suonare a mezzanotte in un cimitero di una chiesa con due compagni vagabondi, quando viene a sapere che la ragazza più ente dell’Esercito della Salvezza vuole vederlo prima di arrivare il suo ultimo respiro. Si rifiuta.Gli altri due vagabondi sono così sconvolti che gli spacca una bottiglia in testa, uccidendolo.

Sai che questo film ha un ulteriore grado di realismo perché è uno dei pochi film a suggerire con precisione quanto sarebbe dannoso essere schiacciati nella zucca con una bottiglia! Quel realismo rende gli elementi soprannaturali che seguono ancora più tangibili: il cocchiere della morte viene a venire a David, non solo per portarlo all’inferno, ma perché David accetta il suo lavoro. Chi muore allo scoccare della mezzanotte di Capodanno deve governare la carrozza della morte per un anno prima di passare nell’aldilà. Quella che segue è una combinazione di “A Christmas Carol” e “The Seventh Seal” (su cui “The Phantom Carriage” ha chiaramente avuto un’ 

102. “Sicuro” (Todd Haynes, 1995)

“Sicuro”

Ambientato in un arido tratto della California al culmine dell’epidemia di AIDS che non menziona mai per nome, l’obliquo e seducente “Safe” di Todd Haynes continua a risuonare attraverso gli orrori delle nostre crisi di salute pubblica. Julianne Moore offre una performance all-in, corpo e anima nei panni di Carol White, una casalinga insignificante che cerca di vivere la vita senza occupare troppo spazio. La sua voce è mite e attita, ogni espressione è una lotta per non consumare troppo ossigeno; il suo piccolo mondo è allo stesso tempo privo di aria e tossico.E poi si ammala di una “malattia ambientale” che sfugge alla diagnosi: sulla scia di un violento attacco anafilattico in una struttura di lavaggio a secco, Carol viene ricoverata in una comunità del deserto new age dove persone con condizioni simili si nascondono da una presunta concordia. civiltà. Per loro, l’isolamento è sia la risposta al loro problema che il problema stesso. Qual è la causa della malattia di Carol? Potrebbe essere allergica allo stesso 20esimo secolo?

La cosa più spaventosa del film di Haynes è quanto insidiosamente trattiene Carol da quelle domande, e noi insieme a lei. Guardare la vita di Carol dilaniata da una forza invisibile e malevola è stranamente rilassante, poiché similitudine il film mantiene una temperatura costante e fresca mentre un ronzio a un condizionatore d’aria o una macchina a rumore bianco ti invita fuori controllo sprofondare come una trance nel lento… orrore ribollente di tutto ciò. Ma la calma assoluta del film trova il terrore negli angoli del silenzio, finché la promessa di salvezza non diventa una sinistra trappola a se stessa. 

101. “Testa di gomma” (David Lynch, 1977)

“Gomma da cancellare”

David Lynch potrebbe non aver mai catturato completamente il “dove sono? Sono anche su questo pianeta?” terrore dislocante di “Eraserhead” fino alla “Parte 8” di “Twin Peaks: The Return” 40 anni dopo. “Era” è pura immersione: in uno strano mondo unoschlub solitario (Jack Nance) si ritrovaser rimosso a cura di una creatura birra, fallica e aliena. Baby Yoda questo non è (grazie a Dio). Segue una metafora del puro orrore dellaalità: questo bambino non fa altro che sdraiarsi lì e richiedere cure e attenzioni costanti senza produrre alcun apparente ritorno sull’investimento. Qualcosa si romperà, forse il mondo stesso?L’eroe pettinato di Nance (il suo successo follicolare è la ragione del titolo) inizia ad avere allucinazioni sempre più terrori: il bambino tutto adulto e in tailleur, che si trova in uno strano teatro in cui una cantante di vaudeville si esibisce mentre degli spermatozoi giganti cadono intorno a lei. Le cose non andranno a finire bene. Ma fino a quel climax apocalittico, ti aspetta un’immersione sensuale di trame sonore come quelle che il cinema ci ha a malapena regalato da allora. 

100. “Villaggio dei dannati” (Wolf Rilla, 1960)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di MGM/Kobal/REX/Shutterstock (5880815a) June Cowell, Martin Stephens Village Of The Damned - 1960 Direttore: Wolf Rilla MGM GRAN BRETAGNA Scene Still Le Village des damnés

“Villaggio dei Dannati”

E se i bambini non erano il nostro futuro? Questa è la vile domanda che George Sanders deve affrontare come professore nel piccolo villaggio inglese di Midwich, la cui moglie è stata messa incinta da una forza extraterrestre insieme a tutte le altre donne vicine in età fertile. Il personaggio di Sanders è dotto, sofisticato e tollerante, e crede che i giovani bambini alieni che sono nati – tutti con dubbio capelli biondo platino e occhi luminosi – meritino il beneficio del. Si rende presto conto di avere torto – anche su suo “figlio” – arrivando alla fine a una soluzione stalinista. Gocciolante di terrore, “Villaggio dei Dannati” suggerisce che la paranoia che respingiamo potrebbe non essere sempre infondata.Piuttosto che l’arco della storia piegato verso il progresso e la giustizia, il futuro può contenere solo entropia e il futuro. 

99. “L’anello” (Gore Verbinski, 2002)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Dreamworks Llc/Macdonald/Parkes Prods./Kobal/REX/Shutterstock (5882479a) The Ring (2002) The Ring - 2002 Direttore: Gore Verbinski Dreamworks Llc/Macdonald/Parkes Productions USA Scene Ancora Commedia

“L’anello”

Il racconto soprannaturale di Gore Verbinski è un remake del film horror giapponese del 1998 “Ringu”, tratto dall’omonimo romanzo di Koji Suzuki. Un giornalista indaga sulla leggenda di una videocassetta composta da immagini inquietanti e mistificanti che, se guardate portano a una telefonata che predice la morte dello spettatore in sette giorni. Guidata da un’appassionata esibizione di Naomi Watts, questa enigmatica storia di fantasmi è ricca di atmosfera, grazie in parte all’ambientazione cupa e isolata di Seattle, e offre dei veri spaventi. Oscuri, inquietanti e volutamenteritmati, diversi avvincenti colpi di scena che rivelano gradualmente la trama mistificante del film attireranno l’attenzione del pubblico.Il primo remake americano di “J-Horror”, i fan dell’originale dovrebbero trovare questo remake quasi altrettanto avvincente. 

98. “Il mutaforma” (Peter Medak, 1980)

George C. Scott e Trish Van Devere in “The Changeling”

Da “The Uninvited” a “The Innocents”, l’horror ama una bella storia di fantasmi e “The Changeling” degli anni ’80 rimane uno dei migliori del genere. Dopo la tragica morte della sua famiglia, un compositore si trasferisce in una dimora storica a Seattle, ma la casa idilliaca ospita anche lo spirito di un bambino angosciato, uno che è stato nascosto in casa prima di essere ucciso, e che è pronto a cercare vendetta sulla famiglia che lo ha cancellato dal loro passato. “The Changeling” racchiude anche un sacco di paure, in particolare la scena inquietante della seduta spiritica del film, che ha indubbiamente ispirato “The Others” del 2001.dopo “The Changeling” non è così noto come alcune delle altre storie di fantasmi dell’orrore, è uno dei preferiti sia di Martin Scorsese che di Steven Spielberg, che si dice l’abbia proiettato durante la produzione di “Poltergeist”. Con una performance potente di George C.

97. “Alucarda” (Juan López Moctezuma, 1977)

“Alucarda”

Alucida ha vissuto tutta la vita in convento, ma il suo mondo cambia con l’arrivo di Justine, un’altra giovane orfana. Le due ragazze diventano inseparabili, con la loro amicizia spesso al limite di una relazione sessuale. Mentre sono nei boschi, si imbattono in uno strano cimitero e accidentalmente scatenano una forza demoniaca, che presto li possiede e minaccia di fare a pezzi l’intero convento e tutti i suoi abitanti. Proprio come “The Devils” di Ken Russell, “Alucarda” è pieno di estasi sessuale in un ambiente religioso, dove l’iconografia diventa sacrilega.Le ragazze giurano i loro corpi l’una all’altra e al diavolo, mostrato nella sua forma più bestiale, con zoccoli spaccati e corna arricciate, un incubo peloso che senza dubbio è servito da ispirazione per alcuni dei mostri più fantastici di Guillermo del Toro . Mentre la congrega si deve per pregare, le ragazze ora completamente posseduto, non nulla di santo l’intera cappella precipita nel caos, creando un finale indimenticabile. “Alucarda” potrebbe non essere così conosciuto come “L’esorcista”, ma è un film di possesse diverso da qualsiasi altro, uno che non ricade sui stanchi tropi del genere, lasciandolo davvero scioccante. 

96. “Racconti dal cofano” (Rusty Cundieff, 1995)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Toni Scott/Kobal/REX/Shutterstock (5863958b) Tales From The Hood (1995) Tales From The Hood - 1995 Direttore: Rusty Cundieff 40 Acres & A Mule USA Scene Still Horror

“Racconti dal cofano”

Una svolta fedele sui film horror antologia della British Amicus Production, popolari negli anni ’60 e ’70, il classico cult di Cundieff usa la satira per affrontare la razza e il razzismo (tra gli altri temi), pur rimanendo alle convenzioni del genere orrore. Si svolge più o meno nello stesso stile dei film di Amicus, che in genere segue un gruppo di estranei che si riuniscono per affrontare un indovino malvagio e, in una serie di sequenze di flashforward o flashback, imparano come moriranno o come sono morti . In “Hood”, tre aspiranti teppisti visitano un’impresa di pompe funebri gestita da un eccentrico e inquietante becchino (interpretato con verve da Clarence Williams III), con l’intenzione di acquistare da lui droghe “trovate” per poi venderle per strada.Ovviamente, ognuno di loro ottenuto più di quanto si aspettasse quando Williams invece recita quattro tristi storie dell’orrore che li spaventano, dopo di che l’impresario di pompe funebri rivela il suo vero sé e il trio delinquente viene a conoscere il loro destino finale . Non solo “Hood” prende in giro in modo efficace la premessa dell’antologia di Amicus, ma fa anche commenti potenti (a volte con umorismo pungente) su una serie di domande specifiche dell’esperienza nera, come la brutalità della polizia, il razzismo istituzionale e la violenza delle bande. Alcuni aspetti potrebbero sembrare dati 23 anni dopo, ma “Hood” racchiude ancora un colpo. Cundieff ha prodotto un sequel minore nel 2018.Alcuni aspetti potrebbero sembrare dati 23 anni dopo, ma “Hood” racchiude ancora un colpo. Cundieff ha prodotto un sequel minore nel 2018. Alcuni aspetti potrebbero sembrare dati 23 anni dopo, ma “Hood” racchiude ancora un colpo. Cundieff ha prodotto un sequel minore nel 2018. 

95. “Messia del male” (Willard Huyck e Gloria Katz, 1973)

“Messia del maschio”

“Messiah of Evil” è una gemmarsi nascosta che riesce a insinuarsi sotto la pelle nonostante il suo budget molto basso. Quando una donna si reca in una città di mare per cercare il padre scomparso, scopre che il villaggio inquietante è stato infiltrato da un culto di non morti. Non è mai del tutto chiaro se i non morti siano zombi o vampiri, ma la loro presenza è irremovibile e minacciosa. Mentre “Messiah of Evil” è meno noto, è pieno di scene iconiche e memorabili (una vittima che viene divorata in un supermercato, un’altra circondata dai non morti al cinema) che ricordano alcuni dei migliori lavori di George A. Romero.Scritto e co-diretto dal team di marito e moglie Willard Huyck e Gloria Katz, che in seguito ripetuto co-scritto “American Graffiti” e “Indiana Jones and the Temple of Doom” vale la pena cercare . 

94. “Una baia di sangue” (Mario Bava, 1971)

“Una baia di sangue”

Nel 1963, Mario Bava pubblicò “La ragazza che sapeva troppo”, dando il via al sottogenere giallo che avrebbe dominato l’horror italiano per gli anni a venire. Nel 1971, Bava ha reinventato ancora una volta il genere con il suo primo slasher “A Bay of Blood”, in cui l’omicidio di una ricca ereditiera dà il via a una follia omicida alimentata dall’avidità, che prende di mira anche un gruppo di adolescenti innocenti che si accampano nelle vicinanze. “A Bay of Blood” sarebbe servito come ispirazione chiave per “Venerdì 13” e il suo successivo sequel, con il franchise che copia due omicidi del film di Bava quasi girati per le riprese.Rimane un orologio per i fan dell’horror e un promemoria di come Bava ha continuato a spingere l’horror in e interessanti regni, i cui riverberi si stanno ancora nuovi oggi. 

93. “Problemi ogni giorno” (Claire Denis, 2001)

Vincent Gallo ne "I guai ogni giorno"

Vincent Gallo ne “I guai ogni giorno”

Collega sesso e violenza in un film sui vampiri non è un terreno nuovo, ma attraverso l’obiettivo della regista Claire Denis – il modo in cui la sua telecamera studia i corpi in movimento – diventa un’estensione naturale dei suoi drammi più tranquilli e uno sguardo cupo alla natura dell’uomo. Normalmente Parigi è la città romantica perfetta per una luna di miele, ma il nostro sposo, uno scienziato americano (Vincent Gallo), è lì per cercare la sua ex amante Coré (Béatrice Dalle), con la quale condivide il desiderio di sangue quando si eccita. Coré è diventata una seduttrice simile a “Under the Skin”, che attira gli uomini in luoghi nascosti con la promessa del sesso, prima di ridurli a brandelli.Alla fine, custode di Coré Léo (Alex Descas) – un altro il scienziato di sorta – la rintraccia, seppellisce i corpi e la rinchiude suo laboratorio nel seminterrato. È uno schema che descrive la loro relazione. 

92. “L’inquilino” (Roman Polanski, 1976)

Roman Polanski e Shelly Winters ne "L'inquilino"

Roman Polanski e Shelly Winters ne “L’inquilino”

Il terzo film di “Apartment Trilogy” di Polanski è meno noto dei due precedenti (“Repulsion” e “Rosemary’s Baby”), ma utilizza le stesse sottili rotture con la realtà per il marchio unico di horror psicologico del regista, senza mai farcela . chiaro se ciò che stiamo vedendo è immaginato o sta accadendo davvero. Lo stesso Polanski interpreta il nuovo inquilino senza pretese che fatto sentire sgradito dai suoi nuovi vicini parigini mentre il ricordo del precedente inquilino – che ha fatto il suicidio gettandosi dalla finestra – aleggia sul film. In “The Tenant”, Polanski, che ha trascorso la maggior parte della sua vita come immigrato, cattura la sensazione di come ci si sente a non adattarsi mai del tutto e vivere la realtà in un modo diverso dagli altri. 

91. “Buonanotte mamma” (Veronika Franz e Severin Fiala, 2014)

“Buonanotte mamma”

C’è orrore che vedi e orrore che puoi provare. Una lenta costruzione psicologica dall’inizio senza pretese alla fine infuocata, questo è snervante il cinema – e non solo a causa dei feroci danni fisici in mostra. È intriso della sensazione insidiosa e inquietante sepolta dentro di te: l’idea che l’incapacità della tua stessa famiglia di riconoscerti possa trasformarsi in qualcosa di così brutale. “Goodnight Mommy” è una dura interpretazione della paura dell’ignoto che permea così tante storie in questo elenco. Sì, può sembrare un test di resistenza. Ma qui c’è uno straordinario elemento di controllo, 

90. “L’uomo leopardo” (Jacques Tourneur, 1943)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di RKO/Kobal/REX/Shutterstock (5867591c) Margo The Leopard Man - 1943 Direttore: Jacques Tourneur RKO USA Scene Still L'Homme léopard

“L’uomo leopardo”

Non si può affermare abbastanza quanto siano influenti i film del produttore Val Lewton, il vero autore dietro una straordinaria serie di film horror per RKO negli anni ’40. Nella loro ingegnosità lo-fi hanno suggerito che più visioni personali potrebbero essere concesse ai registi indipendenti: minore è il budget, minore è il controllo da parte dei finanziatori. Ma la loro dipendenza dalla suggestione rispetto allo shock si sarebbe rivelato un’influenza importante anche sul cinema di successo: Spielberg ha preso a cuore la lezione di Lewton con “Lo squalo” che quello che non vedi può essere più spaventoso di quello che fai.“The Leopard Man” potrebbe essere all’estremità inferiore del canone di Lewton, ma nelle mani di uno dei suoi registi di riferimento, Jacques Tourneur, questo giallo su un’ondata di omicidi è ricco di dettagli nella sua ambientazione unica nel New Mexico . Oh, ha anche la scena del delitto più agghiacciante che tu abbia mai visto. 

89. “Viy” (Konstantin Yershov e Georgi Kropachyov, 1967)

“Viy”

Basato su una storia di Nikolai Gogol, “Viy” è uno dei rari film horror realizzati in Russia durante l’era sovietica. Un gruppo di studenti di seminario vagando per le campagne trascorre una notte in compagnia di una strega, che viene uccisa da uno degli studenti. Al mattino, scoprono che la strega era in realtà la figlia di un ricco proprietario terriero, e ora gli uomini devono passare tre notti rinchiusi nella chiesa locale, proteggendo il suo corpo dagli spiriti maligni.Gli orrori che gli uomini nelle strega tre notti potrebbero rivaleggiare con alcuni dei migliori mostri di Guillermo del Toro: gob con carne che si scioglie, demoni appuntiti e scheletri frastagliati, mani disarticolate che sfondano i muri della chiesa e lo spirito della giovane, vestita con un abito bianco etereo e una corona di fiori a margherita, lacrime sanguinanti negli occhi, alternativamente bella e terrificante. 

88. “La fama” (Tony Scott, 1983)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di MGM/UA/Kobal/REX/Shutterstock (5884918e) Ann Magnuson, David Bowie The Hunger - 1983 Direttore: Tony Scott MGM/UA Scene Still Horror Les Prédateurs

“La fama”

È difficile alle spalle che qualcuno voglia mai lasciarsi alle spalle David Bowie, ma è proprio quello che fa Catherine Deneuve nei panni dell’eterea vampira Miriam in “The Hunger”. fin sia stato consegnato 200 anni prima e gli fosse stato promesso la vita eterna, il John di Bowie inizia a invecchiare rapidamente, facendogli capire che vita eterna non significa eterna giovinezza. Respinta dal suo aspetto, Miriam lo respinge e inizia a cercare una nuova conquista, che trova presto in Sarah (Susan Sarandon), una dottoressa specializzata nell’invecchiamento che stava cercando di aiutare John.Ma Sarah non è compia come gli ex amanti di Miriam, e poiché Sarah lotta per adattarsi al suo nuovo modo di vivere, la mette in conflitto diretto con Miriam, minacciando di svelare il suo segreto secolare. “The Hunger” è un film di qualsiasi vampiri d’atmosfera diverso da altro. Se è stato fatto molto sul sesso lesbico bollente di Sarandon e Deneuve, il film è anche noto per la sua sequenza di apertura, in cui John e Miriam sono in cerca di amanti che possono trasformarsi in un pasto. L’iconica sequenza in seguito è servita da ispirazione per l’introduzione di Lady Gaga in “American Horror Story: Hotel”. 

87. “La maschera della morte rossa” (Roger Corman, 1964)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di AIP/Kobal/REX/Shutterstock (5879804h) Masque Of The Red Death (1964) Masque Of The Red Death - 1964 Direttore: Roger Corman AIP USA/UK Scene Still Edgar Allan Poe Mask Di La morte rossa Le Masque de la mort rouge (1964)

“Maschera della Morte Rossa”

È incredibile quanto Roger Corman possa ricavare da così poco. Questo adattamento di Edgar Allan Poe con Vincent Price nei panni del malvagio nobile principe Prospero i cui molti peccati tornano ad affliggerlo (letteralmente) è un capolavoro di scenografia. Una sequenza stanze segue qualcuno che cammina attraverso una catena di collegate nel castello di Price e gli arredi e la carta da parati di ogni stanza sono interamente di un colore strabiliante.Questo è un film per gli occhi tanto quanto “Suspiria” e “Inferno” di Argento, ma se le tinte audaci di quelle feste cruente sembrano spesso non motivate dalla storia, le scelte stilistiche audaci di Corman servono un messaggio politico: che l’uno per cento indifferente mette così molto tempo in un progetto per vivere che hanno dimenticato ogni scopo per vivere. 

86. “Un incubo su Elm Street” (Wes Craven, 1984)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di New Line/The Elm Street Venture/Kobal/REX/Shutterstock (5882371h) Heather Langenkamp A Nightmare On Elm Street - 1984 Direttore: Wes Craven New Line/The Elm Street Venture USA Scene Still L'orrore Le griffe della notte

“Un incubo su Elm Street”

Qualunque sia la meta tana del coniglio che le successive puntate di “Elm Street” possono aver esplorato, il racconto originale di Freddy Krueger è decisamente fuori moda. Semplicemente, si tratta di come i giovani devonono sempre pagare per gli errori delle generazioni precedenti: quando i genitori di Elm Street si sono fatti giustizia e hanno bruciato vivo il loro vicino Krueger dopo aver che era un pedofilo, scoperto lui torna un fantasma a minacciare i loro figli. Il messaggio di Craven è chiaro: Krueger doveva essere assicurato alla giustizia, ma le persone che prendono in mano la legge non sono mai giustizia. La Nancy di Heather Langenkamp è la più bella Final Girl dai tempi di Laurie Strode nella sua ricerca per sconfiggere Krueger e affrontare il peccato dei suoi genitori.Senti la sua rimozione e ti identifichi con lei così mentre l’aspettano o ribili paure: Le odiose telefonate di Krueger (in qualche modo sferzando letteralmente la lingua attraverso il ricevitore del telefono) e la sua mano similitudine ad un artiglio che emerge’ acqua della vasca quando lei è a mollo vasca nella vasca. Quelle sono immagini indelebili, ma è merito di Craven che lavora con non ancora per disuman, ma per farti definire ed entrare in empatia. 

85. “Anticristo” (Lars von Trier, 2009)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Zentropa Ents./Kobal/REX/Shutterstock (5881752m) Charlotte Gainsbourg Antichrist - 2009 Direttore: Lars Von Trier Zentropa Ents.  DANIMARCA Scena ancora

“Anticristo”

Il primo film della “Trilogia della depressione” del maestro provocatore Lars von Trier, ha suscitato molte polemiche e ha generato una miriade di tesi e analisi, come con ogni altro film di von Trier. Splendidamente stilizzato, denso di lutto e disperazione, racconta la storia di una coppia che, dopo la morte del figlio, si ritira in una capanna nel bosco dove l’uomo ha visioni bizarre e la donna si impegna in comportamenti sessuali sempre più violenti, ” Anticristo” si dice che sia stato estratto dalle lotte di von Trion contro la depressione al momento della sua stesura. È evidente. Certamente divisivo quando è stato rilasciato, può in definitiva essere considerato una meditazione sulle risposte umane al trauma psicologico.Preparati a confrontarti con la sua crudeltà a volte grafica. Proprio alla fine, il pubblico sarà affascinato dai suoi suggestivi tableaux e dalle ottime performance di Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg. “Melancholia” e “Nymphomaniac” completano la trilogia di von Trier. 

84. “Che fine ha fatto Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962)

Solo per uso editorialeCredito obbligatorio: Foto di SNAP/REX/Shutterstock (390848p)FILM DI "COSA È MAI SUCCESSO A BABY JANE?"  CON 1962, AEREO, ROBERT ALDRICH, JOAN CRAWFORD, TAVOLO DA PRANZO, GRIMACE NEL 1962 VARI

“Che fine ha fatto Baby Jane?”

I migliori film horror fino alla superficie sia paure a livello di relazione per una scossa di evasione che paure più profonde a cui possiamo relazionarci. L’adattamento di Robert Aldrich del romanzo pulp di Henry Farrell avrebbe potuto essere solo scioccante nella sua rappresentazione di due sorelle, una un’ex star bambina Jane (Bette Davis) la cui fama è stata eclissata dal successivo successo della sorella Blanche (Joan Crawford ). ), che trascorrerà il resto della sua vita su una sedia a rotelle a seguito di un incidente di cui Jane è accusata. Questi due sono stati dimenticati dal mondo e quando ci uniamo a loro sembrano che hanno vissuto la stessa routine quotidiana per decenni: Jane si arrampica su per le scale portando i pasti a Blanche con un sogghigno e un’osservazione beffarda.Le loro vite sono già finite: sono condannati a ripetere all’infinito le stesse lamentele di secoli fa. L’unica cosa che potrebbe cambiare è se il risentimento di Jane si trasforma in rabbia omicida. Lo fa. La vera paura a cui Davis e Crawford attingono così urgentemente è la paura del rimpianto, che si accumula fino a una scena finale di noia ambientata su una spiaggia che rivaleggia con le note finali molto più autoconsapevolmente artisticamente da spiaggia della noia contemporanea in “I 400 colpi” e “La Dolce Vita”: “Vuoi dire che per tutto questo tempo potrebbe essere amici?” 

83. “La nave fantasma” (Mark Robson, 1943)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di RKO/Kobal/REX/Shutterstock (5868266b) Richard Dix La nave fantasma - 1943 Direttore: Mark Robson RKO USA Scene still

“La nave fantasma”

Un po’ come “The Long Voyage Home” di John Ford attraverso “The Shining”, “The Ghost Ship” è lo studio a fuoco lento di Val Lewton su come l’aggressività passiva può trasformarsi in omicidio. Il marinaio Tom Merriam (Russell Wade) della nave mercantile Altair arriva a sospettare che qualcosa non va nel capitano Stone (Richard Dix): nei momenti chiave sembra in panico negativo, in altri gli piace annoiare l’equipaggio con lunghe e secche risultati delle citare in giudizio opinioni sull’autorità. Dopo che un membro dell’equipaggio, Louie (un giovane Lawrence Tierney), mette in dubbio uno degli ordini di Stone, il capitano risponde: “Sai, ci sono capitani che potrebbero opporti a questo, Louie”. Poco dopo, Louie viene schiacciato a morte dalla catena dell’ancora. Coincidenza?Ovviamente no. Ma anche se il resto dell’equipaggio sospetta che Stone sia un assassino, preferirebbero ignorare i suoi o spiegarli via piuttosto che dalla sua parte cattiva sono in mare: spetta alla Merriam di Wade interpretare la parte di un Will Kane d’alto mare, scuoterli dalla loro apatia e riconoscere che il comportamento del capitano non dovrebbe essere normalizzato. Nessun altro vuole scuotere la barca. 

82. “La pelle in cui vivo” (Pedro Almodovar, 2011)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di El Deseo SA/Kobal/REX/Shutterstock (5884680h) Elena Anaya, Antonio Banderas La pelle in cui vivo - 2011 Direttore: Pedro Almodovar El Deseo SA USA Scene Still Drama La Piel Que Habito La pie que habito

“La pelle in cui vivo”

L’autore spagnolo Pedro Almodovar è in piena modalità Hitchcock per questo avvincente e sexy thriller di vendetta medica adattato dal romanzo poliziesco del 2005 di Thierry Jonque, “Tarantula”. Riunito con il suo protetto Antonio Banderas (“Matador”) dopo due decenni, Almodovar scava in un chirurgo plastico insolito che persegue i confini della terapia transgenica, utilizzando i geni dei maiali per creare una pelle umana impenetrabile. Inoltre tiene prigioniera la bellissima Vera (Elena Anaya) nella sua casa, rinfrescandole l’epidermide dietro una maschera bianca. La cameriera Marilia (Maris Paredes) è anche uno dei tanti misteri da svelare – la faccia di sua moglie è rimasta bruciata in un incidente, tanto per iniziare – in uno strano mondo in cui può tutto (e succede). 

81. “Suspiria” (Luca Guadagnino, 2018)

“Suspiria”

Ci sono molti film horror in cui il cinema trascende la sceneggiatura di un film di serie B, ma il remake di “Suspiria” di Luca Guadagnino riesce a fare l’esatto opposto: questa sceneggiatura densa ed erudita a volte richiede Cliff’s Notes e un corso universitario di Witches 101 per capisco, ma il filmmaking è così intenso e virtuoso che funge da esposizione a sé stante. Un movimento suscita violenza, un taglio la sua connessione soprannaturale. Le composizioni diventano lussuria, mentre il suono incarna la discordia del mondo. Anche per i devoti di Guadagnino, la profondità della sua abilità di regia grezza dimostrata in questo film sbalordirà, tanto quanto la violenza da sgranocchiare le ossa turberà. 

80. “Kuroneko” (Kaneto Shindo, 1968)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Toho/Kobal/REX/Shutterstock (5872619b) Taichi Kiwako Kuroneko - 1968 Direttore: Kaneto Shindo Toho GIAPPONE Scene Still Yabu No Naka No Kuroneko / Black Cat From The Grove

“Kuroneko”

Kaneto Shindo ha diretto 48 film nei suoi 100 anni su questo pianeta, nessuno più inquietante di “Kuroneko”. Gran parte del lavoro dell’autore è stato perseguitato dalla bomba giapponese atomica sganciata sulla sua città natale di Hiroshima, rendendo questo film magistrale una sorta di eccezione: un’enigmatica storia di fantasmi ambientata durante il periodo Heian del Giappone, presenta samurai assassini, i fantasmi funesti di due donne che cercano vendetta sui soldati che li hanno violentati e uccisi e un gatto nero la cui presenza fa presagire la morte. “Kuroneko” è più spaventoso per ciò che non mostra che per ciò che fa, il che non vuol dire che ciò che è in mostra non sia terrificante di per sé; raramente gli spiriti sono stati così giustamente arrabbiati.vendetta oltre la tomba è meglio di niente, ma è anche un freddo conforto: dopotutto, sono ancora morti.

79. “Martiri” (Pascal Laugier, 2008)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Canal Horizons/Canal +/Kobal/REX/Shutterstock (5875402c) Morjana Alaoui Martyrs - 2008 Direttore: Pascal Laugier Canal Horizons/Canal + FRANCIA Scene Still

“Martiri”

Il movimento New French Extremity che ha dominato l’horror francese negli anni ’90 e nei primi anni si è concluso in modo appropriato con “Martyrs” del 2008. Due giovani donne, entrambe vittime di abusi estremi da bambine, cercano vendetta sulle persone che essere le loro rapitrici, e nel processo scoprono legami con un culto religioso più oscuro di quanto possono mai immaginare. Imbevuto della propensione del genere per l’altezza estrema, grafica e “limiti poi discioccante”, è all’ violenza del suo titolo e i alcuni tra dolore estremo ed estasi. “Martyrs” presenta alcuni degli shock più sbalorditivi che l’horror abbia mai offerto, e vale la pena approfondire sapendo molto poco, ma attenzione, 

78. “La scomparsa” (George Sluizer, 1988)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Argos/Golden Egg/Kobal/REX/Shutterstock (5865466b) Johanna Ter Steege The Vanishing - 1988 Direttore: George Sluizer Argos/Golden Egg FRANCIA/PAESI BASSI Scene ancora straniere Spoorlos

“La scomparsa”

Ci sono finali infelici, e poi c’è “The Vanishing”. Per niente per i deboli di cuore – o anche per i normali di cuore, in realtà – questo avvincente thriller olandese ha dimostrato una tale sensazione che George Sluizer lo ha rifatto in inglese cinque anni dopo (cosa che è andata bene come quando Michael Haneke ha fatto lo stesso con “Giochi divertenti”). Pochi film su persone scomparse sono così visceralmente sconvolgenti, con il semplice caso di un uomo che cerca la sua ragazza dopo che lei, beh, è ​​​​scomparsa da una stazione di servizio senza lasciare traccia facendo un pugno allo stomaco che è stato raramente eguagliato nei tre decenni trascorsi dal film di Sluizer era fatto.Dire altro che significherebbe rivelare troppo, ma fai sapere che anche tu” lascia con “The Vanishing” con la sensazione di aver perso qualcosa che non può essere ritrovato. 

77. “House on Haunted Hill” (William Castle, 1959)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Allied Artists/Kobal/REX/Shutterstock (5878727f) Carolyn Craig, Richard Long House On Haunted Hill - 1958 Direttore: William Castle Allied Artists USA Scene Still La Maison de l'horreur

“Casa sulla collina stregata”

L’amore di William Castle per gli espedienti ha aggiunto un tocco inquietante alla fine del classico thriller sulla casa stregata del regista, poiché un vero scheletro sarebbe stato truccato nel teatro per prendere il volo su un pubblico (si spera sbalordito) proprio mentre qualcosa di similitudine si stava svolgendo all’interno del film stesso . Come spesso accade con i film di Castle, l’aggiunta di quel tocco in più di orrore e umorismo ha solo aumentato l’impatto di un film che, nonostante gli scheletri volanti, è ben realizzato come vengono.Conoscere la trama – e questa è una trama che è stata sminuita senza pietà da film minori per decenni – non ne sminuisce il potere ei colpi di scena che seguono una cena particolarmente brutta, ambientata nel corso di una notte particolarmente brutta, sono freschi come sempre . Sostenuto dalla star Vincent Price nei panni di un milionario riservato che invita un gruppo misto a casa sua per una serata di emozioni, brividi e rivelazioni di omicidi, il miglior film di Castle è anche un’aggiunta seminale al genere stesso. Diavolo, si diceva che anche Hitchcock fosse un fan. 

76. “Fratellanza del lupo” (Christophe Gans, 2001)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Studio Canal +/Kobal/REX/Shutterstock (5876525c) Samuel Le Bihan, Monica Bellucci Le Pacte Des Loups / La Confraternita del Lupo - 2001 Direttore: Christophe Gans Studio Canal + FRANCIA Scene Still Confraternita del lupo Le Pacte des loups

“Fratellanza del Lupo”

Adattato dal romanzo di David Farland sulla leggenda metropolitana francese del 18° secolo della gigantesca Bestia di Gévaudan, il film d’azione horror di arti marziali da 29 milioni di dollari è stato girato al castello di Roquetaillade e vede Samuel Le Bihan nei panni del cavaliere e naturalista reale Grégoire de Fronsac, che indaga su una misteriosa bestia lupo gigante con artigli di metallo che terrorizza la campagna francese. Fronsac scopre che la bestia è uno strumento di una società segreta, La Confraternita del Lupo, che sta cercando di minare il re e conquistare il paese. Lui e il suo compagno irochese Mani (Mark Dacascos) cercano di catturare la bestia che potrebbe essere più leone che lupo.L’elegante intrattenimento ispirato a Sergio Leone ha ottenuto oltre $ 70 milioni in tutto il mondo. 

75. “Sorelle” (Brian De Palma, 1973)

“Sorelle”

Brian De Palma ha sempre mostrato la sua ammirazione per Alfred Hitchcock sulla sua copertina cinematografica, e “Sisters” del 1973 dà una svolta a “Il più finerino posteriore”. Grace, una giornalista investigativa, assiste accidentalmente al suo vicino che uccide un uomo, ma quando arriva la polizia, non ci sono prove del crimine. se tutti siano convinti che sia pazza, Grace cerca di scoprire la verità sulla sua vicina, che potrebbe nascondere o meno la sua sorella gemella assassina dal mondo, ma gli oscuri segreti alla fine la distruggono. “Sisters” è allo stesso tempo il tipo di thriller orribile che ci si aspetta da De Palma, ma è anche un film sorprendentemente preveggente che mostra le conseguenze dannose dell’illuminazione a gas e delle donne non credenti. 

74. “Raw” (Julia Ducourtnau, 2016)

“Crudo”

La regista esordiente Julia Ducourtnau ha terrorizzato e stuzzicato il pubblico di Cannes con il suo racconto raccapricciante di formazione, che combina le classiche paure del cannibalismo con una prospettiva decisamente femminile. Il film segue una giovane studentessa (Garance Marillier) che scopre alcune scomode verità su se stessa (e sul mondo) quando parte per la scuola di veterinaria (davvero, l’ambientazione ideale per un film horror sul corpo). La Justine di Marillier è una vegetariana devota, quindi quando è costretta a sopportare un rivoltante rituale di nonnismo che coinvolge molto sangue e fegato crudo, è scioccata scoprire quanto le piaccia il sapore nella carne.Man mano che la fame di Justine per il consumo di carne cresce, cresce anche il suo desiderio di provare i piaceri della carne in modi diversi. È viscerale, stimolante e spesso semplicemente sbalorditivo. 

73. “Henry: Ritratto di un serial killer” (John McNaughton, 1986)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Maljack Prods/Kobal/REX/Shutterstock (5877007c) Michael Rooker Henry - Ritratto di un serial killer - 1989 Direttore: John McNaughton Maljack Prods USA Scene Still Horror Henry, Ritratto di un serial killer

“Henry: Ritratto di un serial killer”

Girato in 16 mm in meno di un mese6 freddo indie da $ 110.00 ha costruito la sua capelli00 di culto X-rated nel circuito dei festival cinematografici e si è fatto un nome per ricci Michael Rooker, dai capelli, che ancora magneticamente film come l’omonimo assassino Henry. Lo slasher assetato di sangue si muove ostinatamente di città in città, cambiando il suo modus operandi per evitare di essere scoperto dalla polizia locale. Viene brevemente raggiunto da un vecchio compagno di prigione Otis (Tom Towles) in una follia omicida a Chicago; il duo non solo annienta un’intera famiglia, ma lo mette in video per il loro divertimento successivo. Quando la sfortunata sorella di Otis, Becky, si innamora di Henry, non può essere positivo. 

72. “L’ora del lupo” (Ingmar Bergman, 1968)

Solo uso editorialeCredito obbligatorio: Foto di SNAP/REX/Shutterstock (390890fp) FOTOGRAFIE DI 'L'ORA DEL LUPO' CON 1968, INGMAR BERGMAN, INGRID THULIN, MAX VON SYDOW NEL 1968 VARIE

“L’ora del lupo”

Prima di questa uscita del 1968, Ingmar Bergman si era occasionalmente dilettato con elementi horror nella sua carriera, in particolare con “The Seventh Seal” del 1957 e “The Virgin Spring” del 1960, ma “Hour of the Wolf” ha trovato lo stimato regista che si è completamente arreso al genere con risultati inquietanti. Un artista e sua moglie che vivono su un’isola remota, dove l’artista è turbato dal suo passato e da quelli che crede essere demoni che lo perseguitano.Durante “l’ora del lupo”, il momento in cui si incontra la maggior parte delle nascite e delle morti, l’artista si apre alla moglie sull’oscurità del suo passato, sui suoi traumi infantili e su un ex amante, prima di rendersi conto che il passato potrebbe non essere così lontano come credeva una volta, e potrebbe invece aspettarlo dall’altra parte dell’isola. “L’ora del lupo” sembra un sogno surreale febbrile (o incubo), sollevando molte domande su ciò che sta realmente accadendo e ciò che è immaginato. Non sarebbe un film di Bergman senza Liv Ullman, Max von Sydow e molte domande esistenziali, ma “L’ora del lupo” presenta anche una mini-opera inquietante, che prefigura la successiva versione di Bergman de “Il flauto magico”.Potrebbe essere l’unico film horror del regista, ma è inquietante e davvero indimenticabile. 

71. “Dracula di Bram Stoker” (Francis Ford Coppola, 1992)

"Dracula di Bram Stoker"

“Dracula di Bram Stoker”

Francis Ford Coppola scatena la sessualità che era sempre in agguato sotto l’originale “Dracula” di Bram Stoker con colori sontuosi e immagini deliziose. Creato su un palcoscenico senza effetti visivi, il film è stato critico per le sue interpretazioni educate e la stravaganza ornata, ma pochi film nell’era moderna di Hollywood hanno usato colori e costumi in modo così espressivo, poiché il lavoro della designer Eiko Ishioka è al centro della scena nel rivelare l’interno bruciante emozioni dei personaggi. Poiché sono passati 26 anni, è non sentire il battito del cuore impossibile del film scorrere attraverso la precisione di Coppola, poiché il film è invecchiato come un buon vino. 

70. “La settima vittima” (Mark Robson, 1943)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di RKO/Kobal/REX/Shutterstock (5870820a) Hugh Beaumont, Kim Hunter, Erford Gage la settima vittima - 1943 Direttore: Mark Robson RKO Scena ancora

“La settima vittima”

Val Lewton di solito dava ai film dell’orrore che produce un’ambientazione unica: un’isola greca in “L’isola dei morti”, un’isola caraibica in “I Walked With a Zombie”, l’Edimburgo del 19° secolo ne “Il rapitore di cadaveri”. Una sfida più grande è estrarre l’inquietudine e la minaccia da un ambiente perfettamente quotidiano, come la metropolitana di New York City. È quello che ha fatto in “The Seventh Victim”, che, più di “Cat People”, anch’esso ambientato a Manhattan, si tuffa nel terrore dell’ordinario nella vita di New York City. Una giovane ragazza va alla ricerca della sorella scomparsa con l’aiuto di un spietato investigatore: viene pugnalato a morte e lei scappa dalla scena,Quando si ferma alla stazione dove è salita – proprio vicino all’omicidio dell’investigatore privato – due uomini salgono a bordo, volerlo, cercando di comportarsi come se fosse ancora vivo. Sono ovviamente quelli che lo hanno ucciso e contano sull’indifferenza dei newyorkesi per l’ambiente circostante come copertura per sbarazzarsi di lui. È così agghiacciante perché potrebbe davvero accadere. Si scopre che è coinvolto un culto satanico – chiaramente un prototipo per gli adoratori del diavolo di Manhattan in “Rosemary’s Baby” – ma “The Seventh Victim” con te perché rivela una verità essenziale: i demoni personali sono sempre più spaventosi di quelli letterali .

69. “Alta tensione” (Alexandre Aja, 2003)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Alexandre/Europa Corps/Kobal/REX/Shutterstock (5874771d) Cecile De France Haute Tension / Switchblade Romance - 2003 Direttore: Alexandre Aja Alexandre Films/Europa Corps FRANCIA Scena ancora alta tensione

“Alta tensione”

Una voce delle voci più divise e più psicologico divulgato da New French Extremity, “High Tension” ha il regista Alexandre Aja sulla mappa del suo brutale thriller. Marie si dirige nell’isolata casa di campagna del suo compagno di classe Alex per studiare per gli esami finali, ma l’idilliaco ritiro di campagna diventa un bagno di sangue quando un feroce serial killer massacra l’intera famiglia, prendendo Alex in ostaggio. Marie si trasforma quindi nell’ultima ragazza, combattendo per salvare la sua Alex prima che incontri una fine devastante… solo che non tutto è come sembra.La grande svolta del film ha diviso il pubblico sin dalla sua prima nel 2003, ma “High Tension” rimane ancora uno slasher elettrizzante, pieno di spaventi e sangue per soddisfare anche i fan dell’horror più scettici. 

68. “Vestito per uccidere” (Brian De Palma, 1980)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Filmways/Kobal/REX/Shutterstock (5883460j) Angie Dickinson vestito per uccidere - 1980 Direttore: Brian De Palma Filmways USA Scene Still Pulsioni

“Vestito per uccidere”

Brian De Palma era all’apice dei suoi poteri di maestro del pastiche quando ha realizzato questo avvincente racconto horror hitchcockiano sugli assassini degli ascensori e corpi le persone insicure nei propri. In un primo momento la storia di una donna promiscua (Angie Dickinson), “Dressed to Kill” prende in prestito una pagina da “Psycho” portando fuori il suo apparente protagonista dopo il primo atto. Da lì, lo spettro di una misteriosa donna trans di nome Bobbi in una follia omicida aleggia per tutta la storia, mentre insegue Liz (Nancy Allen) mentre uno psichiatra (Michael Caine) fa frenetici tentativi per avvertire la polizia della minaccia in arrivo. La svolta sulla vera identità di Bobbi è ovvia per qualsiasi spettatore coinvolto,ma l’elegante riff di De Palma sui tropi slasher usa la familiarità della sua trama tortuosa per offrire una brillante meditazione sull’identità sessuale fluida – e le frustrazioni di essere costretto a sopprimerla – molto prima che il concetto avesse molta visibilità nella cultura popolare. È un brillante e rischioso esame della femminilità, del terrore esamee insito nell’essere oggetto di uno sguardo insaziabile maschile e di cosa succede quando i desideri latenti rimanere sottoserviti. Nessun film dell’orrore realizzato oggi ha il coraggio di andarci. 

67. “Natale nero” (Bob Clark, 1974)

“Natale nero”

Bob Clark è forse meglio conosciuto per il suo altro film a tema natalizio, “A Christmas Story”, ma “Black Christmas” del 1974 merita altrettanta attenzione. Ambientato in una confraternita durante le vacanze di Natale, un gruppo di studentesse del college viene perseguitato e lentamente catturato da uno squilibrato assassino che si nasconde all’interno della dimora. La trama sembra stereotipata, ma “Black Christmas” rimane senza tempo grazie al suo terrificante e sfuggente assassino, “Billy”, il cui retroscena non viene mai rivelato, oltre a un finale inquietante che non offre molte speranze per l’ultima ragazza del film , Jess.Ma oltre a questo, “Black Christmas” è anche straordinariamente femminista per il suo tempo, poiché Jess sceglie un aborto e una carriera piuttosto che essere rinchiusa in una relazione senza amore. Allo stesso modo, il terrore provato dalle donne mentre sono afflitte da oscene telefonate rende chiaro che alcuni orrori sono fin troppo comuni, 

66. “La discesa” (Neil Marshall, 2005)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Celador/Pathe/Kobal/REX/Shutterstock (5882676r)Shauna MacdonaldThe Descent - 2005Direttore: Neil MarshallCelador/PatheUKScene StillAction/AdventureDescent

“La discesa”

Un anno dopo un tragico incidente, sei fidanzate avventurose si incontrano in una parte remota degli Appalachi per il loro viaggio annuale di speleologia. Dopo che un incidente ha intrappolato il gruppo nel profondo, si trovano inaspettatamente a faccia con una razza di mostruose creature umanoidi in agguato sotto terra. Il film horror di sopravvivenza teso, elettrizzante e claustrofobico di Neil Marshall è interpretato da un raro cast al femminile che si fa strada attraverso avvincenti scena dopo scena in questo incubo cinematografico abilmente diretto e ben recitato, che funge anche da meditazione su questioni di moralità e vendetta. Una delle caratteristiche delle creature più esilaranti del 21° secolo, ha generato un seguito minore, anche se senza il coinvolgimento di Marshall. 

65. “L’invasione degli ultracorpi” (Don Siegel, 1956)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di artisti alleati/Kobal/REX/Shutterstock (5882228e) King Donovan, Kevin McCarthy, Dana Wynter Invasion of the Body Snatchers - 1956: Don Siegel Allied Artists USA Scene Still Scifi Sleep No More L'Invasion des profanateurs de sépultures

“L’invasione degli ultracorpi”

Cosa c’è di peggio della morte? Molti film dell’orrore cercano di rispondere a questo: la semplice morte, che ogni singola persona che abbia mai vissuto, non può essere la cosa più spaventosa che abbiamo di fronte. Siegel suggerisce che perdere la propria individualità è davvero qualcosa di peggio. Il medico di piccola città Kevin McCarthy inizia a sospettare che qualcosa non va nella sua comunità: alcune persone stanno iniziando a comportarsi in modo sospettosamente robotico. Poi un amico gli mostra un perfetto doppelganger – una “persona baccello” – che sta crescendo su un tavolo da biliardo a casa sua. Sembra che una forza sinistra, forse alieni, stia silenziosamente prendendo il sopravvento sostituendo le persone con duplicati esatti.Una metafora del conformismo e della perdita del libero arbitrato che ha tutto tutto, da “The Stepford Wives” a “Get Out, 

64. “Una storia di due sorelle” (Kim Jee-woon, 2003)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Masulpiri/Kobal/REX/Shutterstock (5873783c)A Tale Of Two Sisters (2003)A Tale Of Two Sisters - 2003Regista: Ji-Woon KimMasulpiri FilmsCOREA DEL SUDScena StillForeignHongryeon Janghwa2 soeurs

“Una storia di due sorelle”

L’horror coreano ha fornito alcune delle più grandi paure negli ultimi anni e “A Tale of Two Sisters” è un’altra voce meravigliosamente deformata e terrificante, piena di fantasmi vendicativi e colpi di scena sorprendenti. Una giovane ragazza, Su-mi, torna a casa nella tenuta isolata di suo padre dopo un soggiorno in un istituto psichiatrico. È felice di ritrovarsi con sua sorella minore, Su-yeon, ma non è contenta di vedere la sua matrigna, Eun-joo. Eun-joo era volta un’infermiera per la madre morente delle ragazze, e c’è risentimento reciproco tra le ragazze e la loro matrigna.Quando Eun-joo a scagliarsi contro le ragazze, prendendo di mira in particolare Su-yeon inizia il padre è cieco agli abusi, creando un conflitto brutale che farà emergere segreti dolorosi, minacciando di creare un cuneo tra le due sorelle per sempre. 

63. “Lascia entrare in quello giusto” (Tomas Alfredson, 2008)

Lina Leandersson in "Fai entrare quello giusto"

Lina Leandersson in “Fai entrare quello giusto”

Nel momento in cui “Twilight” è stato inserito nelle nostre vene culturali, questo film svedese tranquillo esatto e bello era l’esatto antidoto di cui il pubblico aveva un disperato bisogno. Il regista Tomas Alfredson non sembra sempre interessato alle convenzioni di genere nella sua storia intima di un dodicenne vittima di bullismo e del vampiro con cui fa amicizia. Nell’era digitale, i film horror è troppo spesso da un aspetto oscuro insapore, ma nella cinematografia di non possiamo vedere nell’oscurità, è piena di una delle tavolozze di colori più singoli del cinema moderno. Mentre creiamo un’atmosfera in cui percepiamo una presenza in agguato nella foschia oscura, i colori splendidi e tenui creano un’intimità con i giovani personaggi. 

62. “La scala di Giacobbe” (Adrian Lyne, 1990)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (1576618a) La scala di Giacobbe, Tim Robbins Film e televisione

“Scala di Giacobbe”

Quel regista Adrian Lyne è meglio conosciuto dal pubblico mainstream per i suoi thriller erotici come “Unfaithful” e “9 1/2 Weeks” non dovrebbe dissuadere i fan dell’horror dall’assaporare la sua tonificante e sconvolgente “Jacob’s Ladder”. Dopotutto, il lavoro più sexy di Lyne offre una finestra sulla sua capacità di centrare le storie sul corpo umano, un concetto distorto a fini allucinogeni in questa storia con protagonista Tim Robbins. Essenzialmente un film sui postumi della guerra del Vietnam, Lyne costruisce abilmente la tensione e il terrore mentre il Jacob di Robbins tenta di navigare attraverso il mondo “normale” dopo aver vissuto l’inferno della battaglia.Anche se il film non evita le visioni snervanti che affliggono Jacob (dai ricordi prebellici a una scena di festa che lo vede quasi totalmente abbandonato ai suoi mostri, reali o immaginari),

61. “Evil Dead II” (Sam Raimi, 1987)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Rosebud/Renaissance/Kobal/REX/Shutterstock (5879493g) Sarah Berry, Dan Hicks, Bruce Campbell, Kassie Wesley Evil Dead II - 1987 Direttore: Sam Raimi Rosebud/Renaissance USA Scene Still Horror Il male Morto 2

“Morto malvagio II”

Mentre i franchise horror degli anni ’80 come “Halloween” e “Nightmare on Elm Street” sono incappati in sequel sottosviluppati, il regista Sam Raimi ha avuto il coraggio di portare qualcosa di totalmente nuovo nel sequel del suo film scioccante “The Evil Dead” . ” – battute finali. Come unico sopravsuto alle macabre minacce del film precedente, lo stravagante festaiolo di Bruce Campbell, Ash, torna sulla scena degli eventi precedenti, dove gli spiriti mostruosi si scaglia ancora una volta contro di lui da ogni direzione. Mentre uno stralunato Ash tenta di sconfiggere la presenza demoniaca che lo circonda da ogni angolazione, Raimi fonde l’intensità raccapricciante del genere splatter con le surrealizze comiche di un cartone animato di Looney Tunes.Sì, c’è una famosa scena di amputazione che unisce Ash al suo iconico braccio a motosega, ma “Evil Dead II” è più di un semplice parco giochi cruento. In un momento decisivo, la telecamera si avvicina al viso di Ash mentre scoppia in una risata squilibrata, mentre tutto ciò che lo circonda, incluso un paralume, si unisce. È illustrazione della linea tra una commedia e horror che questo film cammina così tanto bene, fino alla svolta a sorpresa di un finale che ridotta una terza sottile voce in questo franchise horror originale che si dirige in una direzione completamente. Pochi esempi del genere hanno superato così tante aspettative pur rimanendo soddisfacenti per tutto il percorso.È una illustrazione della linea tra commedia e horror questo film cammina così bene, fino alla svolta a sorpresa di un finale che ridotta una terza sottile voce in questo franchise horror originale che si dirige in una direzione. Pochi esempi del genere hanno superato così tante aspettative pur rimanendo soddisfacenti per tutto il percorso. È una illustrazione della linea tra commedia e horror questo film cammina così bene, fino alla svolta a sorpresa di un finale che ridotta una terza sottile voce in questo franchise horror originale che si dirige in una direzione. Pochi esempi del genere hanno superato così tante aspettative pur rimanendo soddisfacenti per tutto il percorso.

60. “Poltergeist” (Tobe Hooper, 1982)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di MGM/Sla/Kobal/REX/Shutterstock (5883494l) Craig T. Nelson, Heather O'Rourke, Jobeth Williams Poltergeist - 1982 Direttore: Tobe Hooper MGM/Sla Entertainment USA Scene Still Poltergeist - La vendetta dei fantasmi

“Poltergeist”

“The Shining” e altre storie di fantasmi hanno usato la presunzione di costruire su un cimitero di nativi americani portando a disordini soprannaturali: Manifest Destiny sia come peccato originale che come incidente incitante. “Poltergeist” dà a questa nozione una svolta dell’era Reagan: il problema qui è che una nuova gated community è stata costruita su quello che un tempo era il cimitero. “Sono solo… persone”, dice lo sviluppatore immobiliare dietro il progetto, come un’accusa diretta alla disumanità aziendale come è servito da qualsiasi film. I fantasmi di chi non riposa più in pace invadono la casa di una famiglia attraverso gli ornamenti pacificatori della periferia: i giocattoli per i bambini e la TV per gli adulti.Considerando quante persone sembrano i loro televisori siano infestati – il professore della Northwestern University Jeffrey Sconce ha persino scritto un libro sull’argomento intitolato “Haunted Media” – è sorprendente che le appariizioni elettroniche non siano state esplorate ancora di più sullo schermo. O forse è solo che “Poltergeist” l’ha fatto in modo così definitivo. 

59. “Il sesto senso” (M. Night Shyamalan, 1999)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Ron Phillips/Hollywood/Kobal/REX/Shutterstock (5879446e) Haley Joel Osment, Bruce Willis il sesto senso - 1999 Direttore: M. Night Shyamalan Hollywood Pictures USA Scene ancora mistero/Suspense il 6° Senso Le sixième Sens

“Il sesto senso”

Il film di successo di M. Night Shyamalan ha ottenuto al regista la reputazione di essere legato ai suoi grandi colpi di scena narrativi, e anche se potrebbe essere ancora così (il suo ultimo colpo di scena è arrivato al punto di ispirare un nuovo film ), è difficile mettere in dubbio il potere della sua più grande rivelazione. Il film interpretato da Bruce Willis è abbastanza inquietante senza il suo ultimo atto sbalorditivo, con l’attore nei panni di uno psicologo infantile canaglia che si aggira con una ragazzina terrorizzata (Haley Joel Osment) che viene armata di uno dei tormentoni più indelebili del cinema moderno (è difficile da battere “vedo persone morte” e chi vorrebbe provare?).Che coppia fanno, e Shyamalan guida abilmente il film in modo che sembri che stiano lavorando verso una conclusione, prima di virare in una completamente diversa che è stridente come arrivano. È un film che chiede un rewatch istantaneo, 

58. “The Haunting” (Robert Wise, 1963)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di MGM/Kobal/REX/Shutterstock (5881587k) Russ Tamblyn, Claire Bloom, Richard Johnson The Haunting - 1963 Direttore: Robert Wise MGM GRAN BRETAGNA Scene Still Horror La Maison du diable

“La caccia”

Adattato da Nelson Gidding dal romanzo del 1959 “The Haunting of Hill House” di Shirley Jackson (che ha suggerito il titolo del film), “The Haunting” vede Julie Harris nei panni di Eleanor, una donna timida che una volta ha sperimentato i poltergeist . Si unisce a un gruppo organizzato da un investigatore del paranormale (Richard Johnson), tra cui una sensitiva lesbica mod (Claire Bloom), e il figlio dell’attuale della casa (Russ Tamblyn), per studiare una villa infestata dai fantasmi abbandonata malata di morte. Il regista ha ottenuto il massimo da un budget molto inferiore rispetto a “West Side Story” portando le riprese in Inghilterra.Ha usato una telecamera sperimentale Panavision grandangolare da 30 mm con effetti inquietanti per ritrarre il personaggio più memorabile del film – la casa – da angolazioni strane, stridenti e dislocate, mostrando spesso il punto di vista mentalmente instabile di Eleanor. L’equipaggio ha piegato le pareti, destabilizzato una scala a chiocciola, ha applicato un trucco fotosensibile per far sembrare gli attori pallidi quando si trovavano in un “punto freddo”, ha suscitato uno spavento quando la testa di una donna scomparsa esce fuori e, cosa più inquietante, ha “trasformato” una donna dall’infanzia alla vecchiaia fotografando quattro attrici di età diverse e unendoli a dissolve.Pur il film abbia ricevuto recensioni contrastanti al momento del rilascio, ha costruito un seguito di culto ed è considerato da molti, inclusi Martin Scorsese e Steven Spielberg, uno dei film horror più spaventosi di tutti i tempi. Avendolo visto quando è uscito per la prima volta, io per primo sono segnato per tutta la vita. “ha trasformato” una donna dall’infanzia alla vecchiaia fotografando quattro attrici di età diverse e unendole con dissolvenze. Pur il film abbia ricevuto recensioni contrastanti al momento del rilascio, ha costruito un seguito di culto ed è considerato da molti, inclusi Martin Scorsese e Steven Spielberg, uno dei film horror più spaventosi di tutti i tempi. Avendolo visto quando è uscito per la prima volta, io per primo sono segnato per tutta la vita.“ha trasformato” una donna dall’infanzia alla vecchiaia fotografando quattro attrici di età diverse e unendole con dissolvenze. Pur il film abbia ricevuto recensioni contrastanti al momento del rilascio, ha costruito un seguito di culto ed è considerato da molti, inclusi Martin Scorsese e Steven Spielberg, uno dei film horror più spaventosi di tutti i tempi. Avendolo visto quando è uscito per la prima volta, io per primo sono segnato per tutta la vita. 

57. “The Conjuring” (James Wan, 2013)

"INT PERRON HOUSE - CANTINA Carolyn si capovolge e spara al soffitto John Brotherton (Brad), Vera Farmiga (Lorraine), Patrick Wilson (NdR), Ron Livingston (Roger)"

“L’Evocazione”

Un resoconto romanzato ben rifinito dei casi della vita reale degli investigatori del paranormale Ed e Lorraine Warren, il film di Wan mostra i ricercatori soprannaturali che affrontano il caso della famiglia Perron, nuovi proprietari di una casa nel Rhode Island che sembra essere infestata dai fantasmi. Figlio di “L’esorcista”, ambientato in un complesso isolato, vasto e animato, se sembra familiare è perché il film si basa su motivi di film horror della vecchia scuola per le sue paure. Ma è comunque efficace, grazie in parte alle interpretazioni credibili del suo cast, in particolare Patrick Wilson e Vera Farmiga nei panni di Ed e Lorraine, che hanno uno schermo naturale sullo schermo. E la decisione di Wan di limitare il suo uso di effetti generati dal computer è saggia.Il primo film in quello che è stato chiamato “The Conjuring Universe”, ha generato un sequel e tre spin-off che hanno cooperatomente oltre $ 1. 

56. “Twin Peaks: Fire Walk with Me” (David Lynch, 1992)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Lynch-Frost/Kobal/REX/Shutterstock (5880137b) Sheryl Lee, Kyle Maclachlan Twin Peaks - Fire Walk With Me - 1992 Direttore: David Lynch Lynch-Frost/Ciby 2000 USA Scene Still Dramma Twin Peaks (Les derniers jours di Laura Palmer)

“Twin Peaks: il fuoco cammina con me”

Concepito sia come prologo che come originale scritto per la serie televisiva “Twin Peaks”, “Twin Peaks: Fire Walk with Me” di David Lynch è stato da allora rinnovato in una sorta di ponte tra la vecchia e la nuova iterazione dello spettacolo ; il nesso oscuro di quel particolare universo. Ma concentrarsi sulla sua funzione all’interno della mitologia di Lynch significa trascurare “Fire Walks with Me” come un’esperienza a sé stante; anche nel vuoto, è uno dei film più emotivamente strazianti mai realizzati. Lynch ha detto di essere “innamorato del personaggio di Laura Palmer e delle sue contraddizioni: radiosa in superficie ma morente dentro”.Questo film, che segue principalmente Laura (Sheryl Lee) nei precedenti il ​​​​suo omicidio, chiarisce come questa storia sia sempre oscillata tra il trauma intrattabile dell’abuso e il potere travolgente dell’amore. Posizionando il padre di Laura (un Ray Wise sfregiato) come la fossa sotto quel pendolo, “Fire Walk with Me” illumina il vuoto sotto una pittoresca città di Washington e scopre che il paradiso e l’ potrebbe inferno essere molto più vicini di quanto sembri da livello della strada. Le paure ti entreranno sotto la pelle ei residui dietro cui vivono rimarranno sotto le tue unghie. 

55. “La nebbia” (John Carpenter, 1980)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Debra Hill Prods/Kobal/REX/Shutterstock (5879684j) Hal Holbrook la nebbia - 1979 Direttore: John Carpenter Debra Hill Prods USA Scena ancora nebbia

“La nebbia”

“Una celebrazione del nostro passato!” dichiara lo stendardo trionfale sulla piazza cittadina di Antonio Bay, in California, in onore della sua celebrazione del centenario. Il regista John Carpenter, nel suo primo film dopo lo storico “Halloween”, ci fa porre una domanda importante: chi ha scritto quella storia che stiamo celebrando? I fantasmi che escono dalle nebbie che rotolano al largo del Pacifico hanno una prospettiva molto diversa su Antonio Bay e sui suoi abitanti, e se non possono scrivere la propria storia nei libri di storia, scriveranno una storia di oggi vendetta invece – nel sangue. Con un’ambientazione molto simile a “The Birds”, “The Fog” è un capolavoro di atmosfera.E presenta sia Jamie Lee Curtis che sua madre Janet Leigh, ma questo non è un pastiche horror di evasione. Quanto si può in colpa le persone di oggi per i crimini dei loro antenati? Sono riparazioni? Carpenter esamina il peso schiacciante del passato e suggerisce che la storia potrebbe essere l’ultima storia dell’orrore. 

54. “Il Babadook” (Jennifer Kent, 2014)

Essie Davis ne Il Babadook

“Il Babadook”

Negli ultimi 20 anni, nessun regista è arrivato al suo primo lungometraggio così formato sia come narratore che come maestro del cinema come l’attrice è diventata scrittrice/regista Jennifer Kent. La storia di Kent di una madre vedova (Essie Davis) che combatte la paura di suo figlio che un personaggio di un libro di fiabe prenda vita è terrificante nascondersi sotto il sedile, ma invece di affidarsi a pigri trucchi che hanno definito il genere negli anni, Kent usa composizioni precise e una precisione similitudine a un ultimo meccanismo a orologeria per creare tensione e attirare gli spettatori in una scena.Kent non è semplicemente un tecnico esperto, ma uno che usa il genere horror per affrontare un argomento (il peso della maternità) che non viene discusso in compagnia educata e crea qualcosa che è più incisivo di qualsiasi pezzo “importante” di esca da Oscar. 

53. “La strega” (Robert Eggers, 2015)

Anya Taylor-Joy ne La strega

“La strega”

New-England Folktale di Robert Eggers, sorprendentemente sicuro di sé, non è in giro. E, giusto per essere sicuro di che fin dall’inizio, una delle sue prime scene trova una strega demoniaca – la pelle sulla schiena dipinta con la luce di una luna piena – che ruba un dalla famiglia puritana che è stato esiliato al marginale del suo dominio boschivo e schiacciando la bambina con un pestello e un mortaio. Ci sono molte ragioni per cui “The Witch” è un’esperienza così vertiginosamente perversa (il rigore kubrickiano del regista e il suo feticcio per i dettagli d’epoca, non ultimo tra questi), ma il film è in definitiva uno spettacolo così sorprendente da vedere a causa dell’onestà di Eggers -affrontato impegno per il bit.Si appoggia alle paure e ai fascini della vita del 17° secolo e vi si appoggia con forza, e quell’approccio incrollabile rende possibile agli spettatori moderni di credere nel potere del diavolo e nella capra che potrebbe fungere da suo messaggero. Collegalo insieme a un finale fallito, aggiungi un’esibizione di Anya Taylor-Joy da star nel mix e hai un nuovo classico americano che trema con gli echi dei primi orrori visitati in questo paese. 

52. “Frankenstein” (James Whale, 1931)

“Frankenstein”

È giusto che un romanzo influente e lungimirante come “Frankenstein” di Mary Shelley ispiri un classico del grande schermo altrettanto unico e duraturo. L’interpretazione di James Whale della storia di un dottore ambizioso e della bizzarra creatura che ricostruisce dai morti ha contribuito al modo in cui le persone immaginano il mostro, con il ritratto goffo e dalla testa grossa di Boris Karloff che funge ancora da gold standard . Ma mentre il mostro di Frankenstein (sempre “il mostro di Frankenstein”, mai solo “Frankenstein”!) è un oggetto di terrore nel film, Whale ha anche fatto in modo di sovrapporre tutto quel comprensibile orrore con il messaggio di Shelley sulla bestialità dell ‘umanità stessa. 

51. “La scala a chiocciola” (Robert Siodmak, 1946)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di RKO/Kobal/REX/Shutterstock (5874934a) La scala a chiocciola (1946) La scala a chiocciola - 1946 Direttore: Robert Siodmak RKO USA Scena ancora mistero/Suspense Deux mains, la nuit

“La scala a chiocciola”

“Non c’è spazio al mondo per l’imperfezione”, dichiara il cattivo principale. È un serial killer che si è scatenato ad uccidere donne disabili. E ora prende di mira una giovane cameriera (Dorothy Maguire) che è muta – sappiamo che è nel mirino perché la vediamo dal suo punto di vista. Quando la guarda, vede la sua faccia completamente priva di bocca, proprio come l’immagine di Keanu Reeves con la bocca sigillata in “The Matrix”. Il regista Robert Siodmak ha inteso qui un linguaggio visivo per l’odio omicida: il cattivo è così intollerante nei confronti di chiunque consideri meno che “perfetto” che li vede letteralmente in modo diverso.In questo caso, prendere di mira i disabili richiama alla mente la persecuzione delle persone con disabilità fisiche e mentali: la seconda guerra era mondiale solo un anno prima e lo stesso Siodmak era fuggito dai nazisti a causa della sua eredità ebraica. 

50. “Candyman” (Bernard Rose, 1992)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Polygram/Kobal/REX/Shutterstock (5878137f) Tony Todd Candyman - 1992 Direttore: Bernard Rose Polygram USA Scene still

“Candyman”

Un uomo nero che terrorizza un progetto di edilizia popolare? L’ambientazione del film da sola lo separa da molti dei suoi fratelli dei film slasher. Basato sul racconto di Clive Barker “The Forbidden”, il regista Bernard Rose trasferisce la storia dalla città natale di Barker, Liverpool, agli edifici fatiscenti e “spaventosi” dei progetti Cabrini-Green a Chicago. È stata una decisione ispirata che ha modificato le sfumature classiste della storia originale in toni espressamente sulla razziali, trasformandolo in una meditazione più sovversiva razza. L’inquietante leggenda sul terrore uncinato si concentra su uno scettico dottorando bianco che lavora a una tesi sulle leggende metropolitane, che viene a conoscenza della leggenda Cabrini-Green Candyman e va a indagare.Con Virginia Madsen nei panni di un’eroina atipica di un film slasher, il film vanta uno dei più intriganti cattivi dei film horror, con una complessità radicata in un tragico retroscena che lo rende comprensivo: un famoso artista nero e figlio di schiavi che paga un prezzo alto, l’amputazione e una morte orribile, per innamorarsi della figlia di un uomo bianco che lo assumere per dipingere il suo ritratto. Scavando un po’ più a fondo del normale film horror, il film è interpretato dall’imponente Tony Todd nei panni di Candyman, la cui voce sonora e fredda perseguita molto tempo dopo la fine del film. 

49. “The Lodger” (John Brahm, 1944)

Solo uso editorialeCredito obbligatorio: Foto di SNAP/REX/Shutterstock (390929ft) FOTOGRAFIE DI 'LODGER' CON 1944, SARA ALLGOOD, JOHN BRAHM, LAIRD CREGAR NEL 1944 VARIE

“L’inquilino”

Nella versione muta di Hitchcock di “The Lodger” del 1927, il (non ancora) Master of Suspense inaugurò una versione della sua formula “l’uomo sbagliato perseguitato innocentemente” che avrebbe poi perfezionato in “I 39 passi” e “North by Nord Ovest.” Il remake di John Brahm va in una direzione decisamente diversa: non è spoiler dire che Mr. Slade (Laird Cregar), che ha preso una stanza nella casa londinese di una coppia di mezza età (Sir Cedric Hardwicke e Sara Allgood), è infatti l’assassino. Ossessionato dal suo defunto fratello, morto dopo esserevuto fino alla morte in seguito a un cuore spezzato, il signor Slade incolpa il sesso femminile nella sua interezza per la sua prematura scomparsa. Quindi ha deciso di uccidere donne a caso come vendetta.Cregar è alto 6’3” e pesa oltre 300 libbre ma, per quanto può imponente sia, il suo Slade è il fragile ego maschile su due gambe. Particolarmente minaccioso per lui è l’emancipazione sessuale femminile, quindi quando guarda la figlia (Merle Oberon) del suo padrone di casa saltellare sul palco, il suo viso diventa una maschera contorta di mascolinità tossica: è attratto da lei ma odia lei, la desidera ma vuole ucciderla. Lo sguardo maschile non è mai stato così armato come in questa scena, ed è una testimonianza della raffinatezza di Brahm che abbia capito, nel 1944 nientemeno, come l’atto di guardare potrebbe essere un atto di violenza, con l’uccisione vera e propria che segue quasi un ripensamento . la brama ma vuole ucciderla.Lo sguardo maschile non è mai stato così armato come in questa scena, ed è una testimonianza della raffinatezza di Brahm che abbia capito, nel 1944 nientemeno, come l’atto di guardare potrebbe essere un atto di violenza, con l’uccisione vera e propria che segue quasi un ripensamento . la brama ma vuole ucciderla. Lo sguardo maschile non è mai stato così armato come in questa scena, ed è una testimonianza della raffinatezza di Brahm che abbia capito, nel 1944 nientemeno, come l’atto di guardare potrebbe essere un atto di violenza, con l’uccisione vera e propria che segue quasi un ripensamento . 

48. “Carnevale delle anime” (Herk Harvey, 1962)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Herts Lion/Kobal/REX/Shutterstock (5873153e) Candace Hilligos Carnival Of Souls - 1962 Direttore: Herk Harney Herts Lion Scene Still Horror

“Carnevale delle anime”

Un incubo ad occhi aperti che è altrettanto macabro come suggerisce il titolo, “Carnival of Souls” di Herk Harvey – un singolare unico leggendario come “La notte del cacciatore” e due volte più inquietante – è un tour indelebile attraverso una casa dei divertimenti dei nostri più profondi paure. Girato per un misero $ 33.000 e intriso del morboso disagio di un film di tabacco riscoperto, questo classico a micro-budget vede Candace Hilligoss nei panni di Mary, l’unica sopravvissuta a una sfortunata gara di resistenza. Dragando se stessa fuori dall’acqua e rientrando in un mondo che si sente minacciosamente oscurato dalla sua esperienza di pre-morte, Mary si ritrova intrappolata in una distesa di nessun luogo americano che è inevitabile come Twilight Zone e due volte più buio.C’era una volta, questa era il tipo di film senza nome in cui del mattino imbatterti alle 2 del mattino su TCM; il tipo di cosa che sentivi di non dover guardare. In data odierna, 

47. “Ganja & Hess” (Bill Gunn, 1973)

“Ganja & Hess”

Un trattato originale su sesso, religione e identità afroamericana, il classico allegorico del regista iconoclasta Bill Gunn del 1973 sovverte il genere dei vampiri. L’antropologo Hess Green viene pugnalato con un antico pugnale cerimoniale dal suo instabile assistente, dotandolo della benedizione dell’immortalità e della maledizione di un’inestinguibile sete di sangue. Quando Ganja, la moglie dell’assistente, viene a cercare il marito scomparso, lei e Hess formano una collaborazione inaspettata. Gunn usa il vampirismo come proxy della dipendenza, anche se la complessità della trama rende quasi impossibile ridurre il film a una semplice metafora.Ritagliata drasticamente dai distributori, scontenti della versione altamente stilizzata di Gunn che flirta con le convenzioni del blaxploitation e del cinema horror, è stata pubblicata con altri titoli. E così anni, quella che era per molti loro una versione imbastardita film (rimontata senza il coinvolgimento di Gunn) era tutto ciò che era disponibile. Quarant’anni dopo, Kino Lorber ha reso felici gli dei film ripubblicando il film, riportato alla visione originale di Gunn. 

46. ​​”Segue” (David Robert Mitchell, 2014)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Northern Lights/Animal Kingdom/Two Flints/Kobal/REX/Shutterstock (5875978b) Maika Monroe segue - 2014 Direttore: David Robert Mitchell Northern Lights Films/Animal Kingdom/Two Flints USA Scene Still Seguito dell'Orrore

“Segue”

“È proprio dietro di te!” è un ritornello horror comune e sdolcinato, ma la visione lirica della maturità di David Robert Mitchell gli ha dato una valuta completamente nuova. Una creatura assassina visibile solo agli afflitti insegue la sua preda con una marcia lenta e implacabile in avanti, manifestandosi come le loro peggiori paure; l’unica soluzione è fare sesso con qualcuno per far passare la minaccia. Ma se una persona muore, il mostro torna indietro lungo la linea. Questo geniale espediente acconsente a “Segue” di riunire una serie di adolescenti frenetici nel disperato tentativo di trovare una soluzione al loro enigma.B, ma il numero dei cadaveri è destinato ad aumentare e la narrazione evocativa di Mitchell chiarisce che nulla può salvarli totalmente dalle scioccanti trasformazioni fisiche della giovane età adulta. Il sesso, che spesso condanna i personaggi dei film horror, 

45. “The Blair Witch Project” (Daniel Myrick e Eduardo Sánchez, 1999)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.  Credito obbligatorio: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (8560198e) Heather Donahue The Blair Witch Project - 1999

“Il progetto Blair Witch”

Pochi film sono stati parodiati e intimisti negli ultimi 20 anni come “The Blair Witch Project”; meno sono ancora così spaventosi. L’esercitazione infinitamente influente di Daniel Myrick ed Eduardo Sánchez sull’horror con filmati trovati è stata oggetto di accesi dibattiti sin da prima ancora che fosse presentato in anteprima: è reale o no? – e rimane polarizzante anche adesso. Persona in quel dibattito è quanto sia ancora formidabile. Perdersi nei boschi non è mai stato così spaventoso, specialmente se visto attraverso un trio di videocamere sgranate di studenti di cinematografia;Myrick e Sánchez hanno massimizzato il loro budget notoriamente piccolo facendo in modo che la maggior parte dell’azione si svolgesse fuori dallo schermo e costringendoci a compilare mentalmente i dettagli. Il fatto che possa essere introdotto sia il found footage che il marketing virale al pubblico in generale può essere una benedizionemista, ma non negarlo: 

44. “La stirpe” (David Cronenberg, 1979)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di New World/Kobal/REX/Shutterstock (5876874f) Cindy Hinds The Brood - 1979 Direttore: David Cronenberg New World USA Scene Still Horror Chromosome 3

“La stirpe”

La grande rivelazione nel film d’esordio dell’ canadeseautore “The Brood” è Samantha Eggar che solleva il suo drappo bianco per mostrare ad Art Hindle i molteplici “bambini” che crescono dal suo torso, aprendo la sacca più grande per leccare il sangue del suo neonato. Dopo “Rabid” e “Shivers”, “The Brood” ha segnato l’arrivo di un regista cerebrale con idee sgradevoli sui rischi della scienza, dalle ascelle con organi sessuali e parassiti venati a forma di pene con orecchie e bocche che strisciano dentro e fuori dal corpo cavità, ad alveari psicoplasmatici che diventano esseri umani, nati dalla rabbia e che formano un esercito.Realizzato per circa 1 milione con una piccola troupe di sette persone, “The Brood” ha utilizzato un mix di protesiche e un’intelligente analoga di luce e oscurità in un mondo pre-CGI per creare una minaccia credibile e naturalistica. Quando Roger Corman raccolse il film negli Stati Uniti, gli esperti dell’horror Joe Dante e John Carpenter hanno contribuito a tagliare il trailer. “Videodrome”, “Scanners” e “The Fly” di Cronenberg sono arrivati ​​​​​​più tardi. 

43. “Ho visto il diavolo” (Kim Jee-Woon, 2011)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Softbank Ventures/Kobal/REX/Shutterstock (5877165h) I Saw The Devil (2010) I Saw The Devil - 2010 Direttore: Jee-Woon Kim Softbank Ventures COREA DEL SUD Scene Still Drama J 'ai rencontré le Diable

“Ho visto il diavolo”

Regista visivamente astuto con uno spiccato senso dell’umorismo, Kim gioca abilmente con i generi, dal suo sesto film, il bizzarro successo western orientale “Il buono, il cattivo e lo strano” al thriller serial killer “I Saw the Devil”, che recita anche Lee Byung-hun. Questa volta, Lee è un detective degli omicidi alla ricerca di un brillante serial killer che ha picchiato la moglie incinta in un’inquietante sequenza di apertura. Questo film non è per gli schizzinosi: Kim prende la violenza più lontano da chiunque altro, portandoti con te attraverso intricate telecamere di localizzazione mentre il detective inizia a emulare il folle diavolo che sta inseguendo. Questo complotto di vendetta, con tutto il suo sangue e il suo male, è al servizio dell’arte.Ed è anche divertente, mentre il detective e l’assassino si impegnano in uno strano gioco di superiorità. Nonostante sia stato colpito da valutazioni restrittive per la violenza in Corea, tagliando parte della violenza e limitando i cinema in cui poteva essere proiettato, il film è stato un successo mostruoso. Kim è stata in grado di mantenere più horror nella versione internazionale. 

42. “Freaks” (Tod Browning, 1932)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di MGM/Kobal/REX/Shutterstock (5879969b) Freaks (1932) Freaks - 1932 Direttore: Tod Browning MGM USA Scene still

“Capriccio”

“Uno di noi, uno di noi!” Per quanto sia tristeso, il capolavoro pre-Code di Tod Browning non è affatto il film che ti che aspetti sia. Il suo titolo l’impressione di un’attrazione da baraccone di sfruttamento, e nonostante “Freaks” sia certamente una carnevalesco nel modo in cui mette in mostra il suo cast – inclusi gemelli siamesi, donna barbuta e le famose “teste di spillo” – in definitiva è più notevole per l’empatia che mostra. li mostra a spese dei personaggi “normali” che li maltrattano. Infinitamente controverso quando è stato rilasciato per la prima volta, con una donna che ha persino minacciato di citare in giudizio la MGM dopo aver affermato che il film era responsabile del suo aborto spontaneo,Meglio tardi che mai. 

41. “Il possesso” (Andrzej Zulawiki, 1981)

“Possesso”

La fine di un matrimonio ha spesso dato peso ad alcuni dei migliori drammi, ma non capita spesso di creare un film horror indimenticabile. Quando Anna rivela a suo marito, Mark, che ha una relazione, lo manda sull’orlo della follia. Se sta lottando per tenerlo insieme, Mark assume un investigatore privato per seguire Anna, mentre ha anche una relazione con l’insegnante di suo figlio, che potrebbe passare per il doppio di Anna. Nascosta all’interno di uno squallido appartamento a metà strada attraverso una Berlino devastata dalla guerra, Anna si nasconde con un amante segreto uscito direttamente dai peggiori incubi di HP Lovecraft.Sostenuto da un tour-de-force di Isabelle Adjani, che ha vinto il premio come migliore attrice al Festival di Cannes dopo la prima del film nel 1980, e dal suo indimenticabile guasto alla metropolitana, “Possession” è un film come nessun altro, 

40. “Gli altri” (Alejandro Amenábar, 2001)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Teresa Isasi/Miramax/Canal+/Sogecine/Kobal/REX/Shutterstock (5880168b) Nicole Kidman Gli altri - 2001 Direttore: Alejandro Amenabar Miramax/Canal+/Sagecine FRANCIA/SPAGNA/USA Scene Still Horror Gli Autres

“Gli altri”

Bello il film horror gotico più soddisfacente dai tempi di “Gli innocenti”, la delizia nella nebbia di Alejandro Amenábar è più di un semplice omaggio amorevole all’eterna storia di fantasmi di Jack Clayton, è anche un classico autentico a sé stante. Invertendo allegramente vecchi tropi di genere per esplorare il tema del dolore dall’interno verso l’esterno, il film è interpretato da Nicole Kidman (in uno dei suoi ruoli da protagonista) nei panni di una madre tormentata che si ritira in un maniero infestato dai fantasmi sulle Isole del Canale nel dopo la seconda guerra mondiale. Aspettando invano che suo marito torni dal campo di battaglia e aiuti a prendersi cura dei loro figli fotosensibili, la donna inizia a districarsi.Sta avendo un esaurimento nervoso o è possibile che il fantasma di una vecchia abbia davvero posseduto sua figlia? La verità viene rivelata solo dopo più di 100 minuti di brividimente atmosferici, come “The Others” che costruisce uno dei grandi colpi di scena nella ricca storia del cinema. È un tappeto fatto bene, uno che riformula tutto ciò che è accaduto prima alla fredda luce del giorno e suggerisce che le persone possono essere infestate come le case che chiamano casa. 

39. “Io diavoli” (Ken Russell, 1971)

“Io diavoli”

Ken Russell ha affrontato la storia nel 1971 con “The Devils”, un adattamento di “The Devils of Loudon” di Aldous Huxley. Il film descrive il racconto della vita reale di Urbain Grandier, un prete del XVII secolo accusato di stregoneria da una suora sessualmente repressa, la gobba suor Jeanne. Russell si tuffa in profondità nell’ipocrisia religiosa e nell’immaginario sacrilego, trasformando la storia in infamia e dando vita da solo al genere Nunsploitation. Una delle scene più controverse del film, soprannominata lo “stupro di Cristo”, mostra le suore dell’abbazia che dilagano di estasi sessuale, trasformando la chiesa in un bordello, mentre scoppiano orge,Forse non sorprende che “The Devils” sia stato bandito, classificato X e pesantemente censurato al momento del rilascio, e mentre le versioni del film sono finalmente disponibili per la visione, il vero taglio del regista non è mai stato rilasciato. Tuttavia, rimane un’affascinante riflessione sulla corruzione del potere e sul pericolo quando la repressione sessuale sfocia nell’isteria. 

38. “Domenica Nera” (Mario Bava, 1960)

“Domenica Nera”

Nel 1960, il maestro dell’horror italiano Mario Bava ha catapultato la sua carriera con “Black Sunday”, un ampio adattamento del racconto di Nikolai Gogol “Viy”, che sarebbe stato adattato anche in uno dei pochi film horror mai realizzati in Unione Sovietica . Il film ha anche lanciato la carriera di Barbara Steele, che ha interpretato Asa Vajda, una strega bruciata sul rogo, che torna dalla morte anno di anni dopo per cercare vendetta sui discendenti dei suoi assassini. Il tormento di a sa è palpabile e orribile. Ha una maschera mortuaria, tempestata di punte, inchiodata sul viso prima di essere bruciata viva.In una delle scene più belle del film, quando Asa torna in vita, la maschera viene staccata dal viso, ancora conservata dopo secoli, ma gonfia di segni di unghie. attraverso il film sia uno straordinario esempio di horror gotico italiano, è stato bandito nel Regno Unito fino al 1968 a causa della sua violenza, con alcune delle scene di sangue del film censurate anche negli Stati Uniti. Nonostante migliori anni di censura, “Black Sunday” è meravigliosamente e lunatico, con cimiteri nebbiosi e dungeon gocciolanti che sembrano tratti da alcuni dei suggestivi film horror degli anni ’30. Bava sarebbe presto passato al mondo technicolor dei gialli, ma “Black Sunday” rimane uno dei suoi migliori. 

37. “Hausu” (Obayashi Nobuhiko, 1977)

“Hausu”

La storia racconta che lo studio cinematografico Toho era stanco di perdere soldi per film sensati, e così hanno dato il via libera a “Hausu” di Obayashi Nobuhiko – una sceneggiatura che potrebbe finire la carriera che nessun regista interno giapponese toccato – pensando che fosse giunto il momento di perdere soldi per un film che non lo ha fatto. Hanno ottenuto solo la metà di ciò che si aspettavano: una storia di fantasmi assolutamente delirante (e stranamente allegra) su una ragazza adolescente di nome Gorgeous (Ikegami Kimiko) che porta un gruppo di amici nella casa infestata di sua zia, l’opera magnum di Obayashi è una parata funebre folle di fantasmagoriche delizie.Un letto killer, un pianoforte carnivoro e un gatto demoniaco sono solo la punta dell’iceberg di un film selvaggio, super divertente e giocoso in modo disarmante in cui anche i più piccoli momenti sono toccati dalla follia. 

36. “Non guardare ora” (Nicolas Roeg, 1973)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Casey Prods-Eldorado/Kobal/REX/Shutterstock (5869897c) Julie Christie, Donald Sutherland non guardare ora - 1973 Direttore: Nicolas Roeg Casey Prods-Eldorado Films GRAN BRETAGNA Scena ancora Daphne Du Maurier Mistero/Suspense Ne vous retournez pas

“Non guardare ora”

Perché ci sono così tanti film horror sul processo del lutto? È una grande domanda, ma “Non guardare ora” è una risposta esauriente come è probabile che tu possa trovare. Per prima cosa, il capolavoro di Nicolas Roeg – un ritratto frammentato e irremovibile di due genitori (Donald Sutherland e Julie Christie) in lutto per la morte della loro giovane figlia – ha ispirato un trilion di film minori a esplorare lo stesso terreno. Dall’altro, questo morboso adattamento di Daphne du Maurier complica la psicologia hitchcockiana con il surrealismo ispirato a Borges per illustrare come il linguaggio di genere possa attingere al trauma più direttamente di quanto potrebbe consentire i drammi standard.Sorelle gemelle spettrali, visioni spettrali, l’oscurità dei canali veneziani, una famigerata scena di sesso e la rivelazione più inquietante di tutto il cinema si combinano per articolare la follia isolante che segue la perdita, 

35. “Hangover Square” (John Brahm, 1945)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di 20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5876652c) Michael Dyne, Linda Darnell, Laird Cregar Hangover Square - 1945 Direttore: John Brahm 20th Century Fox USA Scene Still

“Piazza dei postumi di una sbornia”

Guarda quasi tutte le esibizioni di Laird Cregar e diventerai immediatamente un fan. Uno dei migliori attori personaggi dei primi anni ’40, era pronto ad avere la carriera nel cinema dell’orrore che alla fine Vincent Price ha avuto fino a quando la tragedia ha colpito: oltre 300 sterline per la maggior parte della sua età adulta, e quindi limitato ai ruoli dei personaggi a Hollywood, voleva essere un uomo di primo piano. Pertanto, attraverso una dieta estrema e l’esercizio fisico ha perso 100 libbre in meno di un anno, cosa che ha teso così tanto il suo cuore che è morto all’età di 31 anni prima che il suo ultimo film può essere distribuito: ” Piazza della sbornia”. Ed è un capolavoro.Cregar interpreta un pianista sensibile che soffre di sonnambulismo e, mentre lo fa, uccide le donne. Quando si sveglia non ha alcun ricordo degli omicidi. Può essere ritenuto responsabile degli omicidi dal momento che è letteralmente privo di sensi quando li commette? Ma, li sta ancora commettendo. Attinge a una profonda paura che, non importa quanto brava una persona pensiamo di essere, potrebbe esserci un orribile lato oscuro che aspetta solo di strisciare fuori. 

34. “La spina dorsale del diavolo” (Guillermo Del Toro, 2001)

"La spina dorsale del diavolo"

“La spina dorsale del diavolo”

La magia della regia di Guillermo Del Toro è la sua capacità di mescolare terrore e meraviglia in un modo che accresce entrambe le emozioni senza mai sentirsi banale. Ambientato durante la guerra civile spagnola (girato in Spagna e da Pedro Almodovar), questa storia di fantasmi è raccontata dal punto di vista di Carlos (Fernando Tielve), un ragazzo di 12 anni appena arrivato in un orfanotrofio minaccioso dopo che suo padre fu ucciso in guerra. Carlos, ossessionato dalle visioni di una misteriosa apparizione, cerca di ricostruire il mistero di ciò che è accaduto la notte in cui una bomba ha colpito il cortile dell’orfanotrofio (ma stranamente non è esplosa) e un ragazzo (che ora infesta la casa) è stato ucciso.Il film è più inquietante e inquietante che spaventoso, rivelando che il vero orrore è essere un bambino in tempo di guerra. Del Toro ha definito “Backbone” il suo film più personale. 

33. “Urlo” (Wes Craven, 1996)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Miramax/Kobal/REX/Shutterstock (5885613f) Drew Barrymore Scream - 1996 Direttore: Wes Craven Miramax USA Scene still

“Grido”

Un maestro dell’horror a pieno titolo, la decisione di Wes Craven di proprio proporre il genere che lo ha reso un nome familiare potrebbe essere un disastro disordinato e stupido – invece, ha realizzato Scream”, che è sia molto divertente che molto spaventoso, e funziona bene come un film slasher, anche se spacchetta la tipica tariffa slasher. Il film interpretato da Neve Campbell fa satira sui film horror in generale, poi sui film slasher in particolare, poiché la piccola città di Woodsboro, in California, è tenuta in ostaggio da un killer mascherato senza motivazioni chiare, oltre ad affettare ea cubetti adolescenti in modi sempre più divertenti.Ma mentre quel concetto avrebbe continuato a generare un altro franchise sotto forma di “Scary Movie” (fatto divertente: “Scream” era svolta originariamente intitolata “Scary Movie”), Craven ha aggiunto una speciale: e se l’intera faccenda potrebbe essere allarmante, anche? Alla fine il film si rivela essere un’uscita horror davvero raccapricciante e seriamente intelligente che non evita ancora di fare buchi nel genere. E anche fare buchi in molti adolescenti. 

32. “Near Dark” (Kathryn Bigelow, 1987)

Lance Henriksen in "Near Dark"

Lance Henriksen in “Near Dark”

Kathryn Bigelow non è a far il suo volo western revisionista, quindi ha l’ondata di vampiri degli anni ’80 per creare questo genere ibrido unico. Un film meraviglioso, cruento e (romanticamente) appiccicoso ambientato in una piccola città del Midwest, “Near Dark” è una complicata storia d’amore su un vampiro Mae (Jenny Wright) e Caleb (Adrian Pasdar), il ragazzo di cui si innamora e morde una serata molto movimentata, ma la cui essenza si rivela non violenta, facendola innamorare di lui ancora di più. La tribù nomade di vampiri di Bigelow, tuttavia, è violenta e il regista porta la brutalità viscerale in una scena da bar tutt’altro che romantica.Tutto questo è coronato da una di quelle colonne sonore dei Tangerine Dream in stile anni ’80 che trasporta il pubblico in uno spazio mentale completamente diverso. Per coloro che desiderano che Bigelow non abbia mai abbandonato il genere per il prestigio, 

31. “Il Gabinetto del dottor Caligari” (Robert Wiene, 1920)

“Il Gabinetto del dottor Caligari”

Mettendo l’espressione nell’espressionismo tedesco, questo seminale horror silenzioso è rimasto un risultato definitivo nella narrazione spettrale creando un mondo da incubo in cui nulla è certo. Mentre il sonnambulo allampanato Cesare (Conrad Veidt) commette una serie di omicidi per volere dell’ipnotizzatore titolare (Werner Krauss), il regista Robert Wiene ambienta il dramma nei confini di un ambiente labirintico che fa sembrare il capovolto decisamente familiare. Gli edifici ombrosi si librano sullo sfondo ad angoli scomodi e le strade virano in direzioni vertiginose. I soffitti spesso sembrano avvicinarsi a questi frenetici personaggi, con il brillante colpo di scena dell’atto finale, è loro stessi quello che fanno. Raccontato entro i confini di un flashback,il film si presenta come la storia di un giovane (Friedrich Feher) il cui mondo va in pezzi quando viene a conoscenza del piano malvagio del dottore; con il tempo, tuttavia, è chiaro che questo narratore inaffidabile potrebbe essere della vittima della sua stessa confusione, e la genialità de “Il gabinetto del dottor Caligari” è che ci pone proprio lì al centro della sua follia. Quasi un secolo dopo, la svolta finale è ancora una sorpresa per il nuovo pubblico. 

30. “L’uomo di vimini” (Robin Hardy, 1973)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (1631998d) L'uomo di vimini (1973) Ingrid Pitt L'uomo di vimini -1973

“L’uomo di vimini”

“Gli urti vengono assorbiti molto meglio con le ginocchia piegate”, afferma il Signore di Summerisle nel classico pazzo di Robin Hardy. E chi, vi chiederete, è il Signore di Summerisle? Non terribile. Ancor più della parte dei film dell’orrore, “The Wicker Man” richiede di essere visto con la minor preconoscenza possibile: le storie di poliziotti che arrivano su più piccole isole per indagare sulla scomparsa di una bambina che finisce bene, ma c’è poco da preparare per questo. Il remake del 2006 è stato deplorevole – a parte la performance di Nicolas Cage, che era piacevolmente bizzarra – ma l’originale rimane un must per il modo in cui sovverte continuamente le tue aspettative.

29. “Gli innocenti” (Jack Clayton, 1961)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di 20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5883967o) Deborah Kerr, Martin Stephens The Innocents - 1961 Direttore: Jack Clayton 20th Century Fox GRAN BRETAGNA Scena ancora Henry James Horror Les Innocents

“Gli innocenti”

Tornano mai a possedere i vivi? Questa è la domanda posta nel trailer esilarante e fuorviante dello snervante adattamento di Jack Clayton de “Il giro di vite”, che vede la star dello Deborah Kerr nei panni di una giovane istitutrice assunta per prendersi cura di due bambini in una tenuta rurale. La casa è grande ma claustrofobica, i bambini tanto scoraggianti quanto cherubini; puoi sicuramente dire dove sta andando se hai mai visto un film su una casa stregata, ma stai certo che non ne hai mai visto uno come “Gli innocenti”. Un vero esercizio di meno è più orrore, la sceneggiatura – adattata dal romanzo di Henry James di Truman Capote e William Archibald – privilegia brevi scorci e suoni difficili da collocare su qualsiasi cosa palese.Per quanto riguarda la domanda posta dal trailer, non è certo uno spoiler dire che sì, tornano a possedere i vivi. 

28. “Impulso” (Kiyoshi Kurosawa, 2001)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Toho/Magnolia/Kobal/REX/Shutterstock (5872468d) Kumiko Aso Pulse - 2001 Direttore: Kiyoshi Kurosawa Toho/Magnolia GIAPPONE Scene Still Kairo

“impulso”

I film su come vivere con (e su) Internet non erano così comuni nel 2001 come lo sono pochi ora, ma hanno un’impressione duratura come “Pulse”. Il miglior film di Kiyoshi Kurosawa è terrificante non solo per i suoi fantasmi ma anche per le sue intuizioni: le idee non possono essere esorcizzate. Gli spiriti ultraterreni sono simili a un virus informatico film, che vira lento verso l’apocalittico mentre i vivi svaniscono ei fantasmi prendono il loro posto per dire cose come “la morte era la solitudine eterna”; come per molti grandi horror, “Pulse” trascende le sue radici di genere per diventare qualcosa di più.Anch’esso è come un virus informatico in questo senso: cresce e cambia a un ritmo quasi impercettibile, colpendoti in modi che non avresti mai potuto prevedere. 

27. “Il presagio” (Richard Donner, 1976)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di 20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5883213o) Lee Remick The Omen - 1976 Direttore: Richard Donner 20th Century Fox USA Scene Still Horror La Malédiction

“Il presagio”

Il primo capitolo della trilogia di “The Omen” è ancora uno dei film più inquietanti di tutti i tempi. Racconta la storia di un ragazzo “innocente” che, all’insaputa di se stesso e di tutti intorno a lui, inclusi suo padre diplomatico e sua moglie, potrebbe essere proprio l’Anticristo. Preferisce l’atmosfera e l’atmosfera a shock e timore reverenziale, e vanta alcune scene davvero agghiaccianti, comprese macabre sequenze di morte – per impiccagione, decapitazione e impalamento – e una famosa colonna sonora vincitrice dell’Oscar (guidata dalla sua sigla “Ave Satani”, composta da Jerry Goldsmith) — il film presenta uno scenario che sarebbe il peggior incubo di qualsiasi genitore.“The Omen”, aiutato da un cast solido guidato da un eccezionale Gregory Peck, tratta seriamente il suo argomento, il che si aggiunge alla sua credibilità. Il pallido Harvey Stephens nei panni del bambino del diavolo è sinistro. 

26. “La sposa di Frankenstein” (James Whale, 1935)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Universal/Kobal/REX/Shutterstock (5885965bg)Boris Karloff, Colin Clive, Ernest ThesigerFrankenstein - Bride Of - 1935Director: James WhaleUniversalUSAScene StillLa Fiancée de Frankenstein

“La sposa di Frankenstein”

“La scienza, come l’amore, ha le sue piccole sorprese…” Il mostro di Frankenstein è un’astrazione, una tela bianca su cui gli spettatori possono proiettare qualsiasi cosa gliaccia, vale a dire, e più ovviamente, la propensione dell’uomo alla violenza e la tendenza a rifiutare violentemente ciò che riflette le nostre peggiori qualità contro di noi. I cittadini di “Frankenstein” e il suo sequel superiore diventano brutti a prima vista di questo particolare abisso, senza nemmeno prendere il tempo di guardarlo dentro; qui, la sposa sembrerebbe rappresentare una gradita opportunità di compagnia nonostante non sia effettivamente apparsa fino agli ultimi minuti e quindi non mai svolto quel ruolo.Quasi nessuno ottenuto i propri meriti ne “La sposa di Frankenstein”, che è parte del motivo per cui è più notevole circa 80 anni dopo per la sua capacità di evocare pietà che per le poche paure che produce ancora.

25. “Suspiria” (Dario Argento, 1977)

"Suspiria" (1977)

“Suspiria”

Dopo aver perfezionato il giallo con “Deep Red” del 1975, Dario Argento ha affrontato il soprannaturale con “Suspiria”, il capitolo primo della sua Trilogia delle tre madri. La studentessa di danza americana Suzy cattura un posto in una prestigiosa accademia di danza in Germania, ma la scuola ospita un antico male che Suzy deve trovare e eliminare prima che la divori. Con l’eccezione del suo film successivo, “Inferno” degli anni ’80, Argento non ha mai realizzato nulla di così sbalorditivo come “Suspiria”. Risplendente di scene sgargianti e schiocchi abbaglianti di rosso, blu e verde, “Suspiria” contrasta le scene di morte assolutamente brutali e iconiche del film con la vera bellezza. È quasi impossibile rendere giustizia a “Suspiria” con le parole;è un pezzo di cinema che va davvero vissuto, forse per questo Luca Guadagnino non ha osato rifare il film, 

24. “Gli uccelli” (Alfred Hitchcock, 1963)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Universal/Kobal/REX/Shutterstock (5885545t) Tippi Hedren The Birds - 1963 Direttore: Alfred Hitchcock Universal USA Scene Still Daphne Du Maurier Horror Les Oiseaux

“Gli uccelli”

Per prima cosa, è l’unico film di Hitchcock in assoluto a implicare che la sua fine sia la fine del mondo, una lettura rafforzata dal concept art originale di Robert Boyle che mostra il Golden Gate Bridge coperto di uccelli, persino San Francisco persa dai nostri nuovi padroni degli uccelli. Dall’altro, è l’espressione più pura che qualsiasi film mai girato di quanto diamo per scontata la normalità. Stiamo andando avanti, sembra tutto a posto. Essere una persona mondana di San Francisco (Tippy Hedrin) che cerca di fare uno scherzo elaborato a un abitante compiaciuto di Bodega Bay (Rod Taylor).E all’improvviso, uno straordinario disastro colpisce – in questo caso, come dice uno dei personaggi, “la guerra degli uccelli” – e la tua vita potrebbe essere cambiata per sempre, senza tornare indietro, dire addio alla normalità. Tutte le nostre vite sono vissute sul filo del rasoio, ma scegliamo solo, per la maggior parte, di non pensarci. La seconda metà del film di Hitchcock è quasi perfetta, inclusa una scena balorditiva ambientata in una calda in cui i cittadini portano sul tavolo molti punti di vista diversi su come affrontare la crisi: c’è l’evangelista che cita la Scrittura per dare un senso a ciò che è accadendo; lo scienziato che pensa la ragione possiede la risposta; l’ubriacone di passaggio che pensa che il massacro all’ingrosso sia la soluzione;il complottista che decide di incolpare il personaggio di Hedrin: “Penso che tu sia malvagio! Eviiillll!!!” La domanda più spaventosa da porsi è: qualcuno di noi potrebbe gestire meglio la fine? lo scienziato che pensa la ragione possiede la risposta; l’ubriacone di passaggio che pensa che il massacro all’ingrosso sia la soluzione; il complottista che decide di incolpare il personaggio di Hedrin: “Penso che tu sia malvagio! Eviiillll!!!” La domanda più spaventosa da porsi è: qualcuno di noi potrebbe gestire meglio la fine? lo scienziato che pensa la ragione possiede la risposta; l’ubriacone di passaggio che pensa che il massacro all’ingrosso sia la soluzione;il complottista che decide di incolpare il personaggio di Hedrin: “Penso che tu sia malvagio! Eviiillll!!!” La domanda più spaventosa da porsi è: qualcuno di noi potrebbe gestire meglio la fine?

23. “Ho camminato con uno zombi” (Jacques Tourneur, 1943)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di RKO/Kobal/REX/Shutterstock (5878481b) Christine Gordon, Frances Dee, Darby Jones ho camminato con uno zombie - 1943 Direttore: Jacques Tourneur RKO USA Scene Still Vaudou

“Ho camminato con uno zombi”

Credi alle bugie che dici? Il film magistrale del produttore Val Lewton dice che finalmente credi alle tue stesse falsità, beh, tutto può succedere. In questo film classico di Hollywood, il più filosofico, una giovane infermiera (Frances Dee) si reca nell’isola caraibica di San Sebastiano per prendersi cura della moglie di un ricco piantatore (Tom Conroy). Può camminare e fissare lamentosamente in lontananza, ma in nessun altro modo sembra essere cosciente. La comunità afro-caraibica pensa che sia una “zombi”, secondo la tradizione voodoo: è stata maledetta perché aveva una relazione con il fratello di suo marito. E anche l’infermiera arriva a crederci.Quello che segue è uno dei primi sguardi di Hollywood su cosa succede quando i bianchi cercano di cooptare la cultura nera. Un senso di profonda malinconia pervade “I Walked With a Zombie”, la malinconia dei colonizzati: 

22. “Repulsione” (Roman Polanski, 1965)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Compton-Tekli/Royal/Kobal/REX/Shutterstock (5883691i) Catherine Deneuve Repulsion - 1965 Direttore: Roman Polanski Compton-Tekli/Royal BRETAIN Scene Still Repulsion

“Repulsione”

Il ritratto di Roman Polanski di una donna introversa (Catherine Deneuve) che perde la testa è rimasto solo nel suo appartamento è un ritratto inquietante di una donna maltrattata e alienata le cui esperienze di aggressione e solitudine la portano sull’orlo della follia. L’inquietante performance di Deneuve vede la povera donna belga affrontare una serie di difficoltà – vivere a stretto contatto con la sorella promiscua, poi intrappolata a casa, dove sopporta orribili assalti sia reali che immaginari – finché alla fine si scaglia, con conseguenze sanguinose e devastante. La narrativa in bianco e nero grintosa e spogliata di Polanski mantiene alta la tensione per tutto il tempo;non ci sono grandi rivelazioni o colpi di scena inaspettati, ma questo sguardo magistrale alle cazzate dello squilibrio di genere era in anticipo sui tempi in molti modi. Polanski stesso potrebbe essere un nome offuscato, 

21. “Carrie” (Brian De Palma, 1976)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di United Artists/Kobal/REX/Shutterstock (5885454ap) Sissy Spacek, Piper Laurie Carrie - 1976 Direttore: Brian De Palma United Artists USA Scene Still Stephen King Horror Carrie ou le bal du diable

“Carrie”

La serata del ballo di fine anno potrebbe essere stata brutta, ma non era “Carrie” male. Sissy Spacek è tra le poche interpreti a vincere un Oscar per aver recitato in un film dell’orrore, e con una buona ragione: la sua svolta agghiacciante è la ragione principale per cui l’adattamento killer del romanzo di Stephen King di Brian De Palma è considerata una saga di vendetta più giustificata invece che qualcosa di ancora oscuro. Il sangue di maiale e la telecinesi rimangono i suoi elementi che attirano maggiormente l’attenzione, nessuno dei quali ammonterebbe a molto se “Carrie” non fosse così devastante nella sua rappresentazione di un’adolescenza particolarmente traumatica.De Palma era in fiamme durante questo periodo – “Sisters”, “Blow Out” e “Dressed to Kill” sono stati tutti realizzati entro cinque anni da “Carrie” – ma questo film horror soprannaturale è ancora il suo coronamento. 

20. “La mosca” (David Cronenberg, 1986)

Nessun merchandising.  Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito obbligatorio: Foto di 20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5883298g)Jeff GoldblumThe Fly - 1986Direttore: David Cronenberg20th Century FoxUSAScena StillFamilyLa Mouche

Jeff Goldblum ne “La mosca”

David Cronenberg prende il divertimento di genere della metà del secolo, lo inietta con sangue raccapricciante e un punto di vista davvero distorto, e in qualche modo fa ancora un film che era così buono da diventare un successo mainstream. Jeff Goldblum interpreta uno scienziato che mette alla prova la sua svolta nel teletrasporto su se stesso e diventa un tafano. Attraverso incredibili effetti, il film molto grafico è l’apice dell’esplorazione di Cronenberg di ciò che è diventato noto come “horror”, poiché film medita sulla malattia corporea e sull’invecchiamento in modi inquietanti quanto i temi. Mentre il film spinge i confini, sotto c’è un film di mostri convenzionale che ci posiziona per cercare e trovare l’umano sepolto sotto l’orrore. 

19. “Esci” (Jordan Peele, 2017)

“Uscire”

Lo sceneggiatore e regista Jordan Peele si è catapultato oltre le sue radici da sketch comici per un’opera che fa esplodere la categoria sulla razza e il privilegio nella società americana con cui gli spettatori non mai veramente lottato prima. La premessa oltraggiosa – ricchi liberali bianchi che fanno il lavaggio del cervello ai neri per diventare i loro schiavi della mente – trova la sua corrispondenza nelle basi legittime di un thriller psicologico, così come nel ritratto che fa riflettere di un uomo di colore alle prese con un passato travagliato e un presente incerto.I suoi aspetti più inquietanti ti vengono in mente: le trama del film sulle relazioni razziali imbarazzanti sono perché divertenti sono vere (anche se la trama prende le sue svolte più selvagge) e terrificanti per gli stessi motivi, lasciando gli spettatori incerti se ridere o contemplare il più spaventose delle battute finali. Questo è lo spirito del tempo in poche parole. 

18. “Il silenzio degli innocenti” (Jonathan Demme, 1991)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Ken Regan/Orion/Kobal/REX/Shutterstock (5885695l) Anthony Hopkins Il silenzio degli innocenti - 1991 Direttore: Jonathan Demme Orion Pictures USA Scene Still Thriller Le Silence des agneaux

“Il silenzio degli agnelli”

Hannibal Lecter era già una quantità culturale nota quando Jonathan Demme è salito a bordo per dirigere il secondo film con la creazione omicida di Thomas Harris, ma l’astuta di Anthony Hopkins nei panni del serial killer e Jodie Foster nei panni della coppia brillante agente dell ‘FBI sul suo tail lo ha trasformato in niente di meno che una pietra miliare culturale. Aiutato da tormentoni agghiaccianti (sicuramente, lo stock di fave è sceso dopo il ha del film, giusto?) e un gruppo di graziosi tipi di prigione (più una maschera di carne umana), Hopkins riversato il suo talento prodigioso in ogni centimetro dell ‘agghiacciante cornice di Lecter.Non è mai del tutto chiaro cosa stia pensando, e mentre Demme prepara il suo film con altri abbastanza elementi per farlo andare avanti, dal turno corposo di Foster a Buffalo Bill corpi che fa le sue cose con letteralmente pieni, è sempre chiaro che è lui a tirare ogni corda. Il film sarebbe abbastanza formidabile se fosse solo un altro thriller da serial killer, ma Demme, Hopkins e Foster lo spingono ad andare più a fondo in ogni momento, scoprendo alla fine che il vero terrore non ha sempre una ragione, ma ha un sapore . 

17. “Nosferatu” (FW Murnau, 1922)

"Nosferatu"

“Nosferatu”

Per molti versi, “Nosferatu” è il “Citizen Kane” dell’orrore. L’eredità di Bram Stoker ha cercato, abbastanza con successo, di seppellire il film, vincendo una causa sul copyright che richiedeva la distruzione di tutte le stampe e mandando in bancarotta lo studio (Prana) che ha prodotto il film. Eppure l’adattamento non autorizzato di “Dracula” di FW Murnau è stata una revisione fantastica della storia di vampiri che ha contribuito a definire il genere ed è stato così tecnicamente impressionante che ha lanciato una delle carriere di più registarie e influenti della storia del cinema. Più di ogni altra cosa, però, è l’inimitabile interpretazione di Max Schreck nei panni del conte Orlok che un secolo dopo rende questo film una meraviglia.

16. “Lo squalo” (Steven Spielberg, 1975)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Universal/Kobal/REX/Shutterstock (5886241bx) Susan Backlinie Jaws - 1975 Direttore: Steven Spielberg Universal USA Scene Still Les Dents de la mer

“Mascella”

Gli umani che hanno conquistato il pianeta L’umanità regna così completamente suprema che le persone rimangono scioccate quando la natura scopre i denti e mostra chi è veramente al comando. Questo è l’orrore di fondo di quello che altrimenti sarebbe più un riff di fine 20° secolo su Melville nel blockbuster epocale di Steven Spielberg. E a volte, quando un imminente disastro legato alla natura ti sta fissando in faccia, è politicamente più conveniente, come trova il sindaco di Amity (Murray Hamilton), negare semplicemente che sia presente qualsiasi pericolo.Come ho già scritto qui prima, “Lo squalo” è un film di Manifest Destiny, sull’impulso particolarmente americano di abitare tutti gli spazi che desideriamo abitare: se le persone sono rimaste fuori dall’acqua, o hanno scelto invece di nuotare nelle piscine di amicizia, noi non avrei storia 

15. “Gatto Gente” (Jacques Tourneur, 1942)

Simone Simon e Kent Smith in "Cat People"

Simone Simon e Kent Smith in “Cat People”

I film del producer Val Lewtonvano la creazione di film horror di serie B a basso budget con il cinema, e Jacques Tourneur era il suo più grande professionista, aggiungendo uno strato di stile evocativo che pochi film di serie A dell’epoca poteva eguagliare. “Cat People” di Tourneur usa la telecamera e il suono per creare la presenza di una forza soprannaturale senza nemmeno mostrarla. Prendi questo esempio della scena della piscina e di come il suo senso di presenza minacciosa e in aggguato è costruito con inquadratura, soggettività e montaggio.Poi, come con il suo classico noir “Out of the Past”, Tourneur impiega una cinematografia che prende un’atmosfera inquietante e sessualmente carica che porta la premessa insolita del film: una donna serba (Simone Simon) che è convinta discendere dai gatti e si trasforma in uno quando eccitato o arrabbiato – alla vita. 

14. “28 giorni dopo” (Danny Boyle, 2002)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Peter Mountain/Dna/20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5884575ae) Brendan Gleeson, Cillian Murphy, Naomie Harris 28 giorni - 2002 Direttore: Danny Boyle Dna Films/20th Century Fox Regno Unito Scene Still Horror 28 Jours plus tard

“28 giorni dopo”

La visione visionaria e dinamica di Danny Boyle dell’horror zombi è assolutamente terrificante. Ambientato 28 giorni dopo che un’epidemia virale ha devastato la Gran Bretagna, il film segue i sopravvissuti che lottano per osare un senso alle conseguenze, mentre cercano sicurezza. Andando oltre i tipici brividi da zombi e su qualcosa di ancora più orribile – come meccanismo di sopravvivenza, gli esseri umani sono costretti a perdere la loro umanità – il film presenta un’avvincente rappresentazione di un paese totalmente paralizzato da una nuova malattia misteriosa. La malattia oribilmente virulenta e incurabile lascia i suoi ospiti in uno stato di aggressione permanente e spaventoso, pieno di rabbia.Il film si chiede se questo tipo di furia accecante e violenta sia qualcosa che esiste già dentro di noi e il virus semplicemente lo fa emergere. La decisione di Boyle di girare il film con videocamere digitali di fascia consumer, lasciare al film un’efficace grinta e sporcizia, e un necessario realismo, anche se non mancano momenti di surreale bellezza. La cosa più spaventosa di “28 Days Later” è che lo scenario che presenta non è forse affatto irrealistico .

13. “Audizione” (Takashi Miike, 1999)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Omega/Kobal/REX/Shutterstock (5872202b) Eihi Shiina Audition / Odishon - 1999 Direttore: Takashi Miike Omega GIAPPONE Scene Still

“Provino”

Kiri, Kiri, Kiri. O queste parole ti perseguitano o non le hai mai sentite – non c’è molto in mezzo. Takashi Miike ha pubblicato recentemente il suo centesimo film, anche se è improbabile che questo o uno qualsiasi dei suoi 98 altri lavori possa mai raggiungere lo stesso decantato status di “Audition”. Un adattamento dell’omonimo romanzo di Ryū Murakami, inizia e finisce in modi così profondamente diversi che chiunque lo guardi senza preconoscere la sua trama non saprebbe nemmeno che si tratta di un film dell’orrore per un bel po’ di tempo.(La premessa un po’ fuorviante riguarda un vedovo che fa un’audizione per una nuova moglie.) Quando ti rendi conto di cosa sta davvero succedendo, è troppo tardi per tornare indietro, non solo perché è così coinvolgente, ma anche perché è altrettanto difficile andarsene da come la femme fatale al suo centro. 

12. “L’alba dei morti” (George A. Romero, 1978)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (1540077a) Dawn Of The Dead (Zombie) Film e televisione

“Alba dei morti”

Il genio particolare di George A. Romero è stato quello di far conoscere al suo pubblico spazi familiari facendoli sembrare alieni. “Dawn of the Dead” è ambientato in un centro commerciale di Monroeville, Pennsylvania, dove un certo numero di sopravvissuti all’apocalisse di zombi si sono barricati dall’orde di non morti. Naturalmente, prima è necessario un massacro di massa degli zombi ancora all’interno: un’esplosione di violenza è un preludio necessario a qualsiasi abbuffata consumistica. Ma una volta che i nostri sopravvissuti hanno terminato la loro epurazione, impazziscono un po’: è come vivere in questo centro commerciale e farne a meno è bello come vivere in paradiso.Impazziscono giocando ai giochi arcade, facendo scorta delle riserve apparentemente senza fondo di cibo e caramelle del centro commerciale – chi se ne frega se quelle riserve sono davvero limitate o se nessuno potrà mai più uscire? Non può durare, ovviamente. 

11. “Profondo rosso” (Dario Argento, 1975)

“Profondo rosso”

Dario Argento non ha creato il genere giallo, questo onore va a Mario Bava, ma lo ha perfezionato con “Deep Red” del 1975, spesso definito il più grande giallo di tutti i tempi. Il film inizia con un sensitivo che percepisce i pensieri oscuri di un assassino tra il pubblico, uno che in seguito la prende di mira e la uccide. David Hemmings interpreta un pianista che assiste all’omicidio, che lo trascina in un oscuro mistero che mette a rischio la sua vita. Argento impiega molti dei mestieri distintivi del genere, un killer con guanti neri e armato di coltello; sequenza di morte deliziosamente sopra le righe; colpi di scena, svolte e false rivelazioni; e un retroscena meravigliosamente deformato che alla fine rivela l’identità dell’assassino.Argento guadagnerebbe presto consensi internazionali con “Suspiria” del 1977, ma “Deep Red” rimane un elettrizzante mistero di omicidio e il migliore di Argento. 

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10. “La notte dei morti viventi” (George Romero, 1968)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Image Ten/Kobal/REX/Shutterstock (5881773o) La notte dei morti viventi (1968) La notte dei morti viventi - 1968 Direttore: George A. Romero Immagine Ten USA Scene Still La Nuit des morts-vivants (1968)

“La notte dei morti viventi”

Il sovversivo film in bianco e nero indipendente di George Romero è un classico dell’horror e della tradizione degli zombi, che ha inventato quasi da solo lo zombi moderno. Realizzato per le noccioline, gli effetti speciali sono semplici e scarsi e gli attori non professionisti: la grinta del film gioca a suo favore, conferendogli un realismo crudo che è tanto più inquietante. Romero ha detto che il ruolo di Ben non è stato scritto per un attore di colore e che qualsiasi commento percepito nel film era casuale.Tuttavia, non si può ignorare il simbolismo nel casting di Duane Jones – all’epoca un ruolo eroico molto raro per un attore nero in un film circondato da attori bianchi – sullo sfondo di un’America carica di razzismo che sta subendo un significativo cambiamento sociale , come risultato del movimento per i diritti civili. La razza non è mai un problema parlato nel film, ma la scelta del casting di Romero lo ha aperto a varie interpretazioni e analisi, in particolare al suo finale intente cupo e indimenticabile. Il film ha generato diversi sequel e remake, in particolare un riavvio del 1990 con Tony Todd nel ruolo di Ben. 

9. “Alieno” (Ridley Scott, 1979)

Nessun merchandising.  Solo uso editoriale.  No Book Cover Usage.Mandatory Credit: Photo by 20th Century Fox/Kobal/REX/Shutterstock (5886256cb)Sigourney WeaverAlien - 1979Director: Ridley Scott20th Century FoxGRAN BRETAGNAScena StillAlien, le huitième passager

Sigourney Weaver in “Alien”

Puoi sopravvivere ad “Alien”, ma non puoi davvero sfuggirgli – e non solo perché Ridley Scott probabilmente non smetterà mai di fare sequel e/o prequel. “Alien” è andato così lontano dalle sue origini dalla sua nascita violenta quasi 40 anni fa che può essere difficile ricordare quanto sia terrificante il film originale, quindi ecco un promemoria: USCSS Nostromo e la sua troupe si svegliano presto dall’ipersonno dopo aver ricevuto un segnale di soccorso. John Hurt incontra una creatura poco amichevole chiamata Facehugger. Detta creatura dà vita a qualcosa di ancora peggio che uccide tutti a bordo della Nostromo non di nome Ellen Ripley. Nello spazio nessuno può sentirti urlare, ma noi sulla terra non siamo così fortunati. 

8. “La cosa” (John Carpenter, 1982)

La cosa - 1982

“La cosa”

John Carpenter crea paranoia, paura e isolamento in “The Thing” con un’intensità che pochi registi hanno mai eguagliato. Quando i ricercatori antartici una forma di vita aliena con la capacità di imitare altre forme di vita, la sfiducia e il terrore si costruiscono colpo dopo colpo finché non esplode. Gli effetti pratici e il design delle creature sono tra i migliori nella storia del cinema. Un film che ti prende per la gola e non ti lascia andare. 

7. “Occhi senza volto” (Georges Franju, 1960)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Champs-Elysses/Lux/Kobal/REX/Shutterstock (5874537a) Edith Scob Eyes Without A Face / Les Yeux Sans Visage - 1960: Georges Franju Champs-Elysses/Lux FRANCIA/ITALIA Scena Ancora La camera dell'orrore del dottor Faustus Les Yeux senza volto

“Occhi senza una faccia”

Le fiabe possono spesso attingere alle stesse paure primordiali dei film dell’orrore: paure del declino, della solitudine, dell’invecchiamento, della perdita della bellezza. Nel racconto di Georges Franju di un padre chirurgo plastico ossessionato dal salvare l’aspetto di sua figlia – il suo viso è stato sfigurato in un incidente – “Eyes Without a Face” è un film dell’orrore sotto le spoglie di una fiaba contorta, fino al suo tintinnante, bambino -come il punteggio di Maurice Jarre. L’unica soluzione del padre è un trapianto di faccia: il che significa uccidere le donne per poter rubare loro la faccia. Ma il corpo di sua figlia rifiuta inevitabilmente gli innesti cutanei. C’è così tanto al lavoro qui:l’idea che la perdita della bellezza sia uguale alla morte stessa (il padre ha tenuto un funerale per la figlia e la tiene nascosta al mondo) e che la bellezza valga la pena di essere uccisa (con l’addetta al Alida Valli nei del “cacciatore di ” archetipo in questa stravagante storia di Biancaneve, uscire e rapire giovani donne). “Eyes Without a Face” dice che la tristezza ultima è quando la felicità stessa diventa iniquità: che per guadagnare qualcosa per te panni l’unica soluzione è prendere da un altro. 

6. “Psico” (Alfred Hitchcock, 1960)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Paramount/Kobal/REX/Shutterstock (5886156bs) Psycho (1960) Psycho - 1960 Direttore: Alfred Hitchcock Paramount USA Scene Still Psychose (1960)

“Psicopatico”

“Psycho” è praticamente l’anno domini del cinema: c’è un prima e un dopo, in cui niente è più stato lo stesso. Forse tutto per le odierne battute collettive su “che cos’è un film? e cos’è la TV?” torna a “Psycho”, che Hitchcock ha girato con la troupe del suo programma televisivo “Alfred Hitchcock Presents”, il logo della Paramount all’inizio con le linee sgranate della TV si intrecciano come un’affettazione scherzosa. Chi se ne frega del mezzo? È la visione che conta – e Hitchcock ha dimostrato con “Psycho” quanto sarebbe impossibile per tutti i suoi numerosi imitatori cattura il suo stile.Nonostante tutte le paure e gli shock – e quella scena della doccia – è l’umorismo che ti rimane in Psycho: il momento “oh, my God” in cui Norman va leggermente fuori di testa quando l’auto di Marion Crane smette brevemente di affondare nella palude, ricorda la moglie dello sceriffo come ha scelto la signora L’abito funerario di Bates (“blu pervinca”), la sfida “vieni da me” per credere alle sciocchezze pseudoscientifiche che lo psichiatra sputa alla fine per cercare di “spiegare ” tutto quello che è successo – quando è chiaro che nessuna spiegazione potrebbe mai bastare. Ci sono alcune cose nella vita che sono proprio così, e “Psycho” è il sorrisetto cinematografico di Hitchcock ai nostri futili tentativi di osare un senso all’insensato.

5. “Halloween” (John Carpenter, 1978)

Solo uso editorialeCredito obbligatorio: Foto di ITV/REX/Shutterstock (794253b) Film 'Halloween' - 1978 - Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) guardando sopra un divano con un coltello nella mano destra.  ARCHIVIO GTV

“Halloween”

C’erano film horror prima dell’inizio dell’iconico slasher di John Carpenter nel 1978, ma “Halloween” ha trovato la formula perfetta per molti trasforma la vacanza spettrale in una vacanza indimenticabile. Con un tema, la perfetta Final Girl in Laurie Strode di Jamie Lee Curtis, e l’uomo nero che sembra non morire, “Halloween” ha cambiato il genere per sempre. Dopo aver inspiegabilmente ucciso sua sorella maggiore ad Halloween quando aveva solo sei anni, Michael Myers ha trascorso la maggior parte della sua vita in un manicomio, ma in una fatidica notte di Halloween del 1978, torna a casa ad Haddonfield per una furia omicida che terrorizza Laurie e le sue amiche. .Con la sua faccia sfigurata nascosta dietro una maschera bianca macabra, Myers si fa strada e si fa strada attraverso il film, insensibile ai proiettili e ai colpi. Anche se Carpenter lo sarebbe tecnicamente ucciso in “Halloween II” degli anni ’80,

4. “L’esorcista” (William Friedkin, 1973)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Warner Bros/Hoya Prods./Kobal/REX/Shutterstock (5885474af) Max Von Sydow, Linda Blair l'esorcista - 1973 Direttore: William Friedkin Warner Bros/Hoya Productions USA Scene Still Horror L'esorcista

“L’esorcista”

Quasi mezzo secolo dopo la sua uscita, “L’esorcista” rimane uno dei film più spaventosi mai realizzati per un motivo: c’è un disagio primordiale nel contrasto tra una ragazza innocente e il demone che possiede la sua anima. La performance fondamentale di Linda Blair nel ruolo fondamentale della dodicenne Regan, la cui testa si gira e sputa vomito mentre scatena risate inquietanti e volgarità non filtrate, incarna l’idea che nulla è sacro. Anche le prospettive di un Max von Sydow con la Bibbia non garantisce che tutto andrà a buon fine per la povera Regan e la sua famiglia. Friedkin, che non era un’esclusiva del genere horror, si avvicina al romanzo di William Peter Blatty con la stessa raffinatezza che ha portato a innumerevoli altri generi all’apice della sua carriera.Uno dei film più redditizi della storia, “L’esorcista” ha dato alla luce diversi sequel e una serie televisiva, ma nessuno di questi ha eguagliato la chiarezza con cui l’originale svela la mitologia dell’America medio-alta con momenti così profondi e inquietanti così credibili che persino Friedkin è uscito dall’esperienza da vero credente. Decenni dopo, il suo documentario sull’esorcismo “The Devil and Father Amorth”, sull’ispirazione per il personaggio nel film, ha dimostrato quanto questo successo seminale continui a perseguitare il suo creatore – e anche generazioni di spettatori. 

3. “Rosemary’s Baby” (Roman Polanski, 1968)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (1613299a) Rosemary's Baby, Mia Farrow Film e televisione

“Il bambino di rosmarino”

Inquietante dal momento in cui Mia Farrow inizia a cantare su quegli inquietanti titoli di testa, il capolavoro di Roman Polanski ti pianta i suoi artigli e lascia un segno orribile come sulla stessa Rosemary. Il male non è un’entità inconoscibile in questa storia ancora attuale di una donna che viene colpita dal gas dal marito e dai vicini; è il Satanista della porta accanto. La gravidanza è già abbastanza stressante quando non c’è una congrega di streghe che cantano nella notte, ed è resa doppiamente angosciante dai sospetti della povera Rosemary di aver un patto con Lucifero che coinvolge il suo bambino non ancora nato.Così nel suo approccio all’horror psicologico da meritare un dottorato di ricerca, “Rosemary’s Baby” è solo diventato più a disagio con il tempo – e non solo perché sappiamo di più su Polanski ora rispetto a 50 anni fa. 

2. “Il massacro della motosega del Texas” (Tobe Hooper, 1974)

“Il massacro della motosega del Texas”

Gli anni ’70 hanno cambiato per sempre il genere horror e “The Texas Chain Saw Massacre” di Tobe Hooper ne è stato il catalizzatore. Un gruppo di amici si imbatte in una vera e propria casa degli orrori in Texas, piena di una famiglia squilibrata di cannibali guidati da uno dei cattivi più terrificanti dell’orrore, Leatherface, vestito con una maschera cucita insieme da pelle umana. Sfuggendo alle grinfie del Leatherface armato di motosega, Sally è diventata la prima Final Girl dell’horror, una sopravvissuta che emerge da una crisalide di terrore per diventare un angelo della vendetta intriso di sangue. fino a Final Girls abbia subito diverse trasformazioni potenzianti nel corso degli anni, il tropo rimane uno dei più grandi successi femministi dell’horror.Come Éowyn di JRR Tolkein, che dichiara con aria di sfida “Io non sono un uomo” prima di uccidere l’apparentemente indistruttibile Signore dei Nazgûl,

1. “The Shining” (Stanley Kubrick, 1980)

Solo uso editoriale.  Nessun utilizzo della copertina del libro.Credito: Foto di Moviestore/REX/Shutterstock (1635823a) The Shining, Jack Nicholson Film and Television

“Il brillante”

La colpa non sta nei fantasmi che ci perseguitano, ma in noi stessi. Jack Torrance non lo farebbe ( Jack Nicholson) hanno finito per seguire il suo percorso psicotico in “The Shining”, qualunque cosa accada? Quando lo incontriamo per la prima volta, è già stato coinvolto in un episodio di abusi domestici con suo figlio. Nicholson sicuramente interpreta Jack come se fosse impazzito fin dall’inizio – lo spunto fa venire i brividi: “Vedi? Va tutto bene. L’ha visto in televisione”. “The Shining” ha una certa logica onirica, proprio come quella di “Eyes Wide Shut” di Kubrick diciannove anni dopo – suggerisce che tutto ciò che temi ma che respingi potrebbe essere effettivamente vero. Quella paura nella bocca dello stomaco non sta mentendo. Se il tuo istinto ti dice che tuo marito potrebbe tentare di uccidere te e tuo figlio, probabilmente c’è un’ottima ragione per questo istinto. La negazione è necessaria molte volte solo per superare la vita, per farcela ogni giorno, ma i film dell’orrore mostrano sempre invariabilmente che la negazione è anche ciò che potrebbe ucciderti. Certamente uccide quasi Wendy e Danny in “The Shining”, ma si svegliano, cambiano e vedono la realtà della loro situazione senza trovare altre scuse, e così riescono a vivere. Molti di noi non lo fanno: marciando alla cieca attraverso la vita così rigidamente potremmo anche essere congelati nella neve, condannati a continuare a ripetere i nostri errori più e più volte come se dopotutto fossimo sempre stati il ​​custode.