I migliori film su Netflix possono essere difficili da trovare, ma è probabile che non esauriremo presto i grandi film. C’è molto da scegliere, che tu stia cercando i migliori film d’azione, i migliori film horror, le migliori commedie oi migliori film classici su Netflix. Abbiamo aggiornato l’elenco per il 2022 per rimuovere i grandi film che se ne sono andati evidenziando l’eccellenza nascosta.

Invece di passare il tuo tempo a scorrere le categorie, cercando di trovare il film perfetto da guardare, abbiamo fatto del nostro meglio per semplificarti le cose su Incolla aggiornando ogni settimana la nostra lista dei migliori film da guardare su Netflix con nuove aggiunte e trascurate film allo stesso modo.

Ecco i 50 migliori film in streaming su Netflix in questo momento:

1. Lady Bird

Anno: 2017 Regia: Greta Gerwig Stelle: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Beanie Feldstein, Timothee Chalamet Genere: Drammatico, Commedia Classificazione: R


Prima di Christine “Lady Bird” McPherson (Saoirse Ronan)—Lady Bird è il suo nome di battesimo, come in “[lei] lo ha dato a se stessa”—le audizioni per il musical scolastico, osserva un giovane che canta le note finali a “Essere vivi” dalla compagnia di Stephen Sondheim. Pochi istant prima, mentre era in macchina con sua madre, posa malinconicamente la testa sul più finerino e dice con un sospiro: “Vorrei poter sopravvivere a qualcosa”. Bloccata a Sacramento, dove pensa che non ci sia molta niente da offrirle mentre presta attenzione a tutto ciò che la sua casa ha da offrire, Lady Bird – e il film, scritto e diretto da Greta Gerwig, che condivide il suo nome – ha un ‘ambivalenza che la attraversa vene.

Che abbinamento perfetto: Stephen Sondheim e Greta Gerwig.Pochi cineasti sono in grado di catturare lo stesso tipo di ambiguità e sentimenti contrastanti che implicano il rifiuto di prendere una decisione: guarda Bobby, 35 anni, che vuole impulsivamente sposare un amico, ma non si impegna mai con nessuna delle sue amiche, in Company ; il “bordare e sventolare” di Cenerentola sui, ehm, gradini del palazzo; o il motivo di pausa della signora Lovett nel raccontare a Sweeney le sue vere motivazioni.

Lady Bird non è di alto livello come molte delle opere di Sondheim, ma c’è una penetrante veridi nel film, e probabilmente nel lavoro di Gerwig in generale, che fa risuonare le sue ansie e tenerezza nel cuore dello spettatore con uguale frequenza. — Kyle Turner gradini del palazzo;o il motivo di pausa della signora Lovett nel raccontare a Sweeney le sue vere motivazioni. Lady Bird non è di alto livello come molte delle opere di Sondheim, ma c’è una penetrante veridi nel film, e probabilmente nel lavoro di Gerwig in generale, che fa risuonare le sue ansie e tenerezza nel cuore dello spettatore con uguale frequenza. — Kyle Turner gradini del palazzo; o il motivo di pausa della signora Lovett nel raccontare a Sweeney le sue vere motivazioni. Lady Bird non è di alto livello come molte delle opere di Sondheim, ma c’è una penetrante veridi nel film, e probabilmente nel lavoro di Gerwig in generale, che fa risuonare le sue ansie e tenerezza nel cuore dello spettatore con uguale frequenza. — Kyle Turner


2.Monty Python e il Sacro Graal 

Anno: 1975 Regia: Terry Gilliam, Terry Jones Protagonisti: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth Genere: Commedia Classificazione: PG

Anno: 1975 Regia: Terry Gilliam, Terry Jones Protagonisti: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth Genere: Commedia Classificazione: PG

Fa schifo che parte dello splendore sia stato tolto dal Santo Graal dalla sua stessa schiacciante ubiquità. Al giorno d’oggi, quando sentiamo una “ferita di carne”, un “ni!” o un “enorme tratto di terra”, i nostri primi pensieri sono spesso di avere scene complete ripetute da nerd ignari e ossessivi. O, nel mio caso, di ripetere scene intere alle persone come un nerd ossessivo e all’oscuro. Ma se provi a prendere le dal fattore di saturazione eccessiva e rivisiti il ​​film dopo alcuni anni, troverete nuove battute che sembrano distanze fresche e isteriche come quelle che tutti conosciamo.Il Santo Graal è, in effetti, la commedia più densa del canone di Python.Ci sono così tante in questo film, ed è sorprendente quanto facilmente lo dimentichiamo, considerando la sua reputazione. Se sei veramente e irreversibilmente esaurito da questo film, guardalo di nuovo con un commento, e scopri il secondo livello di apprezzamento che deriva dall’inventiva con cui è stato realizzato. Certamente non sembra un film da $ 400.000 ed è delizioso scoprire quale delle gag (come le metà della noce di cocco) è nata dalla necessità di soluzioni alternative a basso budget.La prima co-regia dell’attore sullo schermo Terry Jones (che ha diretto solo sporadicamente dopo lo scioglimento di Python) e l’americano solitario Terry Gilliam (che ha trasformato in modo prolifico lo stile cinematografico di Python nel suo marchio unico di fantasia da incubo) si muove con un’efficienza surreale.

La prima coregia dell’attore sullo schermo Terry Jones (che ha diretto solo sporadicamente dopo lo scioglimento di Python) e l’americano solitario Terry Gilliam (che ha trasformato in modo prolifico lo stile cinematografico di Python nel suo marchio unico di fantasia da incubo) si muove con un’efficienza surreale. —Graham TechlerLa prima co-regia dell’attore sullo schermo Terry Jones (che ha diretto solo sporadicamente dopo lo scioglimento di Python) e l’americano solitario Terry Gilliam (che ha trasformato in modo prolifico lo stile cinematografico di Python nel suo marchio unico di fantasia da incubo) si muove con un’efficienza surreale. —Graham Techler


3. L’irlandese

Anno: 2019 Regia: Martin Scorsese Stelle: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin Genere: Crime, Drama Rating: R

Peggy Sheeran (Lucy Gallina) osserva suo padre, Frank (Robert De Niro), attraverso una porta socchiusa mentre prepara la valigia per un viaggio di lavoro. In pantaloni da viaggio e camicie, ciascuno ben nascosto e piegato contro l’interno del bagaglio. Entra lo snobbato revolver, lo spietato strumento del mestiere di Frank. Non sa che gli occhi di sua figlia sono puntati su di lui; è costituzionalmente tranquilla e lo rimane durante la maggior parte della loro interazione da adulta. Chiude il caso. Lei scompare dietro la porta. Il suo giudizio indugia. La scena si svolge a un terzo del nuovo film di Martin Scorsese.

The Irishman, dal nome del mondo mafioso di Frank, e si ripete nella sua ultima ripresa, nei panni di Frank, vecchio, decrepito e completamente, irrimediabilmente solo, abbandonato dalla sua famiglia e senza speranza. dei suoi amici gangster attraverso il passare del tempo, si siede sul letto della sua casa di cura.
Forse sta aspettando la Morte, ma molto probabilmente sta aspettando Peggy (interpretata da adulta da Anna Paquin), che lo ha rinnegato e non ha intenzione di perdonargli i suoi peccati. Peggy funge da arbitro morale di Scorsese. È un giudice severo: il film ha una visione vaga del machismo espresso nel regno della mafiosa e delle tazze. Quando i personaggi principali di Scorsese non stanno complottando o pagando schemi con atti di violenza, stanno facendo i capricci, mangiano un gelato o, in un caso estremo, combattono a schiaffi in un disastro disperatamente patetico.

Questa scena riecheggia scene altrettanto pietose in Drunken Angel e Rashomon di Akira Kurosawa: risse tra aspiranti rozzi che hanno paura di rissa, ma costretti dalla loro stessa spavalderia. L’irlandese va dagli anni ’50 ai primi anni 2000, gli anni in cui Frank ha lavorato per la famiglia criminale Bufalino, guidata da Russell (Joe Pesci, dal pensionamento e intimidatorio). “Lavorare” significa uccidere alcune persone, muscolarne altre, persino far saltare in aria un’auto o un edificio quando l’occasione lo richiede. Quando è disimpegnato dal terrorismo criminale, è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, trascinando Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro). È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo definito da spargimenti di sangue. —Andy Crump “Lavorare” significa uccidere alcune persone, muscolarne altre, persino far saltare in aria un’auto o un edificio quando l’occasione lo richiede.

Quando è disimpegnato dal terrorismo criminale, è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, trascinando Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro). È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo segnato da spargimenti di sangue. —Andy Crump “Lavorare” significa uccidere alcune persone, muscolarne altre, persino far saltare in aria un’auto o un edificio quando l’occasione lo richiede. Quando è disimpegnato dal terrorismo criminale, è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, trascinando Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro). È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo segnato da spargimenti di sangue. —Andy Crump anche far saltare in aria un’auto o un edificio quando l’occasione lo richiede.

Quando è disimpegnato dal terrorismo criminale, è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, trascinando Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro). È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo segnato da spargimenti di sangue. —Andy Crump anche far saltare in aria un’auto o un edificio quando l’occasione lo richiede. Quando è disimpegnato dal terrorismo criminale, è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, trascinando Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro).

È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo definito da spargimenti di sangue. —Andy Crump è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, a trascinare Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro). È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo definito da spargimenti di sangue. —Andy Crump è a casa a leggere il giornale, a guardare il telegiornale, a trascinare Peggy dal droghiere locale per picchiarlo per averla spinta. “Ho fatto solo quello che dovresti”, dice il povero bastardo condannato prima che Frank lo trascini in strada e gli schiacci la mano sul marciapiede. L’irlandese è una saggistica storica, che racconta la vita di Sheeran e attraverso la sua vita le vite dei Bufalino e dei loro associati, in particolare quelli che morirono prima del loro tempo (che è la maggior parte di loro).

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È anche un ritratto dell’infanzia all’ombra di una brutalità spassionata e di ciò che una ragazza deve fare per trovare sicurezza in un mondo definito da spargimenti di sangue. —Andy Crump e cosa deve fare una ragazza per trovare sicurezza in un mondo segnato dallo spargimento di sangue. —Andy Crump e cosa deve fare una ragazza per trovare sicurezza in un mondo segnato dallo spargimento di sangue. 


4. Non sono il tuo negro

Anno: 2017 Regia: Raoul Peck Genere: Documentario Classificazione: PG-13

Raoul Peck si concentra sul libro incompiuto di James Baldwin Remember This House, un’opera che avrebbe commemorato tre dei suoi amici, Martin Luther King Jr., Malcolm X e Medgar Evers. Tutti e tre i neri furono assassinati a cinque anni l’uno dall’altro e apprendiamo nel film che Baldwin non era solo preoccupato per queste perdite come colpi terribili per il movimento per i diritti civili, ma si preoccupava profondamente delle mogli e dei figli degli uomini che erano assassinato. Il dolore travolgente di Baldwin è tanto l’argomento del film quanto il suo intelletto. E quindi non è solo un ritratto di un artista, ma un ritratto di lutto: come appare, suona e si sente perdere amici, e farlo con il mondo intero che guarda (e con così tanto dell’America rifiutandosi di capire come è successo e perché continuerà ad accadere). Peck non avrebbe potuto fare altro oltre a darci questa sensazione, mettendoci esattamente in presenza di Baldwin, e I Am Not Your Negro sarebbe stato probabilmente ancora un successo. La sua decisione di allontanarsi dal solito formato documentario, in cui menti rispettate commentano un argomento, crea un senso di intimità difficile da ispirare in film come questo. Il piacere di sedere con le parole di Baldwin, e solo con le sue parole, è squisito. Non c’è nessun interprete, nessuno che spieghi Baldwin tranne Baldwin, ed è così che dovrebbe essere. — Shannon M. Houston crea un senso di intimità difficile da ispirare in film come questo. Il piacere di sedere con le parole di Baldwin, e solo con le sue parole, è squisito. Non c’è nessun interprete, nessuno che spieghi Baldwin tranne Baldwin, ed è così che dovrebbe essere. — Shannon M. Houston crea un senso di intimità difficile da ispirare in film come questo. Il piacere di sedere con le parole di Baldwin, e solo con le sue parole, è squisito. Non c’è nessun interprete, nessuno che spieghi Baldwin tranne Baldwin, ed è così che dovrebbe essere. 


5. Un incubo su Elm Street

Anno: 1984 Regia: Wes Craven Protagonisti: Heather Langenkamp, ​​Robert Englund, John Saxon, Johnny Depp, Ronee Blakley, Amanda Wyss, Nick Corri Voto: R Durata: 91 minuti


Dei tre grandi franchise slasher – Halloween, Friday the 13th e questo – è A Nightmare on Elm Street che probabilmente ci ha presentato la più completa e perfettamente rifinita delle puntate originali. Senza dubbio questo è un fattore per essere l’ultimo a venire, poiché Wes Craven ha avuto la possibilità di guardare ed essere influenzato dal minaccioso Carpenter e dal molto più spudorato e pacchiano Cunningham in diversi sequel di F13. Ciò che è emerso da quel susseguirsi di influenze è stato un killer che condivideva l’indistruttibilità di Myers o Voorhees, ma con un tocco del folle senso dell’umorismo di Craven.

Questo non vuol dire che Freddy Krueger (Robert Englund) sia un comico, almeno non qui nel primo Nightmare, dove viene presentato come una minaccia seria e per di più spaventosa, piuttosto che il pastiche auto-parodia che sarebbe diventato in sequel come Final Nightmare, ma il suo approccio allegro all’omicidio e il successivo umorismo da forca creano una razza molto diversa di killer soprannaturale, e uno che si è rivelato estremamente influente sugli slasher post-Nightmare. La semplice premessa del film di attingere agli orrori del sogno e della realtà discutibile era come un dono degli dei presentato direttamente agli artisti e agli scenografi, con carta bianca per assecondare le loro fantasie e creare set memorabili come nient’altro mai visto nell’horror genere fino a quel punto.

È una fantasmagoria di umorismo morboso e brutti sogni. — Jim Vorel e uno che si è rivelato estremamente influente sugli slasher post-Nightmare. La semplice premessa del film di attingere agli orrori del sogno e della realtà discutibile era come un dono degli dei presentato direttamente agli artisti e agli scenografi, con carta bianca per assecondare le loro fantasie e creare set memorabili come nient’altro mai visto nell’horror genere fino a quel punto. È una fantasmagoria di umorismo morboso e brutti sogni. — Jim Vorel e uno che si è rivelato estremamente influente sugli slasher post-Nightmare. La semplice premessa del film di attingere agli orrori del sogno e della realtà discutibile era come un dono degli dei presentato direttamente agli artisti e agli scenografi, con carta bianca per assecondare le loro fantasie e creare set memorabili come nient’altro mai visto nell’horror genere fino a quel punto. È una fantasmagoria di umorismo morboso e brutti sogni. 


6. Gemme non tagliate 

Il proprietario di un negozio esclusivo nel quartiere dei diamanti di New York, Howard Ratner (Adam Sandler) fa bene a se stesso e alla sua famiglia, anche se non può fare a meno di giocare d’azzardo in modo compulsivo, perché suo cognato Aron (Eric Bogosian, maleficamente viscido ) un importo considerevole. Tuttavia, Howard ha altri rischi da bilanciare: il suo libro paga è composto da Demany (Lakeith Stanfield), un cercatore di clienti e prodotti, e Julia (Julia Fox, un faro inaspettato in mezzo alla tempesta nel suo primo ruolo nel lungometraggio), un’impiegata con la quale Howard sta portando avanti una relazione, “tenendola” a suo agio nel suo appartamento di New York. Tranne che sua moglie (Idina Menzel, immacolata sfinita) ovviamente stufo della sua merda, e nel frattempo ha ricevuto una consegna speciale dall’Africa: un opale nero, la pietra che abbiamo conosciuto intimamente nella prima scena del film, che Howard stima valga milioni . Poi capita che Demany porti Kevin Garnett (nei panni di se stesso, completamente incastrato nel tono dei fratelli Safdie) nel negozio lo stesso giorno in cui arriva l’opale, ispirando una scommessa irripetibile per Howard, il tipo che confrontalo con Aron e poi con alcuni, oltre a una serie di nuove stronzate per andare dritto. È tutto indubbiamente stressante, davvero inesorabilmente, dolorosamente stressante, ma i Safdies, al loro sesto film, sembrano prosperare nell’ansia, catturando l’inerzia della vita di Howard e delle innumerevoli vite che si scontrano con la sua, in tutta la sua bellezza corposa . Poco prima di una partita, Howard rivela a Garnett il suo grande piano per un grande giorno di paga, spiegando che Garnett lo ottiene, giusto? Che ragazzi come loro siano coinvolti in qualcosa di più grande, lavorando su una lunghezza d’onda più alta della maggior parte, che è così che vincono. Potrebbe essere coinvolto in qualcosa, o potrebbe tirarsi fuori tutto dal culo, indipendentemente da ciò, abbiamo sempre saputo che Sandler ce l’aveva con lui. Questo potrebbe essere esattamente ciò che avevamo in mente. 


7. Deve averlo 

Anno: 1986 Regia: Spike Lee Stelle: Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks Genere: Commedia, Romanticismo Rating: 

Un film d’esordio esplosivamente schietto che ha immediatamente annunciato la nuova voce coraggiosa e fresca di Lee nel cinema americano, She’s Gotta Have It, girato come un documentario, è un’esplorazione equilibrata di una giovane donna di colore di nome Nola (Tracy Camilla Johns) che cerca di decidere tra i suoi tre amanti maschi, mentre flirtano anche con la sua apparente bisessualità, al fine, prima di tutto, di capire cosa la rende felice. La cosa rinfrescante del film è che Lee solleva sempre la possibilità che “nessuna delle precedenti” sia una risposta perfettamente praticabile sia per Nola che per le donne single, un punto di svolta nel 1986. La cinematografia indie sgranata in bianco e nero fai-da-te aumenta il realismo diretto del film. 


8. Il progetto Florida

Anno: 2017 Regia: Sean Baker Stelle: Willem Dafoe, Bria Vinaite, Brooklyn Prince, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Caleb Landry Jones Genere: Drama Rating

Per quanto utile possa essere un approccio surreale per riformulare il paradiso, The Florida Project di Sean Baker presenta una critica più acuta. Baker immerge il suo pubblico nei suoi mondi attraverso l’obiettivo del realismo sociale, la sua telecamera sullo stesso campo di gioco di Moonee (Brooklynn Prince), sua madre Halley (Bria Vinaite) e il manager del motel in cui vivono, Bobby (Willem Dafoe). . La telecamera vive con i personaggi, li guarda trascinare fuori un materasso infestato da cimici dei letti o sedersi e mangiare frittelle vicino a un piccolo fosso. Non succede nulla di culminante in queste scene, possiamo solo guardare e non emettere giudizi, o esprimere giudizi, qualunque cosa, dipende da noi. Baker non interferisce mai; l’uguaglianza di queste scene sotto l’occhio della sua macchina da presa rende le idee acute del suo film sulla sopravvivenza e sulla gioia ancora più sorprendenti.

Il film può essere sostenuto da un senso dell’umorismo e, di tanto in tanto, meraviglia, ma la vita di Halley è incorniciata da una lotta interna sul fatto che l’umorismo e la meraviglia possano aiutarla a mantenere la sua autonomia nonostante il suo status di classe. Il Progetto Florida è cosparso di profonda tristezza, di momenti di esternazione, di violenta frustrazione per la presunta impotenza, per essere praticamente nati in tutto questo. In che misura ritieni che Baker sia condiscendente, condiscendente o sfruttatore dipende da te, ma i lampi di luce del film, la sua idea di come sia il caregiving quando il caregiving è un privilegio, sono gestiti con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine del Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner ma la vita di Halley è incorniciata da una lotta interna sul fatto che l’umorismo e la meraviglia possano aiutarla a mantenere la sua autonomia nonostante il suo status di classe.

Il Progetto Florida è cosparso di profonda tristezza, di momenti di esternazione, di violenta frustrazione per la presunta impotenza, per essere praticamente nati in tutto questo. In che misura ritieni che Baker sia condiscendente, condiscendente o sfruttatore dipende da te, ma i lampi di luce del film, la sua idea di come sia il caregiving quando il caregiving è un privilegio, sono gestiti con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner ma la vita di Halley è incorniciata da una lotta interna sul fatto che l’umorismo e la meraviglia possano aiutarla a mantenere la sua autonomia nonostante il suo status di classe. Il Progetto Florida è cosparso di profonda tristezza, di momenti di esternazione, di violenta frustrazione per la presunta impotenza, per essere praticamente nati in tutto questo. In che misura ritieni che Baker sia condiscendente, condiscendente o sfruttatore dipende da te, ma i lampi di luce del film, la sua idea di come sia il caregiving quando il caregiving è un privilegio, sono gestiti con sensibilità.

Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner frustrazione violenta per presunta impotenza, per essere praticamente nato in tutto questo. In che misura ritieni che Baker sia condiscendente, condiscendente o sfruttatore dipende da te, ma i lampi di luce del film, la sua idea di come sia il caregiving quando il caregiving è un privilegio, sono gestiti con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner frustrazione violenta per presunta impotenza, per essere praticamente nato in tutto questo.

In che misura ritieni che Baker sia condiscendente, condiscendente o sfruttatore dipende da te, ma i lampi di luce del film, la sua idea di come sia il caregiving quando il caregiving è un privilegio, sono gestiti con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner è gestito con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere. — Kyle Turner è gestito con sensibilità. Quando il film passa dal 35mm al digitale nelle sue riprese finali, Baker impregna la sua macchina fotografica, ora mobile, di liberazione a ruota libera: qualunque cosa accada dopo la fine di The Florida Project, in quegli ultimi istanti questi ragazzi sono nati per vivere.


9. Apocalypse Now Redux 

Invochiamo Truffaut, perché il suo spirito sembra rilevante sia per una discussione sul nefasto adattamento di Francis Ford Coppola di Heart of Darkness di Joseph Conrad, sia per una discussione su un film di guerra come Paths of Glory, e per considerare i film di guerra in generale. Forse, se prendiamo in parola Truffaut, Apocalypse Now (e la sua versione rimasterizzata con altri 49 minuti di filmati in streaming su Netflix) non può fare a meno di sostenere la guerra semplicemente ricreandola come arte. Forse questo non impedisce al film di trasmettere le tesi guida di Coppola: la guerra trasforma gli uomini in mostri, li conduce a una discesa in uno stato mentale primordiale e senza legge, e la guerra stessa è un inferno, una frase inquietante ora trasformata in cliché a forza di uso eccessivo tra il 1979 e oggi. Se il film sanziona in modo innato la guerra attraverso la rappresentazione, non sanziona l’impatto della guerra sull’umanità dei suoi partecipanti. In effetti, Apocalypse Now rimane una delle illustrazioni più profonde dell’effetto corrosivo che la violenza sanzionata dalla nazione ha sullo spirito e sulla psiche di una persona.

È carino che tra 40 anni dopo possiamo citare questo film in terribili spot pubblicitari di AT&T, o riproporre il suo sfondo d’epoca per fare in modo che King Kong accada per il pubblico contemporaneo per la seconda volta, ma non c’è niente di carino, o addirittura tutto che citabile, a questo proposito. Apocalypse Now brucia, ammala e cicatrizza, marchiandosi nei nostri ricordi come solo le manifestazioni più cupe della depravazione umana possono davvero. —Andy Crump È carino che tra 40 anni dopo possiamo citare questo film in terribili spot pubblicitari di AT&T, o riproporre il suo sfondo d’epoca per fare in modo che King Kong accada per il pubblico contemporaneo per la seconda volta, ma non c’è niente di carino, o addirittura tutto che citabile, a questo proposito. Apocalypse Now brucia, ammala e cicatrizza, marchiandosi nei nostri ricordi come solo le manifestazioni più cupe della depravazione umana possono davvero. —Andy Crump È carino che tra 40 anni dopo possiamo citare questo film in terribili spot pubblicitari di AT&T, o riproporre il suo sfondo d’epoca per fare in modo che King Kong accada per il pubblico contemporaneo per la seconda volta, ma non c’è niente di carino, o addirittura tutto che citabile, a questo proposito. Apocalypse Now brucia, ammala e cicatrizza, marchiandosi nei nostri ricordi come solo le manifestazioni più cupe della depravazione umana possono davvero. 

10. Segue 

Anno: 2015 Regia: David Robert Mitchell Stelle: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe Genere: Horror Rating: R

Lo spettro della vecchia Detroit infesta It Follows. In una fatiscente gelateria sulla 12 Mile, nelle case ranch in stile anni ’60 di Ferndale o Berkley, in una partita di Parcheesi interpretata da adolescenti pallidi con accenti nasali, niente, se non ci sei mai stato, non lo riconosceresti mai la nostalgia stantia e grigia che si insinua in ogni angolo del terrificante film di David Robert Mitchell. Ma è lì, e sembra SE Michigan. La musica, la tavolozza dei colori tenue ma stranamente sontuosa, l’incessante anacronismo: solo nello stile, Mitchell è un autore apparentemente uscito completamente formato dal grembo malsano di Metro Detroit. Cicli e cerchi riempiono concentricamente It Follows, dalle regole particolarmente insulari della trama horror del film, alla rotondità giovanile e carnosa dei volti e dei corpi di questo piccolo gruppo di personaggi principali, non lasciare mai che il pubblico dimentichi che, in tanti modi, queste persone sono ancora bambini. In altre parole, Mitchell è chiaro sulla sua storia: questo è già successo e accadrà di nuovo.

Tutto ciò non funzionerebbe se Mitchell fosse meno interessato a creare un film genuinamente snervante, ma ogni sfarzo estetico, ogni panoramica completamente circolare è assalita dal respirare vita morbosa in un’unica immagine: qualcuno, chiunque si separi lentamente dallo sfondo, dalla propria incubi e camminando verso di te, come se la Morte stessa dovesse apparire senza preavviso accanto a te in pubblico, pronta a rubarti il ​​respiro con poco o nessun aplomb. Inizialmente, l’intera presunzione di Mitchell – trasmettere un’ossessione attraverso il rapporto sessuale – sembra seppellire la politica sessuale conservatrice sotto i tipici tropi dei film horror, proclamando di essere una foto di genere progressista quando funzionalmente non fa nulla per promuovere le nostre idee

Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. —Dom Sinacola eleva It Follows dal regno del gioco morale mascherato in un racconto di formazione malaticcio e spaventoso. Allo stesso modo, Mitchell comprende intrinsecamente che non c’è praticamente niente di più inquietante dell’ordinario leggermente fuori dagli schemi, affidando il vero orrore del film ai trucchi che le nostre menti giocano quando dimentichiamo di controllare la nostra periferia. It Follows è un film che prospera nei confini, non tanto sull’orrore che ti balza davanti, ma sull’ansia più profonda che attende sull’orlo della coscienza, finché, un giorno presto, è lì, a ricordarti che il tuo il tempo è limitato e che non sarai mai al sicuro.

Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. —Dom Sinacola Mitchell comprende intrinsecamente che non c’è praticamente niente di più inquietante dell’ordinario leggermente fuori dagli schemi, affidando il vero orrore del film ai trucchi che le nostre menti giocano quando dimentichiamo di controllare la nostra periferia. It Follows è un film che prospera nei confini, non tanto sull’orrore che ti balza davanti, ma sull’ansia più profonda che attende sull’orlo della coscienza, finché, un giorno presto, è lì, a ricordarti che il tuo il tempo è limitato e che non sarai mai al sicuro. Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. —Dom Sinacola Mitchell comprende intrinsecamente che non c’è praticamente niente di più inquietante dell’ordinario leggermente fuori dagli schemi, affidando il vero orrore del film ai trucchi che le nostre menti giocano quando dimentichiamo di controllare la nostra periferia. It Follows è un film che prospera nei confini, non tanto sull’orrore che ti balza davanti, ma sull’ansia più profonda che attende sull’orlo della coscienza, finché, un giorno presto, è lì, a ricordarti che il tuo il tempo è limitato e che non sarai mai al sicuro.

Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. —Dom Sinacola ma l’ansia più profonda che attende sull’orlo della coscienza, finché, un giorno presto, sarà lì, a ricordarti che il tuo tempo è limitato e che non sarai mai al sicuro. Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. —Dom Sinacola ma l’ansia più profonda che attende sull’orlo della coscienza, finché, un giorno presto, sarà lì, a ricordarti che il tuo tempo è limitato e che non sarai mai al sicuro. Dimentica i rischi del sesso adolescenziale, It Follows è una metafora penetrante per crescere. 


11. Ci sarà sangue

Anno: 2007 Regia: Paul Thomas Anderson Stelle: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O’Connor, Ciarán Hinds, Dillon Freasier Genere: Drammatico Rating: R

C’è un odore di cittadino Kane in There Will Be Blood. Sia Charles Foster Kane, al centro del capolavoro di Orson Welles del 1941, sia Daniel Plainview, il protagonista della gemma di Paul Thomas Anderson del 2007, sono shakespeariani nelle loro contraddizioni: troppo creativi e troppo feriti per essere completamente condannati, troppo spietati per essere pienamente ammirati. Come Welles, lo scrittore/regista Anderson ha modellato un linguaggio cinematografico originale per rivelare lo strano mix di genialità e mostruosità di Plainview. I lunghi tratti sono virtualmente privi di dialoghi, punteggiati da primi piani del viso torvo di Daniel Day-Lewis – schizzato di sangue, sudore e petrolio – e le riprese lunghe di torri traballanti e baracche arroccate precariamente su un paesaggio selvaggio dicono più di ogni parola potevo. 


12. Un film da poliziotto

Anno: 2021 Regia: Alonso Ruizpalacios Genere: Documentario Classificazione: R Durata: 107 minuti

Tra le numerose inquadrature sorprendenti catturate nell’ibrido di docu-fiction A Cop Movie, una trasmette l’essenza dell’esame delle forze di polizia messicane da parte del regista Alonso Ruizpalacios come nessun altro. Dopo aver legato il polso a un lungo e fragile pezzo di corda, la tirocinante dell’accademia di polizia Teresa si prepara a saltare da una piattaforma per tuffi di 9 metri e in una piscina. È l’ultima sfida che deve superare per laurearsi – quella della “decisività” – ma rappresenta un’enorme minaccia per la sua vita poiché non sa nuotare, il suo probabile destino di annegare insensibile contrastato tenendo il polso legato all’atterraggio. È interessante notare che Teresa risulta essere meno un soggetto documentario e più un avatar per Ruizpalacios per esaminare la prospettiva civile delle forze di polizia del paese.

Presentato come l’onesto soggetto centrale per quasi metà del film, Teresa (che è basata su una persona reale) risulta essere interpretata dall’attrice Monica del Carmen, che ha sapientemente modellato se stessa nell’immagine dell’ufficiale nella vita reale, rievocando i ricordi dei suoi giorni come studentessa dell’accademia ai suoi più recenti problemi sul posto di lavoro di pattuglia le strade di Città del Messico. Al suo fianco c’è il collega attore Raúl Briones, che interpreta Montoya (anche lui un vero ragazzo), la seconda metà del duo soprannominata “la pattuglia dell’amore” da altri poliziotti a causa della loro relazione civettuola come partner. Sebbene inizialmente si presentino come due ufficiali che semplicemente fanno del loro meglio all’interno di un sistema fatiscente, la seconda metà del film chiarisce che questi sentimenti sono solo proiezioni distorte delle loro controparti nella vita reale. Creando con cura questa illusione e poi svelando di nascosto l’ipocrisia dietro di essa, Un film di poliziotti è sottile ma audace nella sua incriminazione della corruzione della polizia e dei singoli agenti che la accettano: le loro buone intenzioni siano al diavolo. 


13. Il discepolo

Anno: 2021 Direttore: Chaitanya Tamhane Stelle: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave Valutazione: TV-MA Durata: 128 minuti

Dedicare la tua vita a qualcosa – arte, passione, religione – ci viene venduto come ammirevole, ma spesso solo se soddisfa i nostri ideali romantici di come appare quella vita. Il successo, non importa quanto tardivo o addirittura postumo, è la giustificazione per lottare? Lo scrittore/regista/editore Chaitanya Tamhane esplora questa idea attraverso la vita del cantante indiano classico Sharad Nerulkar (Aditya Modak), un severo intransigente cresciuto dal padre amante della musica e dalle registrazioni del leggendario cantante/guru Maai (Sumitra Bhave). Sarà riconosciuto per grandezza, uscendo dall’ombra?

O seguirà suo padre nell’oscurità tangenziale? Affascinanti riprese lunghe che risuonano con lo stesso tipo di ricchezza che si trova nella sua miriade di taan ondulati dei cantanti ci danno molto spazio per ascoltare la musica e la devozione in mostra; affilato, l’umorismo oscuro punteggia il film contemplativo con colpi alla testardaggine. L’eccellente performance di Modok contiene una profondità simile, il tutto nascosto dietro una tensione struggente e uno sguardo incrollabile. Incarna l’artista insoddisfatto, uno che vede il successo tutt’intorno a lui da sciocchi e sfregamenti, anche se non riesce a considerare cosa potrebbe trattenerlo. È una performance straziante, accattivante, pungente e che crea un ritratto davvero vincente. Anche quando si muove in modo costante e spassionato come la motocicletta di Sharad, The Disciple contiene calore per il suo artista centrale del sacco e per la sua dedizione a non svendersi mai. —Jacob Oller uno che vede il successo tutt’intorno a lui grazie a stupidi e sfregamenti, anche se non riesce a considerare cosa potrebbe trattenerlo. È una performance straziante, accattivante, pungente e che crea un ritratto davvero vincente. Anche quando si muove in modo costante e spassionato come la motocicletta di Sharad, The Disciple contiene calore per il suo artista centrale del sacco e per la sua dedizione a non svendersi mai. —Jacob Oller uno che vede il successo tutt’intorno a lui grazie a stupidi e sfregamenti, anche se non riesce a considerare cosa potrebbe trattenerlo. È una performance straziante, accattivante, pungente e che crea un ritratto davvero vincente. Anche quando si muove in modo costante e spassionato come la motocicletta di Sharad, The Disciple contiene calore per il suo artista centrale del sacco e per la sua dedizione a non svendersi mai. 


14. Il maestro

Anno: 2012 Regia: Paul Thomas Anderson Stelle: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern Genere: Drammatico Rating: R

Il Maestro studia i suoi personaggi con una tale mistica, tragedia e umorismo che non c’è momento che non sia avvincente. Lo scrittore/regista Paul Thomas Anderson continua alcune delle tendenze stilistiche del suo ultimo film, There Will Be Blood, ma trova anche il modo di correre costantemente rischi e fare scelte audaci che sono del tutto imprevedibili. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) e la sua religione, The Cause, sono ovviamente ispirati da L. Ron Hubbard e Scientology, e quel legame è stato il punto focale della copertura stampa prima del rilascio del film. I parallelismi tra le due ideologie sono inevitabili, eppure non sono il punto. Anderson non adotta mai il punto di vista della religione/setta come spettacolo da baraccone. Anche in un brillante montaggio raffigurante una serie di esercizi estenuanti che Freddie (Joaquin Phoenix) non può o non vuole permettere di illuminarlo, la lotta personale è in primo piano. La bizzarria dei rituali è quasi casuale. Phoenix offre la performance della sua carriera di veterano della seconda guerra mondiale imbevuto di alcol con cicatrici mentali e fisiche.

Avendo raccolto pochi benefici da un corso accelerato psichiatrico per soldati di ritorno con problemi post-traumatici, inciampa in un posto finché non deve fuggire in un altro, ossessionato dal sesso e fare esperimenti sperimentali. Anderson è sempre stato un virtuoso visivo e usa i dettagli aggiunti per ottenere un effetto superbo. Dodd appare per la prima volta durante una carrellata di Freddie, visto in lontananza come una figura minuscola ma esuberante su una nave da crociera, piccola ma ancora al centro dell’attenzione. Freddie non ha ancora incontrato Dodd, ma la barca lo sta chiamando. Potrebbe essere perché Dodd ha conosciuto Freddie in una vita passata, o potrebbe essere perché Freddie è un ubriacone disperato in cerca di un posto dove nascondersi. La grande tragedia di Freddie è che la spiegazione meno attraente non gli dà risposta, mentre l’altra gli dà la risposta sbagliata. 


15. Crudo

Anno: 2016 Regia: Julia Ducournou Protagonisti: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas Genere: Horror Classificazione: R Durata: 99 minuti

Se sei l’orgoglioso proprietario di un contorto senso dell’umorismo, potresti dire ai tuoi amici che Raw di Julia Ducournau è un “film per adulti” nel tentativo di indurli a vederlo. Sì, la protagonista del film, l’ingenua studentessa universitaria Justine (Garance Marillier), diventa maggiorenne nel corso della sua durata; fa festa, evade dal suo guscio e scopre chi è veramente come persona sull’orlo dell’età adulta. Ma la maggior parte dei ragazzi che diventano maggiorenni nei film non si rendono conto di aver passato la vita a sopprimere inconsapevolmente un bisogno innato e quasi insaziabile di consumare carne cruda. “Ehi”, stai pensando, “questo è il nome del film!” Hai ragione! È! Consenti a Ducournau la sua sfacciataggine. Più che una strizzatina d’occhio e un cenno ai dettagli viscerali dell’immagine, Raw è un’aperta concessione alla qualità straziante della cupa fioritura di Justine. Per quanto brutto diventi il ​​film, e in effetti lo sia, le sensazioni più dure che Ducournau articola qui tendono ad essere quelle che non possiamo rilevare semplicemente guardando: paura della sessualità femminile, eredità familiari, politica di popolarità e incertezza sull’autogoverno orrori quanto carne esposta e sanguinante. È un gorefest che non offre scuse e molto di più da masticare oltre ai suoi effetti. —Andy Crump


16. Da 5 Sangue

Anno: 2020 Direttore: Spike Lee Stelle: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors Genere: Drama Rating: R

La caccia all’oro sepolto non finisce bene né va senza intoppi. La lunga strada verso la riconciliazione, sia con il proprio trauma, la famiglia o l’identità nazionale, non è mai senza ostacoli. Incolla queste verità insieme agli effetti atmosferici del razzismo istituzionale, aggiungi una miriade di riferimenti alla storia – storia americana, storia della musica, storia del cinema – e otterrai Da 5 Bloods di Spike Lee, un film d’azione in stile classico del Vietnam realizzato nella sua visione cinematografica.

Come in BlacKkKlansman del 2018, Lee collega i punti tra passato e presente, collegando la lotta per i diritti civili espressa nell’obiezione di coscienza e nella protesta alla lotta dell’America contemporanea contro il fascismo sanzionato dallo stato. Dopo l’inizio con un montaggio di eventi comprendenti e figure che parlano contro la guerra del Vietnam, indicata principalmente come la guerra americana per tutto il resto del film, Lee introduce quattro dei cinque gruppi di sangue: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) e Melvin (Isiah Whitlock Jr.), legati al Vietnam. i veterinari sono tornati a Ho Chi Minh City apparentemente per trovare e recuperare le ossa del loro caposquadra caduto, Norman (Chadwick Boseman). C’è di più, ovviamente, “di più” sono circa 17 milioni di dollari in lingotti d’oro piantati in suolo vietnamita, proprietà della CIA ma riappropriati dai Bloods come riparazione per le loro sofferenze personali come uomini che combattono una guerra per un paese governato da persone che non Non importa dei loro diritti. Lee è al culmine dei suoi poteri quando afferma senza mezzi termini che per tutto il tempo trascorso dalla conclusione della guerra del Vietnam, l’America sta ancora conducendo ostinatamente le stesse guerre contro il proprio popolo e, del resto, il resto del mondo. E Lee è ancora arrabbiato e scontento per lo status quo, essendo la continua oppressione dei neri americani attraverso la brutalità della polizia, la repressione degli elettori e l’abbandono medico. In questo contesto, l’ampiezza di Da 5 Bloods è quasi necessaria. Come direbbe Paul: Proprio su. 


17. Creep

Anno: 2014 Regia: Patrick Brice Protagonisti: Mark Duplass, Patrick Brice Genere: Horror Classificazione: R

Creep è un piccolo film horror indipendente in qualche modo prevedibile ma allegramente demenziale, il debutto alla regia di Brice, che quest’anno ha distribuito anche The Overnight. Interpretato dal sempre prolifico Mark Duplass, è uno studio sul personaggio di due uomini: un videografo ingenuo e un recluso psicotico non così segretamente, l’ultimo dei quali assume il primo per documentare la sua vita in una capanna nel bosco. Si affida interamente alle sue prestazioni, che sono eccellenti. Duplass, che può essere affascinante e stravagante in qualcosa come Safety Not Guaranteed, brilla qui come il pazzo squilibrato che si impone nella vita del protagonista e perseguita ogni suo momento di veglia. I primi momenti di botta e risposta tra i due scoppiettano con una specie di goffa intensità. Chiunque sia esperto di genere vedrà senza dubbio dove sta andando, ma è una corsa ben congegnata che riesce sulla forza dell’alchimia tra i suoi due protagonisti principali in un modo che mi ricorda le scene tra Domhnall Gleeson e Oscar Isaac in Ex Machina. — Jim Vorel


18. L’evocazione

Anno: 2013 Regia: James Wan Stelle: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor Genere: Horror Classificazione: R

Sia ben noto: James Wan è, in ogni caso, un regista di film horror sopra la media per lo meno. Il capostipite di grandi serie come Saw e Insidious ha un talento per la creazione di horror populista che porta ancora una vena della propria identità artistica, un dono di Spielberg per ciò che parla al pubblico multisala senza sacrificare del tutto la caratterizzazione. Molti dei suoi film si trovano appena fuori dalla top 100, se questa lista dovesse essere ampliata, ma The Conjuring non può essere negato come rappresentante di Wan perché è di gran lunga il più spaventoso di tutti i suoi lungometraggi. Ricordandomi l’esperienza di vedere per la prima volta Paranormal Activity in un multisala affollato, The Conjuring ha un modo per sovvertire quando e dove ti aspetti che arrivino le paure. La sua storia di casa stregata/possesso non è niente che non hai mai visto prima, ma pochi film di questa opera negli ultimi anni hanno avuto la metà dell’eleganza che Wan conferisce a una vecchia fattoria scricchiolante nel Rhode Island.

Il film gioca con le aspettative del pubblico lanciando grandi paure su di te senza gli accumuli standard di Hollywood Jump Scare, evocando contemporaneamente le classiche storie di fantasmi dell’età dell’oro come The Haunting di Robert Wise. La sua intensità, il funzionamento degli effetti e la natura implacabile lo collocano di diversi livelli al di sopra dell’orrore PG-13 contro il quale stava principalmente gareggiando. È interessante notare che The Conjuring ha effettivamente ricevuto una valutazione “R” nonostante la mancanza di aperta “violenza”, sangue o sessualità. Era semplicemente troppo spaventoso per negarlo, e questo è degno di rispetto. — Jim Vorel Il film gioca con le aspettative del pubblico lanciando grandi paure su di te senza gli accumuli standard di Hollywood Jump Scare, evocando contemporaneamente le classiche storie di fantasmi dell’età dell’oro come The Haunting di Robert Wise.

La sua intensità, il funzionamento degli effetti e la natura implacabile lo collocano di diversi livelli al di sopra dell’orrore PG-13 contro il quale stava principalmente gareggiando. È interessante notare che The Conjuring ha effettivamente ricevuto una valutazione “R” nonostante la mancanza di aperta “violenza”, sangue o sessualità. Era semplicemente troppo spaventoso per negarlo, e questo è degno di rispetto. — Jim Vorel Il film gioca con le aspettative del pubblico lanciando grandi paure su di te senza gli accumuli standard di Hollywood Jump Scare, evocando contemporaneamente le classiche storie di fantasmi dell’età dell’oro come The Haunting di Robert Wise. La sua intensità, il funzionamento degli effetti e la natura implacabile lo collocano di diversi livelli al di sopra dell’orrore PG-13 contro il quale stava principalmente gareggiando. È interessante notare che The Conjuring ha effettivamente ricevuto una valutazione “R” nonostante la mancanza di aperta “violenza”, sangue o sessualità. Era semplicemente troppo spaventoso per negarlo, e questo è degno di rispetto. — Jim Vorel il lavoro degli effetti e la natura implacabile lo collocano di diversi livelli al di sopra dell’orrore PG-13 contro il quale era principalmente in competizione.

È interessante notare che The Conjuring ha effettivamente ricevuto una valutazione “R” nonostante la mancanza di aperta “violenza”, sangue o sessualità. Era semplicemente troppo spaventoso per negarlo, e questo è degno di rispetto. — Jim Vorel il lavoro degli effetti e la natura implacabile lo collocano di diversi livelli al di sopra dell’orrore PG-13 contro il quale era principalmente in competizione. È interessante notare che The Conjuring ha effettivamente ricevuto una valutazione “R” nonostante la mancanza di aperta “violenza”, sangue o sessualità. Era semplicemente troppo spaventoso per negarlo, e questo è degno di rispetto. — Jim Vorel


19. Ip Man

Anno: 2008 Direttore: Wilson Yip Stelle: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam Genere: Action Rating: R

Ip Man del 2008 segnò, finalmente, il momento in cui Donnie Yen, veramente eccellente ma mai giustamente considerato, si fece strada, interpretando una versione vagamente biografica del leggendario Gran Maestro del Wing Chung e insegnante di numerosi futuri maestri di arti marziali (uno dei quali era Bruce Lee). A Foshan (una città famosa per le arti marziali nella Cina centro-meridionale), un modesto praticante di Wing Chung cerca di resistere pacificamente all’invasione e all’occupazione giapponese della Cina del 1937, ma alla fine è costretto ad agire. L’azione devastante e che polverizza la faccia riempie questo film semi-storico, che riesce gloriosamente sia come avvincente dramma che come esca per i fan di arti marziali. -K. Alessandro Smith


20. La figlia perduta

Anno: 2021 Regia: Maggie Gyllenhaal Protagonisti: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris Genere: Drammatico Classificazione: R Durata: 124 minuti

Sulla spiaggia su cui la studiosa di letteratura comparata Leda (Olivia Colman) si rilassa in The Lost Daughter, i cieli sono di un azzurro cristallino, le spiagge di un bianco scintillante, l’acqua calda e traslucida. Ma la riva è anche infestata da gente rozza e chiassosa; il frutto di Leda infettato da un marciume maligno; la sua camera da letto contaminata da insetti stridenti; la bambola di una bambina corrotta da un liquido nero nocivo e da insetti che si contorcono. Questa tensione tonale è sintomatica dello spirito del film: è una mela lucida, che decade rapidamente dall’interno verso l’esterno. Il film si svolge nell’arco di un paio di giorni mentre Leda si stabilisce in una sontuosa vacanza di lavoro. Il suo rilassamento viene interrotto, tuttavia, quando posa gli occhi per la prima volta su Nina (Dakota Johnson), una giovane madre bella e imperscrutabile. Leda diventa ossessionata da Nina, poiché quest’ultimo riaffiora inavvertitamente ricordi preoccupanti delle dolorose esperienze di Leda come madre. Da quel momento in poi, i ricordi ossessionanti di Leda permeano La figlia perduta finché la mela non diventa completamente nera.

Mentre la narrazione stessa, adattata dall’omonimo romanzo di Elena Ferrante del 2006, è relativamente semplice, la regista esordiente Maggie Gyllenhaal, che ha anche scritto la sceneggiatura, affronta i temi del sessismo interiorizzato ed esteriorizzato con agilità e complessità. Il sottile e complesso stato mentale di Leda non sarebbe stato possibile trasmettere se non fosse stato per l’eccezionale sensibilità visiva di Gyllenhaal. Le lotte di Leda sono in gran parte interne, ma sono fiducioso che la narrazione tattile unica di Gyllenhaal dica molto più di quanto le parole possano mai. Quando Leda accarezza la bambola sudicia di Elena, il suo tocco è gentile e in qualche modo pieno di rimpianto. Quando infila una spilla nel cappello di Nina, suona sinistro come una spada sguainata, ma il suo posizionamento accurato è quasi sensuale. E quando una Leda più giovane affetta la polpa di un’arancia, il suo intaglio liscio e delicato sembra quasi inquietante. La straordinaria regia di Gyllenhaal, unita alle eccezionali interpretazioni delle attrici principali de La figlia perduta, culmina in una tempesta perfetta che fornisce un astuto ritratto delle dolorose aspettative dell’essere donna.—Aurora Amidon


21. Ho perso il mio corpo

Anno: 2019 Regia: Jérémy Clapin Protagonisti: Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d’Assumçao Genere: Animazione, Drammatico Classificazione: TV-MA Durata: 81 minuti

Mentre siamo a bordo, almeno passivamente, per quanti sequel la Pixar vuole regalare a Toy Story, paziente per quanto tempo ci vorrà un altro, I Lost My Body è un film d’animazione singolare, sempre più del tipo che, francamente, non non farmi più fare In parte perché i film disegnati a mano realizzati da piccoli studi sono più rari che mai, ma soprattutto perché si tratta di un film d’animazione provocatoriamente per adulti, avvolto in una narrazione obliqua e intriso di dolore. Apparentemente su una mano antropomorfa che si arrampica e sfreccia attraverso la città per trovare la persona a cui era un tempo affezionato – la storia del suo taglio viene lentamente alla luce – la bellezza delle immagini del regista Jérémy Clapin, spesso imbrattate di sporcizia e degrado, è in quanto possono essere rivelatori quando sono legati in modo così irrevocabile alla prospettiva di una piccola mano che naviga sia nella sua vita nascente nel traditore sotterraneo urbano sia nei ricordi traumatici del passato del suo corpo ospite. I Lost My Body è un risultato senza pretese e silenziosamente straziante, di cui l’Academy ha bisogno di dare la priorità ora più che mai rispetto alle tariffe prevedibili dei grandi studi. —Dom Sinacola


22. Cristina

Anno: 2016 Regia: Antonio Campos Stelle: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons Genere: Drama Rating: R

Perché la giornalista televisiva Christine Chubbuck si è tolta la vita davanti alla telecamera nel 1974? La genialità di questo dramma di Antonio Campos è che cerca di rispondere a questa domanda pur rispettando l’enormità e l’inconoscibilità di un atto così violento e tragico. Rebecca Hall è importante nei panni di Christine, una donna profondamente infelice la cui ambizione non ha mai eguagliato il suo talento, e l’attrice è incredibilmente comprensiva nella parte. Man mano che ci avviciniamo all’inevitabile scomparsa di Christine, arriviamo a capire che Christine non è un giallo morboso ma, piuttosto, uno sguardo compassionevole alla disuguaglianza di genere e alla solitudine. — Tim Grierson


23. Colpa!

Anno: 2017 Regia: Hiroyuki Seshita Protagonisti: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai Genere: Anime, Fantascienza Classificazione: TV-14

Quando si tratta di fantascienza industriale oscura, Tsutomu Nihei è un visionario. Formatosi come architetto prima di intraprendere la carriera di autore di manga, l’arte di Nihei è allo stesso tempo scarsa e labirintica, il suo corpo di lavoro definito da un’ossessione unificante per gli spazi inventati. Fabbriche bizantine con accenti gotici che si estendono attraverso voragini impossibili, popolate da sintoidi dalle gambe arcuate e macabri predatori che propagandano spade d’osso seghettate e pistole a cartilagine pulsanti. La sua prima e più famosa serie, Blame!, è considerata il testo chiave dell’eredità estetica di Nihei, arrivando a ispirare qualsiasi cosa, dai videogiochi, alla musica, e persino all’arte e alla moda. Sono stati fatti tentativi passati per adattare la serie in un anime, anche se nessuno è stato in grado di concretizzarsi con successo. Cioè, fino ad ora. Con il supporto di Netflix, Hiroyuki Seshita di Polygon Pictures ha consegnato il tanto atteso Blame! film.

Ambientato su una Terra del lontano futuro consumata da un’enorme sovrastruttura auto-replicante conosciuta come “The City”, Blame! segue Killy, un solitario taciturno, che vaga per gli strati del pianeta alla ricerca di un essere umano in possesso del “gene terminale netto”, un tratto elusivo ritenuto l’unico mezzo per fermare la perpetua espansione ostile della città. Vantando una sceneggiatura scritta da Sadayuki Murai, famoso per aver scritto in serie come Cowboy Bebop e Perfect Blue di Satoshi Kon, e supervisionato dallo stesso Nihei, il film di Seshita abbrevia gran parte dei primi capitoli del manga e semplifica la storia in un insieme più narrativo e d’azione – affare guidato. Il direttore artistico Hiroshi Takiguchi replica abilmente l’estetica distintiva di Nihei, ottenendo a colori ciò che prima era solo monocromatico, mentre Yuki Moriyama migliora abilmente i design dei personaggi uniformi dell’originale, conferendo ai suoi calchi tratti e sagome distinti e facilmente identificabili che migliorano notevolmente l’analisi della storia. Colpa! è un adattamento il più fedele possibile e un’introduzione alla serie più adatta al manga stesso.

Colpa! costituisce una solida argomentazione per essere non solo uno dei film anime più concettualmente divertenti degli ultimi tempi, ma anche per essere uno dei, se non il miglior film anime originale ad abbellire Netflix da molto tempo. —Toussaint Egan è un adattamento il più fedele possibile e un’introduzione alla serie più adatta al manga stesso. Colpa! costituisce una solida argomentazione per essere non solo uno dei film anime più concettualmente divertenti degli ultimi tempi, ma anche per essere uno dei, se non il miglior film anime originale ad abbellire Netflix da molto tempo. —Toussaint Egan è un adattamento il più fedele possibile e un’introduzione alla serie più adatta al manga stesso. Colpa! costituisce una solida argomentazione per essere non solo uno dei film anime più concettualmente divertenti degli ultimi tempi, ma anche per essere uno dei, se non il miglior film anime originale ad abbellire Netflix da molto tempo. —Toussaint Egan


24. Gangster americano

Anno: 2007 Regia: Ridley Scott Protagonisti: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin Valutazione: R Durata: 156 minuti

Con American Gangster, Ridley Scott si rifà allo stile di regia più misurato evidenziato nel suo documento di fantascienza Blade Runner. Le abilità di costruzione del mondo del regista, mai in dubbio, sono in piena mostra mentre ricrea l’Harlem della metà degli anni ’70. Ma la sua narrazione, ancora una volta, dà la priorità al personaggio rispetto all’azione veloce. Denzel Washington e Russell Crowe, con l’aiuto di un talentuoso cast di supporto, illuminano il pezzo di questo attore, trasformando il pubblico in una gioia dopo l’altra. Washington è Frank Lucas, un tempo braccio destro di un signore del crimine di Harlem e infine il più potente e indipendente spacciatore di eroina di New York City. Criminale o meno, Lucas definisce il sogno americano. Crowe è Ritchie Roberts, un poliziotto troppo onesto autorizzato a creare un’unità antidroga indipendente, e si immerge in Roberts, mostrando le sue notevoli capacità in ogni fotogramma. Nel frattempo, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine e Armand Assante contribuiscono tutti con una forza e una credibilità uniche. Scott fa persino sembrare TI e RZA degli attori. Ma il film appartiene a Washington e Crowe; il primo freddo e minaccioso, il secondo crollato e arruffato. Quando finalmente si scontrano, il film va in overdrive. Dall’inizio alla fine, American Gangster scoppietta solo con performance che fanno sembrare il cinema di genere un’arte.—Russ Fischer il film va in overdrive. Dall’inizio alla fine, American Gangster scoppietta solo con performance che fanno sembrare il cinema di genere un’arte.—Russ Fischer il film va in overdrive. Dall’inizio alla fine, American Gangster scoppietta solo con performance che fanno sembrare il cinema di genere un’arte.—Russ Fischer


25. Soldati della nave stellare

Anno: 1997 Regia: Paul Verhoeven Protagonisti: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Jake Busey, Clancy Brown, Neil Patrick Harris Valutazione: R Durata: 129 minuti

Luccicante speciale doposcuola e baccanale schifoso, Starship Troopers di Paul Verhoeven si diletta nell’ultraviolenza che distribuisce a forti raffiche, ma poi si rimprovera per essersi divertita così tanto con qualcosa di così sbagliato. Raccontare la storia di un gruppo di adolescenti bianchi estremamente attraenti della classe medio-alta (interpretati da adulti lucenti Casper Van Dien, Denise Richards, Nina Meyers, Jake Busey e Neil Patrick Harris) che si fanno scoppiare le ciliegie e poi macinate in hamburger all’interno del macello della guerra interstellare, Verhoeven naviga attraverso i molti toni del cinema bellicoso: propaganda da falco, scene d’azione grintose e sequenze di avventure elettrizzanti, il tutto accompagnato da un’abbondante grafica CGI, giganteschi insetti spaziali e teste umane che esplodono allo stesso modo senza vergogna o ricorso o il rispetto per la fisica di base e l’empatia umana. Tanto uno spargimento di sangue del trauma infantile di Verhoeven, forgiato nel mulino fascista dell’Europa della seconda guerra mondiale, quanto una critica all’atteggiamento sprezzante di Hollywood nei confronti della violenza e delle rappresentazioni uniformemente eroiche dei militari, lo spettacolo di fantascienza non può fare a meno di arrivare al stesso posto, non importa quale angolazione si prende: sbronzo su un po’ di caos cinematografico hardcore. —Dom Sinacola


26. Dick Johnson è morto

Anno: 2020 Regia: Kirsten Johnson Protagonisti: Kirsten Johnson, Dick Johnson Genere: Documentario Classificazione: PG-13

Se ogni grande documentario riguarda la responsabilità dell’osservazione, Cameraperson di Kirsten Johnson riguarda anche la fragilità di tale osservazione. Con il suo seguito, Dick Johnson Is Dead, Johnson continua a interrogare quella fragilità, creando un’ode profondamente personale a ciò su cui non ha alcun controllo: la morte di suo padre. Aiuta il fatto che Dick Johnson sia un’anima melliflua, un uomo incessantemente caloroso e raggiante circondato da amici, colleghi e conoscenti che lo amano tutti in modo uniforme, sinceramente, ma dalle sue inquadrature iniziali, Johnson chiarisce che la natura meravigliosa di suo padre farà solo dire addio a lui molto più difficile. E il momento in cui dovrà farlo si avvicina sempre di più. Il suo slancio, riconosce con riluttanza, è in parte egoistico poiché decide di aiutare a far conoscere a suo padre la fine della sua vita, rievocando in sontuose vignette cinematografiche i molti modi in cui poteva uscire, dall’unità del condizionatore d’aria che cadeva, al 2×4 inchiodato in faccia, alla tua caduta ordinaria giù per le scale, pieno di collo rotto . Più Johnson si perde nel progetto, spendendo più sforzi per consultare stuntman, direttori artistici e membri della troupe assortiti rispetto a suo padre (seduto pacificamente sul set, di solito a sonnecchiare, mai disturbato), più si rende conto che potrebbe esserlo. sfruttare qualcuno che ama – qualcuno che sta cominciando a mostrare i segni allarmanti della demenza e non riesce più a cogliere appieno il concetto elevato a cui una volta era d’accordo – per placare la propria ansia. Mentre la memoria di suo padre si dissipa insieme alla sua capacità di prendersi cura di se stesso, Dick Johnson Is Dead soddisfa meno il bisogno di Dick di preservare un certo senso di immortalità che il bisogno di sua figlia, tutti i nostri bisogni, di lasciar andare. —Dom Sinacola


27. Mandarino

Anno: 2015 Direttore: Sean Baker Stelle: Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian Rating: R Durata: 87 minuti

Una delle migliori storie del regista Sean Baker, la favola di Tangerine sulle prostitute natalizie che navigano tra amore e perdita a Hollywood è tutto ciò per cui il grande indie è noto: intimo, caloroso, sciocco, sincero e abbastanza sporco. Girato interamente su iPhone, questo film sovversivo per le vacanze celebra la famiglia ritrovata nei negozi di ciambelle, nelle lavanderie a gettoni e nei bagni dei bar. Ci ricorda che a volte il regalo più bello di tutti è un amico che ti presterà la sua parrucca mentre la tua è a lavare. Kitana Kiki Rodriguez e Mya Taylor portano avanti il ​​film in tutta la sua complessità emotiva e tonale, mentre l’interesse compassionevole di Baker per le persone appena fuori dai margini fa sembrare lo stile da guerriglia del film più amorevole che sfruttatore. Avvicinando i suoi soggetti con empatia e dando loro così tanto spazio per risucchiarci nel loro mondo, è assolutamente all’interno dello spirito delle feste, anche se un incontro sessuale nell’autolavaggio potrebbe non essere salutare come qualcosa di Jimmy Stewart. Ma per un certo tipo di persona, e per il certissimo tipo di amicizia di Tangerine, “Buon Natale alla vigilia, cagna” è tutto ciò che deve essere detto. —Jacob Oller


28. Scusa se ti disturbo

Anno: 2018 Direttore: Boots Riley Stelle: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover Valutazione: R Durata: 105 minuti

Sorry to Bother You ha così tante idee che escono da ogni cucitura, così tanta ambizione, così tanto che vuole dire così urgentemente, che sembra quasi volgare sottolineare che il film finisce per svanire gloriosamente fuori controllo. Questo è il primo film del rapper e produttore Boots Riley, e mostra, in ogni modo possibile – buono, cattivo, incredibile, ridicolo – come se non sapesse se sarebbe mai stato in grado di farne un altro, quindi ha buttato via ogni idea che avesse mai avuto in questo. Ci sono momenti in Sorry To Bother You che ti faranno venire voglia di saltare da capogiro per il teatro.

Ci sono anche momenti che ti faranno chiedere chi al mondo ha regalato una macchina fotografica a questo pazzo. (Alcuni di quei momenti sono anche piuttosto vertiginosi.) Il primo supera di gran lunga il secondo. Lakeith Stanfield interpreta Cassio, un ragazzo di buon cuore che sente che la sua vita si sta allontanando da lui e quindi si cimenta nel telemarketing, fallendo (in una serie di scene fantastiche in cui la sua scrivania cade letteralmente nelle case di chiunque stia chiamando) fino a quando un il collega (Danny Glover, interessante fino a quando il film non lo abbandona del tutto) gli consiglia di usare la sua “voce bianca” durante le chiamate. Improvvisamente, Stanfield suona esattamente come David Cross nella sua forma più nasale ed è diventato una superstar della compagnia, che lo porta “al piano di sopra”, dove i “supercallers” come lui cercano i protagonisti di Glengarry. Questo è solo il punto di partenza: nel corso, incontriamo un imprenditore tipo Tony Robbins (Armie Hammer) che potrebbe anche essere un mercante di schiavi, la fidanzata artista radicale di Cassius (Tessa Thompson), che indossa orecchini con così tanti motti che è una meraviglia che lei può alzare la testa, e un collaboratore rivoluzionario (Stephen Yeun) che cerca di indurre i lavoratori a ribellarsi contro i loro padroni. Ci sono anche molte altre persone e solo alcune di loro sono completamente umane. È un bel film. — Will Leitch


29. Strisce

Anno: 1981 Regia: Ivan Reitman Protagonisti: Bill Murray, Harold Ramis, Warren Oates, PJ Soles, Sean Young, John Candy, John Larroquette, Judge Reinhold Genere: Commedia Classificazione: R Durata: 105 minuti

Stripes potrebbe non essere amato come Ghostbusters o Groundhog Day, ma John Winger, il tassista sarcastico e irriverente che si unisce all’esercito dopo che la sua vita è andata in pezzi, dovrebbe essere il ruolo decisivo di Bill Murray. (O, almeno, all’inizio di Murray, prima di diventare un attore rispettabile.) Certo, Murray aveva già sviluppato la sua voce al Second City e al Saturday Night Live, e l’ha presentata in anteprima sul grande schermo con Polpette, ma Stripes ha messo l’anti- autoritarismo contro l’istituzione più autoritaria d’America, permettendogli di raggiungere nuove vette di viscida mancanza di rispetto. E non ha paura di farlo sembrare uno stronzo senza sforzarsi di riabilitarlo, cosa che non si può dire di Ghostbusters o Groundhog Day. Stripes ha problemi come film: si trascina troppo a lungo, l’ultimo terzo è esagerato e irrealistico, e il modo in cui tratta le donne era scomodo all’epoca e sarebbe decisamente inaccettabile oggi, ma tra Murray, Harold Ramis, John Candy, il giudice Reinhold, John Larroquette e una fantastica interpretazione da uomo eterosessuale del duro Peckinpah Warren Oates nei panni del sergente istruttore, potrebbe essere, ridere per ridere, il film più divertente di questa lista. —Garrett Martin


30. Non un altro film per adolescenti

Anno: 2001 Regia: Joel Gallen Stelle: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid Genere: Commedia Rating: R

Chris Evans potrebbe essere andato a cose più grandi e migliori, ma la sua interpretazione schiettamente schietta di atleta illuso nella parodia del sottogenere Not Another Teen Movie è stata un primo picco per Captain America. Sostenuto da un sacco di battute citate e da un’estetica da tagliabiscotti sapientemente affettata dal regista e punto fermo di Comedy Central Joel Gallen, Not Another Teen Movie è una risposta esilarante e pungente all’ondata di contorte commedie sessuali per adolescenti che sono andate dagli anni ’80 al 2001 pubblicazione. Fondamentalmente, questo film ha fatto alle commedie romantiche per adolescenti quello che Walk Hard: The Dewey Cox Story ha fatto ai biopic musicali: la parodia è così bella che, dopo averlo visto, è difficile prendere sul serio le voci sul serio. Volgare ma nitido, il film è a cavallo tra le sopracciglia basse e alte con molto successo, con una incazzata Molly Ringwald che chiude il tutto in un cameo perfetto. —Jacob Oller


31. Mirai

Anno: 2018 Regia: Mamoru Hosoda Protagonisti: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino Genere: Anime, Fantasy Classificazione: PG

La maggior parte, se non tutti, i film originali di Mamoru Hosoda prodotti negli ultimi dieci anni funzionano, in un modo o nell’altro, come esercizi di autobiografia. Summer War, a parte una premessa più o meno riciclata dal debutto alla regia di Hosoda nel 2000, Digimon Adventure: Our War Game!, è stata la storia più volte rimossa di Hosoda che incontra per la prima volta la famiglia di sua moglie. Wolf Children del 2012 è stato ispirato dalla morte della madre di Hosoda, animato in parte dalle ansie e dalle aspirazioni alla prospettiva della sua imminente genitorialità. Il ragazzo e la bestia del 2015 è stato completato subito dopo la nascita del primo figlio di Hosoda, il prodotto delle sue stesse domande su quale ruolo dovrebbe avere un padre nella vita di suo figlio. Mirai, il settimo film del regista, non nasce dall’esperienza di Hosoda, ma filtrato attraverso le esperienze del figlio primogenito che incontra per la prima volta il fratellino.

Raccontato la prospettiva di Kun (Moka Kamishiraishi), un bambino che si sente sfollato e insicuro sulla scia della nascita di sua sorella Mirai, Mirai è un bellissimo dramma fantasy d’avventura che porta lo spettatore in un’odissea abbagliante attraverso l’intero albero genealogico di Kun, culminando in una commovente conclusione che sottolinea la bellezza di ciò che significa amare ed essere amati. Mirai è il film più riuscito di Hosoda, il vincitore della prima nomination all’Oscar per un film anime non prodotto dallo Studio Ghibli, e un’esperienza tanto edificante quanto una gioia da vedere. —Toussaint Egan un bambino che si sente sfollato e insicuro sulla scia della nascita di sua sorella Mirai, Mirai è un bellissimo dramma fantasy d’avventura che porta lo spettatore in un’odissea abbagliante attraverso l’intero albero genealogico di Kun, culminando in una conclusione toccante che sottolinea la bellezza di ciò che significa amare ed essere amati.

Mirai è il film più riuscito di Hosoda, il vincitore della prima nomination all’Oscar per un film anime non prodotto dallo Studio Ghibli, e un’esperienza tanto edificante quanto una gioia da vedere. —Toussaint Egan un bambino che si sente sfollato e insicuro sulla scia della nascita di sua sorella Mirai, Mirai è un bellissimo dramma fantasy d’avventura che porta lo spettatore in un’odissea abbagliante attraverso l’intero albero genealogico di Kun, culminando in una conclusione toccante che sottolinea la bellezza di ciò che significa amare ed essere amati. Mirai è il film più riuscito di Hosoda, il vincitore della prima nomination all’Oscar per un film anime non prodotto dallo Studio Ghibli, e un’esperienza tanto edificante quanto una gioia da vedere. —Toussaint Egan il destinatario della prima nomination all’Oscar per un film anime non prodotto dallo Studio Ghibli, e un’esperienza tanto edificante quanto una gioia da vedere. —Toussaint Egan il destinatario della prima nomination all’Oscar per un film anime non prodotto dallo Studio Ghibli, e un’esperienza tanto edificante quanto una gioia da vedere. —Toussaint Egan


32. Sfuggenti

Anno: 2018 Regia: Sandi Tan Genere: Documentario Classificazione: NR Durata: 96 minuti

Dare un senso al proprio passato può essere sia un’impresa per tutta la vita che una proposta spinosa. In Shirkers, la scrittrice Sandi Tan compie gli sforzi più difficili, dirigendo un documentario su se stessa che non è stucchevole o degno di rabbrividire. Al contrario, il suo film è piacevolmente schietto e autocritico: potrebbe essere la star dello show, ma ha una storia da raccontare e la giusta prospettiva per inquadrarla correttamente.

Tan racconta il documentario come un pezzo di memoria, raccontando la sua infanzia a Singapore con la sua migliore amica Jasmine, dove erano i due ragazzi fantastici nella loro graziosa scuola quadrata, sognando di essere cineasti e lasciando il segno. Per promuovere questa ambizione, hanno collaborato con un’altra amica, Sophia, in un road movie surreale chiamato Shirkers, che sarebbe stato diretto dal mentore di Tan, un insegnante più anziano di nome Georges che si comportava come qualcuno che sapeva come muoversi con una cinepresa. Nella tarda adolescenza e forse innamorato di quest’uomo che le ha mostrato tanta attenzione – il documentario è cauto sull’argomento – Tan era intossicata dalla fretta di girare un film che lei ha scritto e di cui sarebbe stata la star. Allora come mai non l’abbiamo mai visto? Il documentario ripercorre lo strano e misterioso viaggio del progetto, che è stato ostacolato da Georges che se ne è andato di soppiatto con le bobine del film con la vaga promessa di finire il lavoro.

Non è mai successo e 20 anni dopo Tan decide di aprire quelle vecchie ferite, riallacciandosi con i suoi vecchi amici e cercando di determinare cosa ne è stato di Georges. Le scene del film incompiuto appaiono in Shirkers, avvisando il pubblico del fatto che ci sarà una felice soluzione alla ricerca di Tan. Ma il documentario finisce per essere più un’esplorazione della nostalgia, dell’amicizia e del fascino dei mentori. Tan è una compagnia vivace e schietta per tutto il tempo – la sua voce ha la giusta sfumatura sardonica – ma le sue visite con Jasmine e Sophia sono particolarmente adorabili e illuminanti, suggerendo come gli amici di una vita possano vederci in modi che noi non possiamo. — Tim Grierson


33. La sua casa

Anno: 2020 Regia: Remi Weekes Protagonisti: Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith Genere: Horror Classificazione: NR

Niente risucchia l’energia dall’orrore dei film che trattengono l’orrore. I film possono spaventare il pubblico in vari modi, ovviamente, ma il minimo che un film horror possa essere è spaventoso invece di cazzeggiare. La sua casa di Remi Weekes non scherza. Il film inizia con una tragedia e, entro 10 minuti da quell’apertura, serba facilmente rancore per The Grudge lasciando i fantasmi sparsi sul pavimento e attraverso le scale dove i suoi protagonisti possono inciamparci. In definitiva, questo è un film sull’inevitabile dolore innato delle storie di immigrati, un pezzo da accompagnamento al cinema indipendente contemporaneo come Mediterranea di Jonas Carpignano, che cattura i pericoli che gli immigrati devono affrontare per strada e verso le loro destinazioni con brutale chiarezza neorealista. Weekes è profondamente coinvolto in Bol e Rial come persone, da dove vengono, cosa li ha portati ad andarsene, e soprattutto cosa hanno fatto per andarsene. Ma Weeks è ugualmente impegnato nel far uscire i suoi spettatori dalla pelle. —Andy Crump


34. I fratelli Sparks

Anno: 2021 Regia: Edgar Wright Genere: Documentario Classificazione: R Durata: 135 minuti

The Sparks Brothers è una valutazione e un apprezzamento approfonditi e affascinanti di una band idiosincratica, e il più grande elogio che potresti fargli è che condivide una sensibilità con i suoi musicisti inimitabili. Non è un compito facile quando si tratta di Ron e Russell Mael. I fratelli californiani gestiscono Sparks dalla fine degli anni ’60 (sì, gli anni ’60), sfrecciando attraverso i generi con la stessa rapidità con cui i loro testi fanno e scartano le battute. Glam rock, disco, pioniere dell’elettronica e anche quando si immergono negli angoli più sperimentali e orchestrali dei loro interessi musicali, mantengono un costante genio power-pop sostenuto dalle pipe fluy di Russell e dai tasti orecchiabili di Ron.

È qui, nell’incredibile gamma di Sparks ma nella personalità consolidata, che inizi subito a capire che The Sparks Brothers è il matrimonio di due soggetti perfetti che condividono una missione. Esperti in una forma d’arte interessati l’uno all’altro, Ron e Russell si legano al regista Edgar Wright per il desiderio ironico di divertirsi e farne arte. Uno ha realizzato una trilogia di parodie che si erge in cima ai suoi singoli generi (zombi, poliziotti, film di fantascienza). Gli altri hanno realizzato canzoni sovversive come “Music That You Can Dance To” che riescono a eguagliare (e spesso a superare) gli stessi bop che suonano. I loro poteri combinati, The Sparks Brothers diventano un documentarista musicale consapevole di sé e profondamente serio. Slapstick, con una vasta gamma di vecchi clip di film che forniscono pugni e cazzate, e gag visive prendono per il culo le sue impressionanti teste parlanti ogni volta che lasciano cadere un cliché di musica lamentosa. “Spingere la busta?” Aspettati di vedere un tiro alla fune postale tra i Maels.

Questo senso dell’umorismo, che apprezza il frutto più stupido e il più alto riferimento alla fronte, deriva dall’ammirazione dei fratelli per registi francesi seriamente poco seri come Jacques Tati (con il quale Sparks ha quasi fatto un film; ricorda, adorano i film) e di un affinità particolarmente formativa per la musica britannica. Non abbatte del tutto le facciate, poiché anche le opere più personali di Wright continuano a trasmettere emozioni attraverso un guscio protettivo di commedia fisica e riferimenti, ma hai un’idea dei Mael come lavoratori, fratelli, artisti e umani a condizioni che si sentono a proprio agio insieme a. Il film di quasi due ore e mezza è un’epopea, non si può negarlo. Non avrai bisogno di un altro film di Sparks dopo questo. Eppure è meno una biografia alla fine che tutto è un invito,


35. Apostolo

Anno: 2018 Regia: Gareth Evans Protagonisti: Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen Genere: Horror, Drammatico Classificazione: NRDopo che le prime due voci di The Raid lo hanno reso una figura monolitica tra i drogati di film d’azione, Apostle funge da introduzione nel mondo intero allo stile cinematografico viscerale del regista gallese Gareth Evans. Laddove i suoi primi film avevano quasi preso vita l’estetica di un videogioco—sono più vicini a un adattamento per il grande schermo di Streets of Rage che tu possa mai trovare—Apostle potrebbe anche rappresentare il desiderio di Evans di essere preso seriamente come direttore visivo e autore. Per fare ciò, ha esplorato un terreno ben calpestato sotto forma del “film di infiltrazione di culto” rurale, facendo paragoni con artisti del calibro di The Wicker Man (o anche The Sacrament di Ti West) inevitabili. Tuttavia, Apostle si fa strada nella conversazione di fine anno del miglior cinema horror del 2018 attraverso il puro stile e la verve. Ogni fotogramma è splendidamente composto, dall’arrivo inquietante del fumante personaggio di Dan Stevens nel complesso di culto dell’isola, al fantastico e perfido Grand Guignol del terzo atto, in cui le viscere scorrono con edonistico abbandono.

Evans sa esattamente per quanto tempo tormentare il pubblico con un mistero a combustione lenta prima di far scoppiare le dighe di sangue; la sua conclusione abbraccia sia la follia soprannaturale che la violenza umana scomodamente realistica. È scomparsa la precisione del combattimento di The Raid, sostituita da un marchio più goffo di ferocia sfrenata che è potenziato non dall’onore ma da una fede disperata. Evans conclude correttamente che questa forma di violenza è molto più spaventosa. — Jim Vorel Evans sa esattamente per quanto tempo tormentare il pubblico con un mistero a combustione lenta prima di far scoppiare le dighe di sangue; la sua conclusione abbraccia sia la follia soprannaturale che la violenza umana scomodamente realistica.È scomparsa la precisione del combattimento di The Raid, sostituita da un marchio più goffo di ferocia sfrenata che è potenziato non dall’onore ma da una fede disperata. Evans conclude correttamente che questa forma di violenza è molto più spaventosa. — Jim Vorel Evans sa esattamente per quanto tempo tormentare il pubblico con un mistero a combustione lenta prima di far scoppiare le dighe di sangue; la sua conclusione abbraccia sia la follia soprannaturale che la violenza umana scomodamente realistica. È scomparsa la precisione del combattimento di The Raid, sostituita da un marchio più goffo di ferocia sfrenata che è potenziato non dall’onore ma da una fede disperata. Evans conclude correttamente che questa forma di violenza è molto più spaventosa. — Jim Vorel Evans conclude correttamente che questa forma di violenza è molto più spaventosa. — Jim Vorel Evans conclude correttamente che questa forma di violenza è molto più spaventosa. — Jim Vorel


36. L’altra faccia del vento

Anno: 2018 Regia: Orson Welles Stelle: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar Genere: Drama Rating: R

Sgargiante e inspiegabile come il suo titolo, The Other Side of the Wind canta comunque con la forza del suo movimento che fischia oltre i suoi vincoli. Il vento soffia: Orson Welles lo canalizza attraverso il suo torpore inflitto/autoinflitto in studio, trovando in quel processo una melodia organica, o meglio, il jazz. Il documentario sulla realizzazione They’ll Love Me When I’m Dead, distribuito da Netflix per accompagnare questo film, il momento più bello del gigante dello streaming, mostra Welles, enorme e mezzo cotto, che descrive quelli che lui chiama “incidenti divini”.

Questi incidenti sono stati responsabili di alcuni dei migliori dettagli della sua opera (in cui risiede Dio), come la rottura dell’uovo in Touch of Evil; erano qualcosa che mirava a inseguire (come inseguire il vento) con questo, il suo progetto finale, rilasciato diversi decenni dopo le sue riprese quando Netflix ha aperto le sue casse per aprire la bara in cui era rinchiuso il filmato grezzo. I suoi ex partner nelle riprese, Peter Bogdanovich e Frank Marshall, mantengono il vecchio giuramento al loro maestro di completare il film per lui e, trovando lo spirito della cosa, ci consegnano un capolavoro che a malapena meritiamo. Un incidente divino. John Huston interpreta John Huston nei panni di Jake Hannaford, che è anche Orson Welles, che cerca di finire L’altro lato del vento proprio come Welles ha cercato di finire L’altro lato del vento, nel corso degli anni senza un vero budget e dai posti- dei pantaloni di tutti. Al contrario, lo scenario del film è ambientato nel corso di una sera e una notte, Hannaford circondato da “discepoli” e coetanei che sono invitati a una festa per proiettare alcune delle riprese di quello che il regista spera sarà il suo più grande capolavoro, in quello che Welles sperava fosse suo. Il film all’interno del film è un riff sul film d’arte, con forse gli strizzatine d’occhio più forti a Michelangelo Antonioni e Zabriskie Point.

La vita imita l’arte: la casa di Hannaford è proprio dietro l’angolo della roccia da quella che Zabriskie ha fatto a pezzi. Giustamente, quella casa è l’ambientazione per la maggior parte del film su Hannaford, in teoria costruito da filmati trovati dai paparazzi cineasta. La densità è vertiginosa, l’intelletto feroce. In termini di filmografia di Welles, è come l’ultimo atto di Citizen Kane sentito da Touch of Evil, poi spogliato e sventrato dal meta-punk di F for Fake. Nessuna arte esiste nel vuoto, ma L’altra faccia del vento, più della maggior parte, sanguina il proprio contesto. Si tratta di Orson Welles, che si mostra. Uccidersi. —Ciad Betz


37. Una voce silenziosa

Anno: 2016 Regia: Naoko Yamada Protagonisti: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han Genere: Anime, Drammatico Rating: NR

In un mezzo che troppo spesso si sente a volte costretto dal primato della sensibilità estetica maschile e saturo di rappresentazioni ipersessualizzate di donne colloquialmente codificate come “servizio dei fan”, la presenza di Naoko Yamada è una gradita boccata d’aria fresca, per non parlare del qualità inimitabile dei suoi stessi film. Ispirato da artisti del calibro di Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola e Lucile Hadžihalilovic, Yamada è un regista per eccellenza, capace di catturare l’attenzione ed evocare una catarsi malinconica e agrodolce attraverso composizioni delicate di suono abile, montaggio rapido, colore effimero tavolozze e personaggi con ricche vite interiori piene di lotte intricate e riconoscibili.

A Silent Voice, adattato dall’omonimo manga di Yoshitoki Oima, è un ottimo esempio di tutte queste sensibilità in gioco. Quando Shoya Ishida incontra Shoko Nishimiya, una studentessa trasferita sorda, alle elementari, la prende in giro senza sosta per il divertimento dei suoi compagni di classe. Un giorno, quando Shoya si spinge troppo oltre, costringendo Shoko a trasferirsi di nuovo per paura della propria incolumità, viene bollato come un paria dai suoi coetanei e si ritira in uno stato di isolamento autoimposto e odio per se stessa. Anni dopo, Shoya incontra di nuovo Shoko, ora adolescente, e tenta di fare ammenda per il danno che le ha inflitto, il tutto mentre lotta per capire le proprie motivazioni per farlo. A Silent Voice è un film di straordinaria profondità emotiva, un ritratto toccante dell’abuso adolescenziale, della riconciliazione e del perdono per i danni perpetrati dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan la prende in giro senza sosta per il divertimento dei suoi compagni di classe. Un giorno, quando Shoya si spinge troppo oltre, costringendo Shoko a trasferirsi di nuovo per paura della propria incolumità, viene bollato come un paria dai suoi coetanei e si ritira in uno stato di isolamento autoimposto e di odio per se stessa. Anni dopo, Shoya incontra di nuovo Shoko, ora adolescente, e tenta di fare ammenda per il danno che le ha inflitto, il tutto mentre lotta per capire le proprie motivazioni per farlo. A Silent Voice è un film di straordinaria profondità emotiva, un ritratto toccante dell’abuso adolescenziale, della riconciliazione e del perdono per i danni perpetrati dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan la prende in giro senza sosta per il divertimento dei suoi compagni di classe. Un giorno, quando Shoya si spinge troppo oltre, costringendo Shoko a trasferirsi di nuovo per paura della propria incolumità, viene bollato come un paria dai suoi coetanei e si ritira in uno stato di isolamento autoimposto e di odio per se stessa. Anni dopo, Shoya incontra di nuovo Shoko, ora adolescente, e tenta di fare ammenda per il danno che le ha inflitto, il tutto mentre lotta per capire le proprie motivazioni per farlo.

A Silent Voice è un film di straordinaria profondità emotiva, un ritratto toccante dell’abuso adolescenziale, della riconciliazione e del perdono per i danni perpetrati dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan viene bollato come un paria dai suoi coetanei e si ritira in uno stato di isolamento autoimposto e odio per se stesso. Anni dopo, Shoya incontra di nuovo Shoko, ora adolescente, e tenta di fare ammenda per il danno che le ha inflitto, il tutto mentre lotta per capire le proprie motivazioni per farlo. A Silent Voice è un film di straordinaria profondità emotiva, un ritratto toccante dell’abuso adolescenziale, della riconciliazione e del perdono per i danni perpetrati dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan viene bollato come un paria dai suoi coetanei e si ritira in uno stato di isolamento autoimposto e odio per se stesso. Anni dopo, Shoya incontra di nuovo Shoko, ora adolescente, e tenta di fare ammenda per il danno che le ha inflitto, il tutto mentre lotta per capire le proprie motivazioni per farlo. A Silent Voice è un film di straordinaria profondità emotiva, un ritratto toccante dell’abuso adolescenziale, della riconciliazione e del perdono per i danni perpetrati dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan riconciliazione e perdono per il male commesso dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan riconciliazione e perdono per il male commesso dagli altri e da noi stessi. —Toussaint Egan


38. Caccia ai Wilderpeople

Anno: 2016 Regia: Taika Waititi Protagonisti: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby Genere: Commedia, Drammatico Rating: NR

Il primo incontro di Bella (Rima Te Wiata) con Ricky (Julian Dennison), il nuovo figlio adottivo che ha accettato di accogliere, non ispira fiducia, soprattutto con le sue battute goffe a scapito del suo peso. A sua volta, con la rappresentante dei servizi per l’infanzia Paula (Rachel House) che dipinge Ricky come un bambino selvaggio e indisciplinato, si teme la prospettiva di vedere il bambino camminare su questa madre forse sopraffatta. Ma Bella lo logora con gentilezza. E Ricky finisce per essere meno duro di quanto lui, con la sua passione per il gangsta rap e tutto ciò che implica, inizialmente ha cercato di proiettare. Un adattamento del romanzo di Barry Crump Wild Pork and Watercress, Hunt for the Wilderpeople di Taika Waititi vive di capovolgere nozioni preconcette. Il regista mostra simpatia per l’innocenza di Ricky, che si riflette nello stile da grande avventura del film. I panorami ampi e colorati del direttore della fotografia Lachlan Milne e una struttura narrativa basata su capitoli danno a Hunt for the Wilderpeople l’atmosfera di una favola da libro di fiabe, ma grazie alla calorosa dinamica tra Ricky e Hec (Sam Neill), anche i momenti più stravaganti del film portano un senso di vero dolore di fondo: entrambi questi personaggi sono estranei alla fine alla ricerca di una casa da chiamare propria. —Kenji Fujishima


39. Sto pensando di porre fine alle cose

Anno: 2020 Direttore: Charlie Kaufman Stelle: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis Rating: R

Molti spettatori penseranno alla fine di I’m Thinking of Ending Things non molto tempo dopo l’inizio. Una cascata di scatti grezzi a dissolvenza incrociata descrive in dettaglio l’interno di una fattoria o di un appartamento, o l’interno di un interno. Una donna che non abbiamo ancora visto è praticamente a metà della narrazione, dicendoci qualcosa per cui non abbiamo contesto. Sembra sbagliato, scoraggiante. Qualcosa non quadra. Non è così che dovrebbero funzionare i film. Infine vediamo la donna, interpretata brillantemente da Jessie Buckley. È in piedi sulla strada mentre i fiocchi di neve gonfi iniziano a cadere, come se fossimo all’interno di un globo di neve 3-D con lei. Alza lo sguardo verso una finestra un paio di piani più in alto. Vediamo un vecchio che guarda in basso da una finestra. Vediamo Jesse Plemons che guarda in basso da una finestra. Nella ripresa successiva vediamo Jesse Plemmons che prende Jessie Buckley nella sua macchina logora. La musica del film brilla e turbina.

Lucy o Lucia o Amy di Jessie Buckley stanno pensando di porre fine alle cose con il Jake di Jesse. Le cose non andranno da nessuna parte bene, sembra essere il ragionamento. Jake guida la macchina e qualche volta parla; i suoi comportamenti sembrano abbastanza coerenti finché non lo sono, fino a quando qualche gesto non ribolle come un oggetto estraneo da un altro sé. Louisa o Lucy sta arrivando, una fonte di personalità, conoscenza e interessi. Ma a volte rallenta fino al punto, o è silenziosa, e all’improvviso è qualcun altro che è la stessa persona ma forse con ricordi diversi, interessi diversi. A volte è una pittrice, a volte una fisica, a volte nessuno dei due. Jessie e Jesse sono fantastiche. Le loro performance e i loro personaggi sono difficili da descrivere. Il miglior film del 2020 è terribile per essere un “film.

Non aderisce a schemi, ritmi o tropi comuni. Non cerca nemmeno di essere un grande film, in realtà, cerca semplicemente di sezionare la vita della mente dell’altro e di farlo con ogni mezzo cinematografico possibile. L’autocoscienza del film avrebbe potuto essere insopportabile, tranne per il fatto che la consapevolezza (e la nostra esperienza frammentaria di esso) è così interamente il punto di tutto ciò che il film è avvolto e in esso è avvolto. Dire che il film accetta sia la bellezza che la bruttezza della vita sarebbe un luogo comune che il film stesso rifiuta. Dire che “l’amore vince tutto”, ancor di più. Ma queste false verità svolazzano dentro e intorno alla visione periferica del film: illusioni o fantasmi, ma benvenuti. —Ciad Betz e di farlo con ogni mezzo cinematografico possibile. L’autocoscienza del film avrebbe potuto essere insopportabile, tranne per il fatto che la consapevolezza (e la nostra esperienza frammentaria di esso) è così interamente il punto di tutto ciò che il film è avvolto e in esso è avvolto. Dire che il film accetta sia la bellezza che la bruttezza della vita sarebbe un luogo comune che il film stesso rifiuta. Dire che “l’amore vince tutto”, ancor di più. Ma queste false verità svolazzano dentro e intorno alla visione periferica del film: illusioni o fantasmi, ma benvenuti. —Ciad Betz e di farlo con ogni mezzo cinematografico possibile. L’autocoscienza del film avrebbe potuto essere insopportabile, tranne per il fatto che la consapevolezza (e la nostra esperienza frammentaria di esso) è così interamente il punto di tutto ciò che il film è avvolto e in esso è avvolto.

Dire che il film accetta sia la bellezza che la bruttezza della vita sarebbe un luogo comune che il film stesso rifiuta. Dire che “l’amore vince tutto”, ancor di più. Ma queste false verità svolazzano dentro e intorno alla visione periferica del film: illusioni o fantasmi, ma benvenuti. —Ciad Betz Dire che il film accetta sia la bellezza che la bruttezza della vita sarebbe un luogo comune che il film stesso rifiuta. Dire che “l’amore vince tutto”, ancor di più. Ma queste false verità svolazzano dentro e intorno alla visione periferica del film: illusioni o fantasmi, ma benvenuti. —Ciad Betz Dire che il film accetta sia la bellezza che la bruttezza della vita sarebbe un luogo comune che il film stesso rifiuta. Dire che “l’amore vince tutto”, ancor di più. Ma queste false verità svolazzano dentro e intorno alla visione periferica del film: illusioni o fantasmi, ma benvenuti. —Ciad Betz


40. Filo fantasma

Anno: 2017 Direttore: Paul Thomas Anderson Stelle: Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps Rating: R

Phantom Thread è un film così meravigliosamente realizzato, così meticoloso nella sua costruzione, così profondamente sentito nell’esecuzione, che puoi quasi trascurare quanto sia pungente e scabroso. Questo deve essere il film più appetitoso di sempre, che parla in gran parte di quanto possa essere egocentrico e inflessibile il mondo delle relazioni, di come possiamo rinunciare a così tanto di noi stessi e dipende dal nostro partner per capire come affrontarlo, se vogliono. Questo è un film intransigente su due persone intransigenti che cercano di convivere senza perdere una parte troppo grande di se stesse, e le lunghezze a volte estreme che faranno per ottenere ciò che vogliono. Daniel Day-Lewis interpreta Reynolds Woodcock, un sarto di fama mondiale che veste celebrità, reali e, a volte con suo dispiacere, ricchi volgari déclassé. Quasi tutto ciò che non soddisfa i suoi rigorosi standard è volgare, finché un giorno, mentre è nella campagna inglese, Reynolds si imbatte in una cameriera di nome Alma (Vicky Krieps) che soddisfa entrambe le esigenze fisiche di Reynolds (in particolare così può fare i vestiti per lei) e ha un certo coraggio che trova subito affascinante. Entrambi i protagonisti di Phantom Thread sono assurdi e pazzi a modo loro, e uno dei tanti brividi del film è vederli rimbalzare l’uno sull’altro e poi scontrarsi di nuovo. È la piccola storia d’amore più strana, così strana che non sono nemmeno sicuro che riguardi l’amore. Il mio collega Tim Grierson l’ha detto per primo, ma è un’osservazione troppo buona per essere ignorata: questo film parla in gran parte dell’assoluta inconoscibilità delle relazioni delle altre persone. Da fuori, non ha senso che Reynolds e Alma abbiano questo tipo di connessione tra loro; è difficile dire cosa ne traggano entrambe le persone. Ma ciò che è insondabile è anche ciò che lo rende così potente. — Will Leitch


41. Rom

Anno: 2014 Regia: Alfonso Cuarón Protagonisti: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta b>Genere: Drammatico Rating: R

Il film più intimo di Alfonso Cuarón è anche il più distante. La telecamera è seduta, in bianco e nero, non sui bambini borghesi che rappresentano il direttore della fotografia, sceneggiatore e regista e i suoi fratelli cresciuti a Città del Messico diversi decenni fa, ma soprattutto sulla donna indigena (Yalitza Aparicio) che si prende cura di loro e la famiglia. Nemmeno del tutto concentrata su di lei, forse più concentrata sulle sue composizioni classicheggianti di un luogo che non esiste più nel modo in cui Cuarón lo ricorda. La telecamera osserva e si muove in sequenza trans-planare, fornendo elementi in primo piano, a metà campo e sullo sfondo con una nitidezza digitale assoluta. Il mix sonoro è Dolby Atmos e avvolgente. Ma l’estetica e la narrativa di base sono Fellini, o il neorealismo messicano perduto da tempo, o Playtime di Tati, ma con gag visive sostituite da preoccupazioni sociali e fantasticherie personali. Riservato e coinvolgente, introspettivo e introspettivo, vecchio e nuovo: alcuni hanno accusato la Roma di essere troppo calcolata in quello che cerca di fare, l’equilibrio che cerca di portare a termine. Forse non hanno torto, ma è merito immenso di Cuarón come tecnico premuroso e narratore che, in effetti, ce la fa. Il risultato è un’esperienza cinematografica singolare, che ricrea qualcosa che era perduto e poi lo naviga in modo tale da trovare la storia emergente, quindi da quella per trovare l’impatto emotivo. In modo che quando arriviamo a quel punto in ritardo a Roma, non ci rendiamo nemmeno conto del processo lento e organico con cui siamo stati completamente coinvolti nel film; non siamo pronti per essere colpiti duramente come lo siamo quando arrivano i colpi e le onde si infrangono. È quasi insopportabile, ma lo sopportiamo perché ci prendiamo cura di queste persone con cui siamo stati coinvolti. E così è la vita. —Ciad Betz


42. Il potere del cane

Anno: 2021 Direttore: Jane Campion Stelle: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy Rating: R

Basato sull’omonimo romanzo del 1967 di Thomas Savage, il tanto atteso ritorno di Jane Campion al mondo del cinema, dopo Bright Star del 2009 e i suoi successivi anni trascorsi a lavorare in televisione, sembra adatto a un regista che ha dimostrato abilità nel creare un atmosfera di acuta inquietudine. E così vale per The Power of the Dog, un film con una vena di contrazione perenne, portato dall’onnipresente sensazione che qualcuno possa scattare in qualsiasi momento, finché non lo fa. Nel 1925 nel Montana, i fratelli Phil (Benedict Cumberbatch) e George Burbank (Jesse Plemons) sono ricchi allevatori di bestiame ma fratelli incompatibili. Phil è l’immagine definitiva del machismo, che rimugina per il ranch mai adornato con il suo vestito da cowboy e uno spesso strato di sudiciume sul viso, una sigaretta arrotolata appesa al labbro inferiore; un personaggio che agisce a dispetto del lavoro passato di Cumberbatch.

Phil è così contrario a qualsiasi cosa anche adiacente a ciò che potrebbe essere considerato “femminile” che cose come fare il bagno, suonare uno strumento che non è un banjo ed essere semplicemente gentile con le donne sono il tipo di attività che potrebbe portare Phil a chiedere “Ragazzi, è gay se…?” su Twitter. Dalla castrazione dei tori nel ranch di Burbank, allo status di Phil come pecora nera della sua rispettabile famiglia, alla natura del paesaggio occidentale legato all’esibizione della mascolinità di Phil, il sottotesto è così visivamente maltrattato che rimane sottotestuale solo in virtù di non essere parlato direttamente ad alta voce. Ma la goffaggine nell’approccio del film all’argomento è sostenuta dalle interpretazioni avvincenti su tutta la linea, in particolare da Cumberbatch, la cui incarnazione di un allevatore burbero e sudicio è a prima vista ridicolmente incredibile in relazione alle prestazioni che hanno definito la carriera dell’inglese. Ma è, forse, proprio per questo contrasto con i suoi ruoli passati che Cumberbatch riesce a inserirsi nel personaggio di Phil in modo così acuto, portando con sé un imbarazzo e un’inquietudine intrinseci nella sua stessa pelle nonostante il terrore che colpisce nel cuore di qualcuno come Rose.

A lui si abbinano la colonna sonora agghiacciante, composta dall’inimitabile Johnny Greenwood (The Master, Phantom Thread), e l’impeccabile fotografia di Ari Wegner (Zola, The True History of the Kelly Gang), che formano un connubio perfetto di tensione, intimità e isolamento. in un film in cui il suono di ogni fetta, snip e click evoca la stessa sensazione angosciante indipendentemente dalla fonte. Cosa significa essere un uomo? The Power of the Dog considera la domanda ma non risponde mai. Invece, è preoccupato per un fenomeno senza tempo: la sofferenza è stata sopportata proprio per amore della virilità stessa. —Brianna Zigler


43. Paranormanno

Anno: 2012 Regia: Chris Butler, Sam Fell Protagonisti: Kodi Smt-McPhee, Tucker Albrizzi, Anna Kendrick, Casey Affleck, Leslie Mann, Jeff Garlin Genere: Animazione, Fantasy Classificazione: PG

Il bellissimo film in stop-motion ParaNorman si apre con due importanti informazioni. Per prima cosa, osserviamo il nostro giovane eroe mentre guarda un film di B-zombie, completo di modifiche mosse e un microfono a boom che si insinua nell’inquadratura. Questo ci fa sapere che i realizzatori si avvicinano alla storia in arrivo con le lingue ben piantate nelle guance. In secondo luogo, Norman continua una conversazione con sua nonna. Questa parte della scena è significativa solo quando apprendiamo che la nonna è morta. La storia che segue è in parte Something Wicked This Way Comes, in parte The Goonies. La città di Blithe Hollow, un tempo villaggio coloniale, ora una trappola per turisti in difficoltà, ha vissuto sotto la minaccia della maledizione di una strega per 300 anni, abbastanza a lungo da permettere alla paura di trasformarsi in campo. Norman può vedere e parlare con i fantasmi, un’abilità che potrebbe renderlo piuttosto popolare tra i morti, ma che fa ben poco per migliorare la sua posizione sociale con i suoi compagni di scuola viventi… o la sua famiglia. A scuola, Norman è soggetto a bullismo da parte di studenti e insegnanti allo stesso modo, e arriviamo rapidamente a prenderci cura di questo bambino piccolo, duro e dolce mentre pulisce pazientemente la parola “mostro” dal suo armadietto. Un altro emarginato sociale, il tondo Neil si attacca a Norman, diventando il suo nuovo migliore amico (che Norman lo voglia o meno).

L’arrivo di Neil indica anche l’arrivo del vero cuore di questo film accattivante, che è il suo umorismo. Ci sono voluti due anni per animare ParaNorman e mostra la squisita maestria del suo design e della sua esecuzione. La direzione artistica illustra un tale amore per i dettagli e le texture che ogni pezzetto di scenografia, dal municipio a un sacchetto di plastica impigliato in una recinzione, crea un mondo perfetto per questa storia. L’animatore principale Travis Knight e il suo vasto team di animatori, designer e fabbricanti realizzano la visione con grande estro. Il risultato è un film chiaro e toccante sul trovare il proprio scopo, accettare gli altri come sono e, soprattutto, il perdono. —Argilla Steakley


44. I Mitchell contro le macchine

Anno: 2021 Regia: Mike Rianda, Jeff Rowe (co-regista) Protagonisti: Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman Genere: Animazione, Commedia, Fantascienza Classificazione: PG

Le divisioni generazionali animate non sono mai state così simili a un carnevale di fantascienza come in The Mitchells vs. the Machines. Il debutto nel lungometraggio dello sceneggiatore/regista Mike Rianda (lui e il co-sceneggiatore/regista Jeff Rowe hanno fatto le ossa nello spettacolo sciocco e inquietante Gravity Falls) è in parti eguali assurdo, accattivante e terrificante. È facile sentirsi persi o sopraffatti dalle luci lampeggianti e dalle viste esilaranti mentre la famiglia centrale combatte da un lato della partita di rancore del titolo, ma è altrettanto facile venire via con la gioia esausta delle conseguenze di una lunga e stancante gita al parco a tema. La sua famiglia radicata nel genere irrompe attraverso ogni fotogramma disordinato e pieno di marmellata come se stessero cercando di scappare (spesso lo sono) e nel processo crea la commedia animata più energica e accattivante finora quest’anno.

E la sua premessa inizia così umilmente. La regista e animatrice Katie (Abbi Jacobson) sta lasciando casa per il college e, per arrivarci, deve fare un viaggio on the road con la sua famiglia: Rick (Danny McBride), il suo papà luddista all’aria aperta; Linda (Maya Rudolph), la sua mamma pacificatrice; e Aaron (Rianda), il suo fratellino maniaco dei dinosauri. Potresti essere in grado di indovinare che Katie e suo padre non vedono sempre negli occhi, anche quando gli occhi di Katie non sono incollati al suo telefono o laptop. Quella tecnocritica, in cui “tempo sullo schermo” è una frase sporca e la figura paterna che cambia il bastone e che costruisce cabine vuole che la sua famiglia viva il mondo reale, potrebbe essere hacky come la dodicesima stagione di una sitcom di Tim Allen.

The Mitchells vs. the Machines sfugge a quel pericolo non solo attraverso qualche sfumatura intenzionale nella sua scrittura, ma anche qualche grande anti-sfumatura: a metà del viaggio, le malvagie compagnie tecnologiche fanno un casino e i robot cresciuti con i telefoni decidono di sparare a tutti gli umani nello spazio. Questo film aveva bisogno di qualcosa di così narrativamente ampio per supportare le sue gloriose immagini del lavello della cucina. Il film Sony utilizza parte della stessa tecnologia che ha reso Spider-Man: Into the Spiderverse così nitido e unico, aggiungendo sfumature comiche al suo espressivo CG. In effetti, una volta che alcune delle scene più bizzarre decollano, non saresti sorpreso di vedere Miles Morales intervenire per salvare la situazione. L’interpretazione di Mitchells vs. the Machines sull’estetica di Spidey deriva da Katie, ossessionata dai meme e dal cinema, la cui immaginazione spesso irrompe nel mondo reale e i cui bizzarri scarabocchi da taccuino, al neon e pieni di filtri, adornano la già eccitante tavolozza del film con una stranezza esplosiva . Questo stile unico ed esperto si sposa bene con The Mitchells vs.


45. Zoolander

Anno: 2001 Regia: Ben Stiller Protagonisti: Ben Stiller, Owen Wilson, Will Farrell, Christine Taylor Valutazione: PG-13 Durata: 89 minuti

Zoolander è stata una commedia storica nel 2001, grazie alla meravigliosa chimica tra Ben Stiller e Owen Wilson come coppia di modelli maschili. L’Hansel di Wilson si preoccupa più di ciò di cui è fatta la corteccia e idolatra Sting (non per la sua musica, ma per il fatto che è là fuori a farlo) che per la sua rivalità con Zoolander di Ben Stiller. Alla fine, le due top model devono collaborare per cercare di abbattere Mugatu (Will Ferrell), dopo che ha fatto il lavaggio del cervello a Zoolander con la canzone dei Frankie Goes to Hollywood “Relax”. —Ryan Bort


46. ​​Il fondo nero di Ma Rainey

Anno: 2020 Regia: George C. Wolfe Stelle: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts Genere: Drama Rating: R

Opportunamente, il ruolo finale di Chadwick Boseman è tutto incentrato sul blues. L’apparizione del compianto attore in Black Bottom di Netflix, Ma Rainey, l’adattamento di August Wilson del regista George C. Wolfe e dello scrittore Ruben Santiago-Hudson, è in parti eguali una vetrina attoriale, un elogio rabbioso e un lamento completo, bolliti insieme nella cucina sudata di un ’20 Sessione di registrazione di Chicago. Una storia delle molteplici sfaccettature dell’ambizione e degli eventuali punti finali, Ma Rainey ruota attorno a coloro che orbitano attorno al personaggio del titolo (Viola Davis).

È una leggenda del blues al top del suo gioco, finalmente apprezzata (almeno in alcune parti del paese) e matura per essere sfruttata dai bianchi in giacca e cravatta. Come se li avesse lasciati. È comodamente in ritardo per registrare un album, lasciando che tutti gli altri si alzino i tacchi e sparino nel vero stile Wilson, con Santiago-Hudson che trova l’essenza del lavoro di Wilson. La brutale performance di Davis, resa ancora più potente dalla sua valanga di trucco e sudore scintillante, imposta perfettamente la scena. Lei, insieme a cravatte allentate e ventilatori ronzanti, dà al film la temperatura e la gravità previste in modo che Boseman e il resto dei membri della sua band possano sfrecciare come lucciole che vagano nella calura estiva. Con tragica fortuna, Boseman ci lascia un dono: è in fiamme. Lean, con le posizioni della telecamera e gli oggetti di scena che enfatizzano i suoi arti allampanati (c’è un motivo per cui brandisce un flicorno schiacciato e tozzo, un fiocco jazz che sembra funzionare meglio visivamente), Levee è un ruolo altamente fisico nonostante il materiale loquace della fonte: si tratta di catturare l’attenzione, a volte ballando letteralmente tip tap, con ogni briciolo di vergogna invaso da un’energia ansiosa. Irritato, nervoso e teso durante un monologo di quasi cinque minuti, Levee sembra percepire che la finestra sul suo sogno si sta chiudendo: il tempo sta finendo.

Black Bottom di Ma Rainey è più che la performance di Boseman, certo, con Davis e Colman Domingo che si sono fatti delle deliziose lacrime e le parole di Wilson che continuano a bruciare e librarsi in egual misura. Ma la proprietà di Boseman del film, un’istantanea degna di un Oscar di potenziale e desiderio, conferisce a una tragedia altrimenti bella e ampia qualcosa di specifico su cui cantare. —Jacob Oller Black Bottom di Ma Rainey è più che la performance di Boseman, certo, con Davis e Colman Domingo che si sono fatti delle deliziose lacrime e le parole di Wilson che continuano a bruciare e librarsi in egual misura. Ma la proprietà di Boseman del film, un’istantanea degna di un Oscar di potenziale e desiderio, conferisce a una tragedia altrimenti bella e ampia qualcosa di specifico su cui cantare. —Jacob Oller Black Bottom di Ma Rainey è più che la performance di Boseman, certo, con Davis e Colman Domingo che si sono fatti delle deliziose lacrime e le parole di Wilson che continuano a bruciare e librarsi in egual misura. Ma la proprietà di Boseman del film, un’istantanea degna di un Oscar di potenziale e desiderio, conferisce a una tragedia altrimenti bella e ampia qualcosa di specifico su cui cantare. —Jacob Oller


47. La mano di Dio

Anno: 2021 Regia: Paolo Sorrentino Protagonisti: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano Voto: R Durata: 130 minuti

Paolo Sorrentino chiude la sua nuova opera di formazione, La mano di Dio, con una rappresentazione divina, e trascorre ogni momento in mezzo a brontolare per l’infinita sfilata di delusioni della vita. L’umanità è terribile. Tutto è un fallimento. La realtà è pessima. “Che mondo di merda è questo”, afferma una donna a circa 45 minuti dall’inizio del film. “Vai a comprare il dolce e quando torni, tuo marito è in prigione.” I dettagli sono irrilevanti. È il sentimento che atterra. Il dialogo recita come un soliloquio di Sorrentino attraverso i suoi personaggi, trasmettendo un risentimento dopo l’altro per l’effetto radicante della storia de La Mano di Dio sulla sua trama: ambientato nella Napoli degli anni ’80, che si occupa della routine ricca e noiosa che comprende l’andirivieni dei affiatati famiglia Schisa, padre Saverio (Toni Servillo) e madre Maria (Teresa Saponangelo), e i loro figli, il primogenito Marchino (Marlon Joubert) e il più giovane Fabietto (Filippo Scotti) — Sorrentino costruisce il film con meno svolazzi surrealisti rispetto ai suoi lavori degli ultimi giorni, come Loro del 2018, Giovinezza del 2015 e La grande bellezza del 2013, dove un uomo fa sparire una giraffa nel nulla in mezzo a un colosseo romano.

Posizionato accanto a queste immagini, La mano di Dio è assolutamente normale. La normalità può non soddisfare i personaggi di Sorrentino, siano essi di principio o di supporto, ma La Mano di Dio trova abbondanza nelle convenzioni italiane quotidiane: Abbondanza di significato, abbondanza di bellezza, abbondanza di commedia, e per evitare di seppellire le lede, La Mano di Dio è costantemente esilarante per la prima ora circa (nonostante una scena iniziale di violenza domestica).

La Mano di Dio non è evasione, contraddicendo gli obiettivi di carriera di Fabietto nella fase finale. È uno spasso divertente e un dramma commovente che si addolcisce in un esercizio di lutto nella sua seconda metà, in cui Fabietto distoglie la mente da una tragedia sconvolgente facendo il fanboy su Capuano e mettendosi nei guai con Armando (Biagio Manna), il film di Sorrentino arma segreta: un gregario contrabbandiere di sigarette la cui vena selvaggia smentisce la costante lealtà verso chi chiama “amico”. È impossibile tenere il passo. La Mano di Dio non ci prova. Invece, guidato da Fabietto, il film si prende il suo tempo. Guarda. Si respira. Cattura la vita con una chiarezza che anche i migliori sforzi di Sorrentino non hanno ancora, il che lo rende il suo miglior sforzo fino ad oggi.—Andy Crump dove Fabietto distoglie la mente da una tragedia sconvolgente facendo il fanboy su Capuano e mettendosi nei guai con Armando (Biagio Manna), l’arma segreta di Sorrentino: un gregario contrabbandiere di sigarette la cui vena selvaggia smentisce la lealtà costante verso chi chiama “amico”. È impossibile tenere il passo. La Mano di Dio non ci prova. Invece, guidato da Fabietto, il film si prende il suo tempo. Guarda. Si respira. Cattura la vita con una chiarezza che anche i migliori sforzi di Sorrentino non hanno ancora, il che lo rende il suo miglior sforzo fino ad oggi.—Andy Crump dove Fabietto distoglie la mente da una tragedia sconvolgente facendo il fanboy su Capuano e mettendosi nei guai con Armando (Biagio Manna), l’arma segreta di Sorrentino: un gregario contrabbandiere di sigarette la cui vena selvaggia smentisce la lealtà costante verso chi chiama “amico”.

È impossibile tenere il passo. La Mano di Dio non ci prova. Invece, guidato da Fabietto, il film si prende il suo tempo. Guarda. Si respira. Cattura la vita con una chiarezza che anche i migliori sforzi di Sorrentino non hanno ancora, il che lo rende il suo miglior sforzo fino ad oggi.—Andy Crump Si respira. Cattura la vita con una chiarezza che anche i migliori sforzi di Sorrentino non hanno ancora, il che lo rende il suo miglior sforzo fino ad oggi.—Andy Crump Si respira. Cattura la vita con una chiarezza che anche i migliori sforzi di Sorrentino non hanno ancora, il che lo rende il suo miglior sforzo fino ad oggi.—Andy Crump


48. Il corpo ricorda quando il mondo si è aperto

Anno: 2019 Regia: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Protagonisti: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris Genere: Drammatico Valutazione: NR

Niente paga in The Body Remembers When the World Broke Open. Ogni dettaglio narrativo, che richiede una risoluzione, passa per lo più inosservato: quando Rosie (Violet Nelson) prende soldi dalla borsa di Áila (co-direttore Elle-Máijá Tailfeathers), ad esempio, ci aspettiamo che il tempo che ne consegue trascorrono insieme, i 90 minuti o giù di lì , insegnerà una lezione a Rosie, la incoraggerà a restituire i conti. Ciò non accade. Invece, The Body Remembers When the World Broke Open racconta di un incontro casuale tra due donne delle Prime Nazioni, divise dalla stabilità socioeconomica ma unite nell’aver subito entrambe violazioni: quello di Rosie è l’ultimo di una serie di abusi domestici, mentre quello di Áila ha avuto un IUD inserito nel mezzo di una procedura fredda e impersonale, girato dal direttore della fotografia Norm Li in 16 mm con l’impegno di catturare ogni smorfia e sussulto quasi traumatizzato di Áila.

Li segue Áila dall’ufficio, in strada, dove vede Rosie a piedi nudi sotto la pioggia, forse sotto shock, e da lì i due scappano dal fidanzato infuriato di Rosie nell’asciutto e arioso appartamento loft di Áila. Li è sempre appena dietro, il resto del film montato insieme in una ripresa continua mentre Áila cerca di capire cosa fare per aiutare Rosie, e Rosie cerca di capire come evitare di essere vittimizzata dalla virtù che segnala gli estranei. Che Áila sia anche una donna delle Prime Nazioni poco importa a Rosie; lei sembra a malapena la parte. Naturalmente, quando si separano, Rosie ingoia il senso di colpa che potrebbe aver sviluppato per aver rubato ad Áila, e i custodi della casa sicura ricordano ad Áila quando Rosie non vuole restare che a volte le persone impiegano sette o otto volte per cedere e lasciare la loro situazione di abuso. Attendiamo la risoluzione, un segno che le cose andranno meglio. Quando non lo fanno, cerchiamo altri segni e aspettiamo, rimasti solo con la pazienza, per guardare, e per non smettere mai di guardare, e sederci con il peso di questo, per permetterci il costo dell’empatia. —Dom Sinacola


49. Storia di matrimonio

Anno: 2019 Regia: Noah Baumbach Stelle: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever Genere: Drama Rating: R

Il modo in cui Adam Driver conclude “Being Alive”, che il suo personaggio in Marriage Story ha appena cantato per intero (inclusi i dialoghi a parte gli amici del protagonista della Compagnia), è come vederlo drenare ciò che è rimasto del suo spirito sul pavimento, davanti a il suo piccolo pubblico (che include noi). Lo spettacolo inizia in modo un po’ sciocco, il ragazzo di teatro non invitato prende le redini per cantare uno dei più grandi spettacoli di Broadway, ma poi, in un altro a parte, dice: “Vuoi qualcosa… vuoi qualcosa…” Comincia a capirlo. Comincia a capire il peso della vita, l’insoddisfazione dell’intimità sprecata e cosa potrebbe significare diventare finalmente un adulto: abbracciare tutte quelle contraddizioni, tutta quell’alienazione e solitudine. Prende una profonda espirazione dopo le note finali, dopo la cintura finale; finalmente si rende conto che deve crescere, butta giù la sua vecchia vita, crea qualcosa di nuovo.

È molto simile a vivere su Internet in questi giorni; l’impossibilità di creare un “sé autentico”, trascurabile il termine può essere, è aggravata da un panorama culturale che rifiuta di ammettere che “l’autenticità” è una performance non autentica come qualsiasi altra cosa. Lavorare attraverso le identità è doloroso e brutto. Probabilmente, stiamo tutti lavorando su come essere noi stessi in relazione a coloro che ci circondano. Ed è quello che sta facendo Bobby, il 35enne al centro della compagnia musicale di Stephen Sondheim del 1970. La scena costringe lo spettatore a stabilire connessioni sulla propria umanità, sull’arte che stanno vivendo e sul mondo sempre insensibile in cui tutto esiste. Charlie afferra il microfono, esausto, rendendosi conto che deve capire cosa deve fare dopo, per rimettere insieme la sua vita. Tutti noi, lo stiamo mettendo insieme anche noi. O almeno provarci. Questo conta qualcosa. — Kyle Turner


50. Okja

Anno: 2017 Regia: Bong Joon-ho Protagonisti: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi Genere: Fantascienza, Azione Classificazione: NR

Okja si assume più rischi creativi nei suoi primi cinque minuti di quanto la maggior parte dei film si imponga nell’intero arco di tempo, e da lì non si ferma. Quello che sembra essere un punto critico per alcuni critici e pubblico, in particolare quelli occidentali, è il tono apparentemente irregolare, dal sentimento alla suspense all’azione vertiginosa, dalla fantasia all’orrore, a qualunque cosa stia facendo Jake Gyllenhaal. Ma questo è parte integrante di ciò che rende i film di Bong Joon-ho, beh, i film di Bong Joon-ho: sono sfumati e complessi, ma non sono esattamente sottili o sobri.

Hanno attenzione ai dettagli, ma non sono delicati nella loro gestione. Hanno più intenzioni e riuniscono quelle intenzioni per incepparsi. Sono opere fantasiose che creano slancio attraverso alternanze parte-controparte, e Okja è forse il miglior esempio mai visto dell’oscillazione selvaggia del pendolo della tonalità ritmica di un film di Bong. Okja inoltre non è un film sul veganismo, ma è un film che si chiede come possiamo trovare integrità e, soprattutto, come possiamo agire umanamente nei confronti delle altre creature, umani compresi.

Le risposte che Okja raggiunge sono semplici e vitali, e senza parlarle ti aiuta a sentire quelle risposte per te stesso perché ha posto tutte le domande giuste e le ha poste in un modo intensamente coinvolgente. —Ciad Betz e senza parlarle davvero ti aiuta a sentire quelle risposte per te stesso perché ha posto tutte le domande giuste e le ha poste in un modo intensamente coinvolgente. —Ciad Betz e senza parlarle davvero ti aiuta a sentire quelle risposte per te stesso perché ha posto tutte le domande giuste e le ha poste in un modo intensamente coinvolgente. —Ciad Betz