Le 40 migliori opere teatrali da leggere prima di morire

Il teatro è la quintessenza dell’arte della reinterpretazione. Ogni volta che un’opera teatrale viene rianimata, viene “rifatta”. Con qualcosa di così gioiosamente provvisorio, perché vorresti essere definitivo? E quindi, con questo in mente, sia chiaro che quello che segue non è uno sforzo olimpico per decretare “le migliori opere teatrali di tutti i tempi”. Invece, è una selezione di pezzi che troviamo continuamente gratificante.

Inevitabilmente, un tale elenco riflette il lavoro che viene messo in scena, celebrato e studiato; Ci sono più uomini che donne, più scrittori bianchi che persone di colore, anche se limitarsi a una sola opera di qualsiasi autore – bianco morto o meno – dovrebbe aiutare ad allargare un po’ il campo di applicazione; sì, questo significa solo una commedia di Shakespeare. Ci auguriamo che dai un’occhiata a queste opere teatrali, idealmente durante l’esecuzione ma, se non riesci a trovarne una, leggendo il testo.

Lontano (2000), Caryl Churchill

Caryl Churchill è stato definito il Picasso dei drammaturghi moderni. Oggi, all’età di 80 anni, la drammaturga britannica continua sorprendentemente a reinventarsi. Lontanoè una fiaba contorta che dimostra il suo dono ineguagliabile nel fondere l’apocalittico e il fantastico. Si svolge in tre episodi che si snodano rapidamente. Nella prima, Joan, una giovane ragazza che non riesce ad addormentarsi, interroga sua zia su ciò a cui ha appena assistito per caso. Sembra che abbia visto un sanguinoso atto di pulizia etnica; la donna più anziana mura di pietra in modo untuoso. Poi, con una serie di salti surreali, lo spettacolo si trasforma in una visione nera e esilarante della guerra cosmica. La brutalità partigiana si è ora diffusa dagli umani al mondo animale e minerale. “I gatti sono entrati dalla parte dei francesi”, dice qualcuno seriamente. La “bontà naturale del cervo è emersa” dice qualcun altro, “la puoi vedere nei loro morbidi occhi marroni”. Questa sequenza estesa è caratteristica di Churchill, trovando un modo brillantemente assurdo di attaccare il mito pernicioso, caro ai politici, che esiste una semplice divisione tra virtù e male, “loro” e “noi”. scheggia di genio. 

Blasted (1995), Sarah Kane

Questa commedia è stata un’esplosione teatrale. Il debutto di Sarah Kane, scritto quando era una studentessa, presenta un brutto giornalista di tabloid rintanato in un hotel di Leeds con una donna molto più giovane, di cui abusa sessualmente. Il mondo dello spettacolo – e la sua forma teatrale convenzionale – viene poi fatto a pezzi, diventando una zona di guerra: un soldato irrompe, scoppiano esplosioni e si svolgono brevi scene di cupo orrore (le indicazioni sul palco includono “mangia il bambino”). Notoriamente descritto come una “disgustosa festa della sporcizia”, ​​Blastedè stato visto dalla critica come un puerile tentativo di scioccare e unto come il classico esempio di teatro in faccia provocatorio degli anni Novanta. Ma da allora è diventato canonico. Non sembra invecchiare: la scrittura di Kane ha un’energia orribilmente vivida e le atrocità che descrive, in modo deprimente, assumono una nuova risonanza per ogni generazione che la scopre.

Antigone (441 aC), Sofocle

L’opera di Sofocle è ancora la più potente mai scritta sul conflitto tra i nostri obblighi verso lo stato e il nostro dovere nei confronti dei legami di parentela. Antigone sfida suo zio Creone, il nuovo sovrano di Tebe, seppellendo suo fratello Polinice. Aveva portato un esercito contro la sua città natale e Kreon, in questi tempi politicamente instabili, vuole che il suo cadavere venga lasciato ai cani come una dissacrazione esemplare. Il filosofo Hegel vedeva in questo la quintessenza della vera tragedia: non un conflitto tra il bene e il male, ma tra il diritto e il diritto. In effetti, le produzioni oggigiorno tendono a cadere a favore di Antigone e della sua intransigenza sacrificale. Lo spettacolo è stato adattato per molti contesti moderni, tra cui l’Irlanda del Nord e il Sud Africa. 

Il fondo nero di Ma Rainey (1982), August Wilson

Parte del ciclo del drammaturgo che esplora l’esperienza afroamericana nell’America del 20° secolo – un’opera teatrale per ogni decennio – questo capitolo è ambientato in uno studio di registrazione di Chicago nel 1927. Ma Rainey, la “madre del blues”, è lenta ad apparire per registrare alcuni brani. Invece, guardiamo la sua band ammazzare il tempo e combattere l’uno con l’altro. Sebbene sia tutto leggero come una farfalla, la sceneggiatura è pungente su argomenti come l’ambizione e le relazioni razziali. Ma Rainey, quando arriva, vale la pena aspettare: una presenza immensa e altezzosa. C’è una svolta verso la fine, che dà forza al gioco, inoltre i brani sono fantastici, ovviamente. 

Bent (1979), Martin Sherman

Il gioco straziante di Sherman ti toglie il tappeto da sotto i piedi. Investi nella relazione tra Max e Rudy, una coppia gay decadente a Berlino nel 1934, ma dopo la Notte dei lunghi coltelli fuggono, prima di essere catturati e mandati a Dachau. Lungo la strada, il desiderio di Max di sopravvivere si traduce in un disgustoso tradimento. Finge di essere ebreo piuttosto che gay, ma nel campo incontra Horst, un uomo che rivela l’onore di essere fedele a se stesso. C’è una scena stupefacente in cui – proibito toccarsi – fanno sesso solo attraverso le parole. Ian McKellen originariamente interpretava Max, ma anche Richard Gere e Alan Cummings hanno assunto il ruolo in quello che ora è visto come un testo gay seminale, uno che dimostra che la verità e l’amore possono fiorire nelle circostanze più orribili e disperate. 

L’ispettore del governo (1836), Nikolai Gogol

Nella grande farsa fantasmagorica di Gogol, dal sindaco corrotto e dai funzionari di questa città di provincia si presume erroneamente che un impietoso impiegato appena arrivato da San Pietroburgo sia l’omonimo ispettore, operante sotto copertura, dal sindaco corrotto e dai funzionari di questa città di provincia. Il panico per la possibilità di esposizione spinge questi paranoici locali a proiettare una falsa identità su questo sconosciuto. Sarebbe stato uno scherzo abbastanza buono. Gogol, però, gli dà una svolta ispirata. La sua nullità senza un soldo risulta essere guidata da un equivalente terrore di essere riconosciuto come uno dei perdenti della vita. Quindi, quando si aggrappa al loro errore sfruttabile, tratta il loro assurdo rispetto (per non parlare delle loro tangenti) come riconoscimento atteso da tempo del suo vero valore e vola con grandiosità. Sono le follie intrecciate che generano il delirio comico in questo capolavoro russo . 

I vecchi tempi (1971), Harold Pinter

Uno dei pezzi più inquietanti e snervanti di Pinter. Una coppia sposata, Kate e Deeley, giocano a giochi di potere e possessività con l’ex coinquilina della moglie, Anna, che viene a trovarla per la prima volta in 20 anni. Il pezzo è orribilmente preoccupato per l’uso che le persone fanno di ricordi selettivi – e plausibilmente inventati – come armi o un modo per prendere il sopravvento. Coniamo ricordi, in questa comprensione, in risposta ai bisogni psicologici del momento: “Ci sono cose che ricordo che potrebbero non essere mai accadute”. Deeley è minacciato dalla relazione giovanile di Anna con sua moglie e fortemente attratto dal nuovo arrivato. C’è una meravigliosa rievocazione della Londra turbolenta quando le ragazze vivevano come segretarie e (forse) si prendevano in prestito le mutande a vicenda, ma la commedia inquietante di tutto questo diventa letale. 

Purgatorio a Ingolstadt (1924) / Pionieri a Ingolstadt (1928), Marieluise Flei ß er

L’autore di questi drammi gravemente trascurati era l’amante, protetto e vittima di Bertolt Brecht, e il suo suddito era la città natale della Bassa Baviera. Le opere teatrali utilizzano una tecnica di collage audace invece di una narrativa lineare, e lei ha avuto intuizioni penetranti nella mentalità del branco vizioso della città e nella claustrofobia conformista. In Purgatory , evoca un soffocante ethos cattolico: vediamo due ribelli molto diversi (una ragazza cerca invano un aborto) che subiscono l’umiliazione di dover tornare nel branco. Brecht ha effettivamente dirottato la sua seconda commedia Pioneers(sul contatto tra gli abitanti e una squadra in visita di costruttori di ponti). Ha imposto un palese antimilitarismo e sesso sensazionalista, e Fleißer è stato denunciato come un traditore della femminilità tedesca. Stephen Daldry e Annie Castledine hanno diretto una superba versione di questi spettacoli al minuscolo Gate Theatre nel 1991. Da quando, niente. È giunto il momento che Fleißer le sia dato il dovuto. 

Il mutaforma (1622), Thomas Middleton / William Rowley

Anche la migliore tragedia giacobina al di fuori di Shakespeare, The Changeling – co-autore di Middleton e Rowley – sembra anticipare il film noir. L’eroina assume un tipo losco per far fuori il suo fidanzato. Questo cattivo ha una deturpazione, ma il pezzo è attento a quanto perversamente siamo attratti da ciò che ci respinge. L’assassino chiede la sua verginità mentre il suo denaro di sangue e lo scivolamento nell’ombra della corruzione diventa inesorabile. C’è una sottotrama in un manicomio che è progettata come uno specchio distorto dell’azione principale nella sua ossessione per il travestimento, la follia e il sesso. Senti che se la bruttezza non esistesse, dovremmo inventarla per soddisfare i nostri desideri. 

Il bene del nostro paese , Timberlake Wertenbaker (1988)

Ah, il potere di trasformazione del teatro… Questa idea familiare è irresistibilmente provata dall’opera teatrale spesso ripresa di Wertenbaker, basata su una storia vera di un gruppo di detenuti in una colonia penale australiana che mise in scena una produzione di The Recruiting Officer di George Farquhar . Si diverte a far apparire le pretese del teatro, ma alla fine lo usa come mezzo per parlare di empatia, comunicazione e comprensione, mentre le relazioni tra i prigionieri insultati e gli ufficiali crudeli si disgelo. Un pezzo diretto di narrazione con un cuore enorme. 

Amleto (1599-1602), William Shakespeare

Un gioco di scoperte sorprendenti. C’erano stati molti soliloqui nel dramma elisabettiano in precedenza. Ma nessuno aveva mai parlato con un pubblico come Amleto. Non solo ti lascia entrare nella sua fiducia, ti lascia entrare nella sua coscienza; i migliori ritratti ti fanno sentire che sei un’anima con questa figura. È la sua capacità di ricercare l’introspezione che si mette in mezzo e squalifica Amleto come eroe della vendetta: è piuttosto meravigliosamente sbagliato. E come il personaggio del titolo, Amletoè brillantemente autoriflessivo, sondando costantemente la propria teatralità. La coscienza di Claudio è messa alla prova da un dramma dentro un dramma; Amleto cerca di ingannare la corte assumendo una “disposizione antiquata” che a volte può vacillare in autentica follia. Perché il Re Giocatore può fingere lacrime per una morte immaginaria e Amleto rimanere così impotente di fronte alla morte del suo vero padre? Il pezzo è come una dolorosa meditazione sui significati contraddittori del verbo “agire” – fingere e intervenire. Inesauribile. 

Enrico IV (1922), Luigi Pirandello

È facile far sembrare Pirandello uno scrittore minacciosamente cerebrale. Per tutta la vita ha giocato a giochi ingannevoli con problemi filosofici come l’inganno dell’identità. Ma l’obiettivo dello scrittore italiano era quello di “trasformare l’intelletto in passione” e le sue opere migliori ci riescono. Enrico IV parla della follia, dell’apparenza della follia e della conseguenza della decisione di rimanere intrappolati nell’apparenza della follia. Il protagonista è un nobile italiano che cade da cavallo a una rievocazione storica e torna indietro convinto di essere l’imperatore tedesco medioevale. Per 20 anni gli è stato permesso di vivere questa illusione, assistito da tirapiedi in costume d’epoca. Ma ora arriva un’ambasciata decisa a “scioccarlo” da questa idea fixe. Richard Harris e Ian McDiarmid sono stati l’ultima coppia a interpretare Henry nel West End e hanno apprezzato l’opportunità di intrecciare la curiosità e il dolore crudo che la parte richiede. La difficile situazione del personaggio centrale sembra più tragicomicamente stimolante che inverosimile. 

Un’uva passa al sole (1959), Lorraine Hansberry

Questa commedia ha fatto la storia: la prima a Broadway scritta da una donna di colore (vergognosamente, la Gran Bretagna non avrebbe avuto il suo equivalente – un’opera teatrale nel West End di una donna britannica di colore – fino all’anno scorso, con Nine Night di Natasha Gordon ). Un’uvetta al soleguarda i Youngers, una famiglia afroamericana che vive in povertà a Chicago, sognando una vita migliore e temendo che i loro sogni si avvizziscano come “un’uva passa al sole”. Il dramma doloroso di Hansberry mostra lo stesso energico strattone di un’opera teatrale di Arthur Miller, spiegando come le circostanze possono schiacciare la speranza. La sua discussione sull’identità nera, tuttavia, è ancora scoppiettante oggi – e l’emozione che la sceneggiatura di Hansberry fornisce ha attirato grandi nomi nel decennio: Sidney Poitier ha recitato nella premiere, e da allora tutti, da Denzel Washington a P Diddy, hanno avuto un brivido. Hansberry morì a soli 34 anni; non si può fare a meno di chiedersi quali altre opere teatrali avrebbe potuto avere come contendenti per questa lista. 

Abbigliamento intimo (2003), Lynn Nottage

Questa drammaturga americana vincitrice del Pulitzer ha drammatizzato la difficile situazione della donna congolese (nella sua commedia del 2007 Riot ) e i disordini industriali nelle piccole città americane (in Sweatdal 2015). In questo adorabile pezzo precedente, esplora la storia della sua bisnonna nella New York dell’inizio del XX secolo. Esther è una sarta nera – nubile e analfabeta – che cuce abiti di una bellezza incantevole per le altre donne da indossare la prima notte di nozze. Ottiene quella che potrebbe essere l’ultima possibilità di felicità, ma viene distrutta in circostanze che non sono mai sentimentalizzate. La commedia è astutamente divertita dal modo in cui il lavoro di Esther la mette in contatto con un’ampia fascia sociale (da una mondana annoiata e infelicemente sposata della Fifth Ave a una prostituta sbarazzina) e astuta riguardo ai compromessi che i suoi clienti fanno e alle ingiustizie che ne derivano. La sensazione sensuale del tessuto pregiato (il suo mezzo per sostenere ed esprimere se stessa) è trasmessa con uno splendido potere descrittivo. Abbigliamento intimoriesce ad essere edificante senza mai perdere il suo umorismo irriverente. 

Una quercia (2005), Tim Crouch

Cosa rende grande un gioco? Molte persone discutono per il contenuto corrispondente ai moduli. Su questo, lo spettacolo brillantemente intelligente del produttore teatrale britannico Tim Crouch offre davvero. Un ipnotizzatore teatrale incontra il padre di una ragazza che ha ucciso in un incidente d’auto. Il padre crede davvero che sua figlia sia stata trasformata in una quercia. Ad ogni rappresentazione, il padre è interpretato da un attore che non ha mai visto o letto la commedia prima; ricevono una sceneggiatura o battute alimentate da – sì – dall’ipnotizzatore (interpretato inizialmente dallo stesso Crouch, riconoscendo anche il suo ruolo “reale” di drammaturgo). L’attore si trasforma davanti a noi; accettiamo che ora siano il padre (e padri, nel corso degli anni, hanno incluso Mike Myers, Toby Jones, Frances McDormand e persino Alanis Morissette). Una Querciaha un’onestà radicale che lo ha reso estremamente influente. Sappiamo sempre che il teatro non è “reale” – riconoscendolo giocosamente, l’impatto emotivo è effettivamente accresciuto. È un trucco magico in cui la comprensione dell’inganno non fa che aumentare la magia. 

Sizwe Bansi è morto (1972), Athol Fugard

Athol Fugard si rese conto che la giusta rabbia del dramma didattico anti-apartheid non era efficace quanto le risate sovversive delle township nere quando si trattava di superare la durezza delle condizioni lì. Certamente, non c’è nulla di moralistico o solenne in questo pezzo che è stato prodotto nel 1972 e sviluppato da Fugard da improvvisazioni con i grandi John Kani e Winston Ntshona che lo hanno eseguito per primi. Una storia maliziosa di cani arruffati, attira il pubblico in un’atmosfera di socievolezza allegra. Sizwe è un cercatore di lavoro a Port Elizabeth che non può trovare lavoro perché non ha un permesso. Si scopre che ha trovato il libretto di accesso di un morto e ha sostituito la sua stessa foto, uccidendo Sizwe Bansi e dando a se stesso una nuova identità come Robert Zwelinzima. Come si sente di fronte a questa rinascita amministrativa? Prudente. Detto che starà bene se riesce a tenersi fuori dai guai, risponde che alla fine verrà scoperto perché, dopotutto, “la nostra pelle è un problema”. Un gioco ingannevolmente leggero e umano che sopravvive all’era dell’apartheid. 

Un tram chiamato desiderio (1947), Tennessee Williams

Da “Sono sempre dipeso dalla gentilezza degli estranei” a “Stellaaaaaa”, la commedia di Williams è entrata nella coscienza popolare. Così come potrebbe: c’è qualcosa di eterno nei suoi temi di perdita, invecchiamento e bugie con cui viviamo. Paura e lussuria si strofinano l’una contro l’altra, sudati; pochi altri scrittori hanno catturato il calore del sud come Williams, e questo è il drammaturgo nella sua forma più suggestiva. Blanche DuBois – l’illusa bellezza del sud che vive con sua sorella e suo marito macho e violento – è una parte importante per un’attrice, e tutti, da Vivien Leigh a Tallulah Bankhead, da Cate Blanchett a Gillian Anderson, ci hanno provato. 

L’effetto (2012), Lucy Prebble

Lucy Prebble si è fatta un nome con ENRON , tracciando l’arroganza del gigante finanziario, ma anche se potrebbe essere meno appariscente, The Effectè straordinariamente buono. Ha, al centro, una domanda a cui tutti vorremmo conoscere la risposta: che cos’è l’amore? Lo spettacolo segue due volontari in una sperimentazione clinica per un nuovo antidepressivo; quando si innamorano l’uno dell’altro, si chiedono se il loro amore sia “reale” o un sottoprodotto. E dato che tutte le interazioni nel cervello sono solo chimiche, ha importanza? Le idee su ciò che è veramente reale e ciò che è veramente romantico, cos’è la felicità e quale funzione potrebbe avere l’infelicità vengono ribaltate dalla mente molto acuta di Prebble. I suoi personaggi sono divertenti con cui trascorrere del tempo, i suoi dialoghi sono scattanti, ma scava anche in profondità, sia nelle teorie scientifiche che nelle emozioni umane, portandoci dai grigi bassi della depressione agli alti technicolor del nuovo amore.

Il gabbiano (1895), Anton Cechov

Si potrebbe davvero sostenere una qualsiasi delle commedie di Cechov (siamo quasi andati per il suo Platonov iniziale, divertente , solo per essere diversi) ma la lucidità di The Seagull ha la meglio. Ha più trama, un filo meno noioso, di alcuni dei suoi altri: un giovane, Konstantin, desidera fare il drammaturgo; sua madre narcisistica Arkadina, un’attrice, è coinvolta nel suo nuovo fidanzato, Trigorin, una scrittrice di successo. A sua volta ha una storia d’amore con Nina, la ragazza di Konstantin e un’aspirante attrice. Non è un gran spoiler dire che nessuno dei loro sogni si avvera esattamente, la vita si rivela infinita, squisitamente deludente. Il gabbianoa volte è una commedia mordace: le scene che trafiggono sia il mostruoso ego di Arkadina che i tentativi di suo figlio nell’arte d’avanguardia sono alcuni dei migliori pezzi di teatro sul teatro di sempre. Ma c’è anche una tenerezza quasi insopportabile nel ritratto dell’amore, della speranza e dell’idealismo dei giovani. 

L’importanza di essere serio (1895), Oscar Wilde

C’è mai stata una commedia così affidabile e deliziosa? L’improbabile trama di fidanzamenti intricati, borse perse, parenti malvagi inventati e zie mostruose vere funziona come un orologio. Ci sono innumerevoli battute felici e ad ogni turno Wilde si diverte a pungere le sottigliezze sociali della classe superiore. È un divertimento schiumoso e una schiuma divertente e invita sempre a spettacoli straordinari. Essere così molto bancabili ha portato la commedia di Wilde a essere sicuramente sopravvalutata e ora sembra del tutto non urgente, finché non ti fa ridere di nuovo. 

Un uomo, due Guvnors (2011), Richard Bean

Il drammaturgo britannico Richard Bean ebbe l’idea ispirata di trasporre la commedia dell’arte di Goldoni del XVIII secolo Il servo di due padronida Venezia a Brighton nel 1963. Il nostro eroe jack-the-lad – che cerca freneticamente di mantenere un paio di lavori, all’insaputa di nessuno dei capi – è un giocatore di skiffle fallito. L’atmosfera è quella di Joe Orton, incontra i film di Carry On. Le complicazioni sono deliziosamente deformate. Un personaggio fa una cuccetta a Brighton travestito da suo fratello gemello psicotico che è stato sbattuto fuori dal suo idiota elegante di fidanzato in una rissa tra gang. Ancora con me? Il dialogo è cattivo e consapevole: “È il 1963, papà, non puoi costringermi a sposare un omosessuale morto”. Ma c’è una gioia terribile e innocente nella pagliacciata fisica che culmina nella sequenza delirante in cui il nostro eroe deve servire il pranzo ai due padroni contemporaneamente, “assistito” da un cameriere ottantenne in fase terminale e incerto.

Una casa di bambole (1879), Henrik Ibsen

Ibsen ha scritto grandi donne: avremmo potuto scegliere Hedda Gabler . Ma A Doll’s House è una di quelle opere teatrali con un ampio significato: scritta nel 1879, è un testo proto-femminista. Quando la nostra tormentata eroina Nora sbatte la porta alla fine dello spettacolo, non è solo sul marito condiscendente, ma sull’intero Patriarcato. Lo spettacolo ha scioccato alcuni nel suo ritratto di una donna resa così disperata dalla sua soffocante situazione domestica che abbandona i suoi figli così come suo marito, scegliendo la libertà e l’autorealizzazione al posto della prigione della casa. Naturalmente, le cose sono cambiate per le donne da allora, ma questo gioco eccezionalmente controllato si svolge ancora perfettamente – e quello slam risuona ancora. 

Machinal (1928), Sophie Treadwell

Femminismo ed espressionismo si scontrano nella straordinaria visione della drammaturga statunitense Sophie Treadwell di una metropoli meccanizzata e disumanizzante. Sentiamo il frastuono snervante dell’esistenza moderna – descritto come “questo purgatorio del rumore” – che aggredisce il personaggio di Everywoman in ogni fase mentre sta scendendo verso il destino. È una stenografa, un ingranaggio sensibile della macchina che viene ricattata dalla madre in matrimonio con un capo che la ribella e finisce sulla sedia elettrica per averlo ucciso. Molto dipende dal team di progettazione per evocare l’atmosfera infernale della catena di montaggio, ma il fastidioso dialogo di Treadwell, con il suo stridulo staccato e il telegrafo sincopato, anticipa in modo inquietante Harold Pinter e David Mamet. È possibile che la protagonista sia troppo passiva (perché non opta per il divorzio?), 

Fare rumore in silenzio (1986), Robert Holman

Un esempio supremo di come uno scrittore possa realizzare un’opera teatrale mettendo insieme un trittico di miniature. Nato nel North Yorkshire all’inizio degli anni ’50, Holman è cresciuto nella tradizione pacifista e nel fare rumore in silenzioesamina gli effetti a lungo raggio della guerra in tre incontri casuali, situazioni meravigliosamente evocate. Nel primo, ambientato in un campo del Kent nel 1943, un quacchero settentrionale e un esteta londinese disinibito (basato sullo scrittore e pittore Denton Welch) discutono delle ragioni per non combattere. Ci sono correnti sotterranee omosessuali ironiche. Nella seconda, un ufficiale di marina arriva per raccontare a una madre la morte di suo figlio nella guerra delle Falkland. Il terzo è ambientato nella Foresta Nera nel 1986. Un soldato inglese, andato via Awol con il suo disturbato figliastro di otto anni, entra in collisione con una ricca donna d’affari tedesca sopravvissuta all’Olocausto. C’è una scena sbalorditiva in cui lei tira fuori il ragazzino dal suo silenzio dogmatico con la sua ripetuta, severa insistenza che dice “grazie”; è edificante alla fine ma non è carino. 

Vite private (1930), Noel Coward

Anche se l’ha descritta come “la più leggera delle commedie leggere”, Private Livesè l’opera teatrale di Noel Coward che senza dubbio si conserverebbe per i posteri. Lo scrisse come veicolo per sé e per Gertrude Lawrence, con velocità indecente. Lo spettacolo è incentrato su due divorziati che, cinque anni dopo la loro separazione, si incontrano sui balconi adiacenti dell’hotel durante la prima notte di luna di miele con i rispettivi nuovi coniugi. Una coincidenza elegantemente artificiosa seguita da uno schema di aspettative sfacciatamente capovolte: la maggior parte delle commedie finisce con il matrimonio; questo inizia con nozze nobilitate mentre la coppia abbandona senza tante cerimonie il loro secondo partner e scappa insieme a Parigi. Eliot e Amanda sono il tipo di coppia volubile e egoista che non può né vivere insieme né separata. Coward ha intuizioni acute nella meraviglia senza trama del secondo atto: vediamo con quanta facilità il languore post-coitale può rompersi in un pettegolezzo stronzo e in una violenza sgargiante. Commedia anti-romantica intrisa di sesso (e romanticismo): “Non cavillare, Sybil”. 

Madre coraggio e i suoi figli (1939), Bertolt Brecht

Pochi, se non nessuno, drammaturghi del 20° secolo hanno avuto un impatto così grande sul teatro come Brecht: voleva che l’arte fosse uno strumento politico piuttosto che un intrattenimento di evasione, ma ha anche rivoluzionato la forma e lo stile teatrale, eliminando il naturalismo. Ma può significare che il suo “teatro epico” è ancora associato alla didattica, piuttosto che al sincero dramma. Non così Mother Courage, però, che è epica in entrambi i sensi: scritta dopo che Hitler invase la Polonia, ma ambientata durante la Guerra dei Trent’anni, è una storia potente dei tentativi di una madre di trarre profitto dal conflitto e dell’enorme guerra dei costi personali prende sempre alla fine. 

Il guaritore della fede (1979), Brian Friel,

Frank Hardy, un guaritore di fede irlandese itinerante, sua moglie e il suo manager raccontano quattro monologhi che si contraddicono a vicenda, lasciando il pubblico a mettere in discussione verità e memoria, bugie e narrazione. Frank lotta per capire il proprio “dono” e come la sua capacità di curare va e viene; Faith Healer è anche una parabola sull’artista e la sua ispirazione. Lo spettacolo è naufragato quando è uscito a Broadway, ma da allora è stato riconosciuto come un classico moderno: in una buona produzione, c’è una sorta di tremolante potenza in esso. La scrittura di Friel può essere ritmica, incantatoria, ma è anche meravigliosamente sottile. Sebbene Friel mantenga sempre un’ambivalenza – cruciale – la commedia raggiunge una sorta di grazia trascendente propria.

Gerusalemme (2009), Jez Butterworth

Può essere difficile separare questa commedia da un’originale performance animata del grande Mark Rylance, che interpretava Johnny “Rooster” Byron, un selvaggio disadattato che vive in una roulotte nei boschi dell’Inghilterra rurale, radunando a sé i giovani locali come alcuni una specie di pifferaio magico alimentato da bevande e droghe. Un riassunto del genere potrebbe sembrare pacchiano, ma ambientato nel giorno di San Giorgio e maturo con la narrazione di Rooster, ha una qualità mitica e mistica. Uno spettacolo sullo stato della nazione alimentato da brio anti-establishment, cattura anche con precisione una comunità rurale contemporanea (molto giurata e molto divertente). Gerusalemme è diventata un successo ridicolo, con il pubblico accampato intorno al teatro per i biglietti. Ma un recente revival suggerisce che il gioco può ancora cantare, chiunque interpreti il ​​gallo. 

Angeli in America (1990-93), Tony Kushner

Sottotitolato “A Gay Fantasia on National Themes”, la stupefacente commedia in due parti di Tony Kushner è ambientata nella crisi dell’AIDS della metà degli anni ’80 durante l’amministrazione di destra di Ronald Reagan. La parola AIDS non è mai stata menzionata dal Presidente e la lotta per trovare una cura è stata ostacolata dalla mancanza di riconoscimento da parte del governo. Kushner ha reagito mettendo gli uomini gay al centro della scena in un’epopea che li mostra mentre combattono per forgiare i loro destini privati ​​e pubblici. Questo è, tuttavia, molto lontano da un convenzionale gioco di “problemi” nella sua gloriosa ambizione. Il pezzo infuria dall’Antartide e dallo strato di ozono danneggiato fino a un paradiso barocco che dio ha abbandonato. Angeli profetici si schiantano contro i soffitti. Ci sono sequenze di “sogno reciproco” in cui le persone vagano dentro e fuori le reciproche fantasie. Il demone che presiede il pezzo è uno dei più grandi mostri del dramma: l’incorreggibile e spudorato Roy Cohn era un vero riparatore repubblicano (e mentore del giovane Donald Trump). È un gay chiuso quando gli viene diagnosticato l’AIDS, ma opta per un disprezzo sprezzante su entrambi i fronti. È terribilmente deformato, ma lo spirito delle commedie è corrispondentemente magnanimo.

Viaggio di un lungo giorno nella notte (1940), Eugene O Neill

Quando O’Neill ha descritto Long Day’s Journey come una “commedia di vecchio dolore, scritta nel sangue e nelle lacrime”, stava appena esagerando. Questo enorme dramma autobiografico è così crudo e incessante nelle sue rivelazioni sulla sua disfunzionale famiglia irlandese-cattolica che l’autore ha lasciato istruzioni – misericordiosamente disobbedito dalla sua vedova – che l’opera teatrale non sarebbe stata rappresentata fino a 25 anni dopo la sua morte. Puoi capire la trepidazione. Viaggio di una lunga giornatasi tuffa nel cuore torturato dei Tyrones: James, l’acclamato attore che ha fatto il tutto esaurito al successo commerciale, sua moglie Mary che ha recentemente avuto una ricaduta nella dipendenza da morfina e i loro due figli. O’Neill a volte è punito per essere uno scrittore prolisso e ripetitivo. Ma il modo in cui la famiglia raccoglie le stesse croste ancora e ancora è molto fedele alla vita. Quando lo spettacolo è sotto la direzione del regista giusto, è come ascoltare le ricapitolazioni in un grande brano musicale. Dopo aver assistito a tre ore e mezza di recriminazioni imbevute di whisky e alimentate dalla morfina, ne esci prosciugato ma in uno stato di catarsi esaltante. 

Basata sul mito greco in cui Medea uccide i suoi figli per vendicarsi del marito infedele, questa tragedia non ha perso nulla della sua forza – o del suo potere di scioccare. Ma il testo permette letture più simpatiche anche Medea, donna che lotta per la giustizia in un mondo ingiusto. Con una parte principale monumentale e un coro che reagisce e commenta l’azione, lo spettacolo è sempre stato una delle tragedie greche più popolari. Teso e teso, vedi l’orrore arrivare ma ti senti disperatamente costretto a continuare a cercare. 

Arcadia (1993), Tom Stoppard

Tom Stoppard a volte viene accusato di essere tutto testa e senza cuore, ma questa commedia dimostra il contrario. Sì, è uno sguardo dolorosamente intelligente sia alla scienza che all’arte, contrapponendo il razionale al romantico, mentre ti dà mini lezioni di teoria del caos, la seconda legge della termodinamica e la vita e le scopate di Lord Byron. Ma anche qui c’è una storia d’amore e una tragedia. Due storie, ambientate nella stessa casa di campagna, nel 1809 e ai giorni nostri, si intersecano e alla fine si sovrappongono magnificamente. La teoria matematica prevede speranza e disastro per l’universo, e la storia offre lo stesso per i suoi personaggi. 

La disputa (1744), Pierre de Marivaux

Chi ha commesso la prima infedeltà? Era un uomo o era una donna? (Puoi scommettere che è stato un uomo a pensare per primo a questa domanda pruriginosa.) La corte nella commedia oscura di Marivaux pensa di aver creato le giuste condizioni di laboratorio per trovare la risposta. Quattro adolescenti sono cresciuti in completa solitudine e poi vengono rilasciati in compagnia l’uno dell’altro dove i loro incontri forniranno “un intrattenimento molto originale” per l’invisibile Prince e la sua fidanzata. Lo spettacolo mostra in modo incisivo quanto sia facile trasformare un palcoscenico in una tabula rasa sperimentale. Ma sembra un po’ perverso: l’idea dell’Illuminismo della televisione di realtà. Marivaux è elegantemente consapevole delle obiezioni. Ci sono lamette da barba nascoste nell’arredamento rococò delle sue opere. 

Giorni felici (1961), Samuel Beckett

Una donna di mezza età è sepolta in un cumulo di terra prima fino alla vita poi, dopo l’intervallo, fino al collo. Suo marito taciturno e in gran parte invisibile sembra non avere intenzione di tirarla fuori. È uno spettacolo che non ha mai perso la sua capacità di sorprendere. La Winnie di Beckett blatera perseguitata dall’ottimismo (“Questo sarà stato un altro giorno felice”) nel loquace tentativo di allontanare l’isteria e la disperazione per il suo destino invadente. Tra il campanello per la veglia e il campanello per il sonno, lotta per regolare la sua giornata e razionare le sue preziose (e esaurienti) risorse, ispezionando ritualmente il contenuto della sua capiente borsetta (spazzolino da denti, rossetto, specchio e, cosa più minacciosa, revolver) . In parte irritante, in parte eroica, porta avanti un monologo lirico punteggiato che è intriso di ciuffi gentili che ricordano a metà i classici “immortali”. Pietro Sala, che ha diretto Peggy Ashcroft nella parte, ha giustamente sottolineato che “il teatro di Beckett riguarda tanto il mimo e la precisione fisica quanto le parole”. Solo che i suoi testi sono fantastici e questo è superbo oltre ogni immaginazione. Per citare Winnie: “Cos’è quella battuta indimenticabile?”

John (2015), Annie Baker

Le opere di questo scrittore americano tendono ad essere lunghe, lente e stranamente avvincenti. È difficile stabilire cosa renda esattamente John così affascinante. È ambientato in una pensione kitsch e malconcia di Gettysburg, dove una giovane coppia combattiva interagisce con la dolcemente eccentrica padrona di casa e la sua amica cieca ma visionaria. La casa sembra infestata: piena di bambole inquietanti e pianoforti che iniziano a suonare da soli. Ma è anche ossessionato dalla storia (era un ospedale della guerra civile) e dai ricordi dell’amore delle donne anziane, dei fantasmi e delle loro stesse esperienze mistiche. Tutto questo è un po’ inquietante, ma anche piuttosto emotivamente commovente. Baker è anche super acuto sulla relazione morente della coppia di millennial, che si apre in uno sguardo su come spesso siano le donne a dover sostenere i miti degli uomini, per nutrire la loro fame bisognosa. 

I ragazzi della storia (2004), Alan Bennett

Hector vuole insegnare ai ragazzi una conoscenza che durerà loro tutta la vita e che può essere trasmessa come un dono. Ma il preside è diventato ossessionato dalle classifiche del governo e ha assunto Irwin per insegnare loro tecniche disinvolte e per superare gli esami. Questo è lo scontro al centro del famosissimo successo di Alan Bennett. È ambientato in una grammatica dello Yorkshire tra un gruppo di abili sesti formatori che si stanno preparando per l’esame di ammissione a Oxbridge. Come per gran parte del lavoro di Bennett, puoi scorgere una struttura simile a una rivista nella gloriosa serie di scenette, gag, canzoni e pura esuberante stupidità della commedia. Ma è anche un brillante ritratto di un insegnante anticonformista. Alcuni dei commenti di Hector sono passati alla moneta comune, come ad esempio come, quando leggi qualcosa che avevi ritenuto speciale per te, “è come se una mano uscisse e ti prendesse”. La scena in cui il condannato Hector analizza la poesia di Hardy “Drummer Hodge” con il suo allievo Posner è insuperabile nel dramma come esempio di insegnamento umano. Il gay e infelice Posner ha anche la migliore battuta dello spettacolo: “Sono un ebreo. Io sono piccolo. Sono omosessuale. E vivo a Sheffield. Sono fottuto. 

Frozen (1998), Bryony Lavery

La madre di un bambino assassinato. Il suo killer pedofilo incarcerato. Uno psicologo criminale che cerca di capire cosa lo abbia spinto a farlo. Attraverso i primi monologhi e poi il dialogo, questo classico moderno ha molto da dire sugli estremi dell’angoscia umana, ma anche sulla nostra capacità di cambiamento e di perdono. È un’opera oscura e spinosa, ma anche profondamente umana, di una prolifica scrittrice britannica al suo meglio. 

La vita è un sogno (1635), Calderon de la Barca

L’opera di Calderon è uno dei capolavori dell’età d’oro spagnola, ma sembra anche anticipare il mondo di Pirandello. La difficile situazione del giovane principe, Segismundo, richiama alla mente la storia del saggio cinese dell’uomo che sogna di essere una farfalla e si sveglia chiedendosi se in realtà sia una farfalla che sogna di essere un uomo. Questo giovane è in balia della fluttuazione politica: è stato imprigionato in una torre oscura dalla nascita a causa di un oroscopo che prevedeva che avrebbe usurpato il trono. Poi, quando ci sono ansie per la successione, suo padre lo fa drogare, lo porta a palazzo e lo tratta in modo sconcertante come un principe. Un pezzo poetico che affronta profonde questioni metafisiche e politiche in un modo abbagliante teatrale. PT

Copenaghen (1998), Michael Frayn

Per quanto sia allettante includere la farsa sublimemente divertente nel backstage di Michael Frayn, Noises Off , la più seria Copenhagensolo pips esso. Immagina un vero incontro tra fisici nucleari, il danese Niels Bohr e il tedesco Werner Heisenberg, a Copenaghen nel 1941, per discutere degli sviluppi che porteranno alla bomba atomica. Quindi Frayn reinventa l’incontro e lo reinventa di nuovo: dopotutto, nessuno sa davvero cosa sia successo. Heisenberg stava avvertendo il suo vecchio amico dei progressi dei nazisti nelle armi nucleari? Sperando in un patto reciproco per prevenire la bomba atomica? Cerchi l’assoluzione? Osservando l’inaffidabilità della memoria, la struttura dell’opera teatrale di Frayn è abilmente animata dalle idee scientifiche di cui discutono i suoi personaggi: il principio di indeterminazione di Heisenberg è alla base della sua forma drammatica. Un grande successo quando ha debuttato al National, è andato al West End, Broadway – ed è finito in TV, con Daniel Craig. 

L’Orestea (458 aC), Eschilo

L’unica trilogia completa sopravvissuta di tragedie greche. Attraverso Agamennone, The Libation Bearers e The Eumenides, Eschilo ripercorre l’impatto della violenza e della vendetta su una famiglia reale, ponendo in netto rilievo questioni di giustizia e dovere. Per vincere la guerra di Troia, Agamennone sacrificò sua figlia; la trilogia si apre con un’opera teatrale in cui sua moglie Clitennestra lo uccide per vendicare la morte di sua figlia. In Libation Bearers , il figlio di Clitennestra, Oreste, la uccide per rappresaglia (se Antigone è una tragedia perché è un conflitto tra giusto e giusto, questo è forse uno scontro tra sbagliato e sbagliato). Il ciclo si interrompe in Eumenide,dove gli dei formano una corte in cui processare Oreste. È roba succosa, carnosa e ad alto numero di ottani – e ha ricevuto produzioni che hanno definito l’era sia nella versione mascherata di Peter Hall al National nel 1981, sia nel frizzante adattamento moderno di Robert Icke nel 2015.