Ci sono alcuni film che tutti, anche i principianti, riconosceranno: Shining di Stanley Kubrick; Lawrence d’Arabia di David Lean; Fight Club di David Fincher; Il laureato di Mike Nichols. Ognuno è lodato dalla critica, ammirato dai registi e adorato dal pubblico. Eppure nessuno di loro ha fatto questa lista.

Questo perché i criteri per la nostra lista dei 100 film da vedere prima di morire sono estremamente severi e ponderati nel contesto storico. Più che un elenco dei “migliori film di tutti i tempi”, ecco quelli che hanno cambiato il corso del cinema alla loro uscita iniziale. Quelli che hanno ispirato o alterato radicalmente interi generi cinematografici. Alcuni di questi film stanno superando i 100 anni, mentre altri sono stati rilasciati nell’ultimo decennio. Indipendentemente da ciò, occupano tutti un posto importante nel canone del cinema come lo conosciamo.

Ogni fan del cinema che si rispetti deve a se stesso vedere ognuno di questi almeno una volta prima di visitare quel multisala in concessione nel cielo. Le nostre scelte spaziano da titoli horror come The Thing a marcatori di intere epoche come The Social Network. Quindi, se ti stai chiedendo “cosa dovrei guardare?” questa lista è perfetta per te. Sappiamo che hai tempo a disposizione: meglio iniziare!

La casa degli animali di National Lampoon (1978)

John Belushi in La casa degli animali

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Paese: USARegista: John LandisSceneggiatori: Harold Ramis, Douglas Kenney, Chris MillerStar: John Belushi, Tim Matheson, Stephen Furst, Kevin Bacon, John Vernon, Verna Bloom, Donald Sutherland, Karen AllenSarebbe difficile trovare un maschio eterosessuale dormitorio del college che non ha uno dei due poster sul muro dell’area comune: Scarface con la pistola in mano e John Belushi che fa dondolare il maglione “College”.

Il Belushi Joint, ovviamente, proviene da  Animal House , il più rispettato (e il più divertente) di tutti i film universitari. È incentrato sui dispettosi Delta, un gruppo disordinato di confratelli che portano all’anarchia nel campus, con grande dispiacere del preside. Animal House  dipinge l’esperienza collegiale come un lungo bender alimentato da sesso, alcol e dissolutezza. Non era il caso per noi, sfortunatamente; abbiamo appena giocato a Xbox fino alle prime ore del mattino prima di inciampare in classe con gli stessi pantaloni della tuta tutti i giorni.

Non c’è da stupirsi che così tanti vivano indirettamente attraverso il poster di Belushi.

Selle ardenti (1974)

Cleavon Little e Gene Kelly in Blazing Saddles

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Nazione: USARegista: Mel BrooksSceneggiatori: Andrew Bergman, Mel Brooks, Richard Pryor, Norman Steinberg, Al UgerStar: Cleavon Little, Gene Wilder, Harvey Korman, Slim Pickens, Madeline Kahn, Mel Brooks, Dom DeLuise

Non si può parlare di commedia su celluloide senza citare Mel Brooks, il visionario di  Young FrankensteinSpaceballsThe Producers . Il suo miglior film rimane il giustamente politicamente scorretto  Blazing Saddles , una parodia del western che affronta la razza a testa alta.

Controlla i crediti sulla sceneggiatura: è il nome di Richard Pryor, solo un’indicazione che il materiale qui non verrà maneggiato con i guanti. La trama, nella sua forma più distillata, coinvolge il nuovo sceriffo di Rock Ridge. Si chiama Bart (Cleavon Little) ed è nero. Come probabilmente puoi immaginare, questa non è una transizione graduale per i cittadini razzisti. 

Monty Python e il Santo Graal (1975)

Cast di Monty Python e il Santo Graal

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Nazione: Regno UnitoRegisti: Terry Gilliam e Terry JonesSceneggiatori: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael PalinStar: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael PalinLa compagnia comica britannica Monty Python sono i re dell’irriverenza e  il Santo Graal  è il loro coronamento.

Una bizzarra parodia della leggenda di Re Artù, questa folle farsa storica è dotata di tutti i migliori tratti di Python: satira intelligente, divagazioni inutili (di solito animate e sempre fantastiche), eccesso gioioso (la lotta travolgente del Cavaliere Nero), e prestazioni multiple, a volte irriconoscibili, di ciascun membro Python. 

Banane (1971)

Sempre dalle banane

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Nazione: USARegista: Woody AllenSceneggiatori: Woody Allen, Mickey RoseStar: Woody Allen, Louise Lasser, Carlos Montalban

La commedia di Woody Allen del 1971 (la seconda in cui ha scritto, diretto e interpretato) segue Fielding Mellish, un collaudatore di prodotti operai che finge interesse per il paese immaginario in guerra di San Marcos, e alla fine si reca lì per risolvere il conflitto.

Bananas  viene dai primi anni slapstick di Allen e, se non l’hai visto, non crederai a quanto velocemente l’uomo possa muoversi (soprattutto in una scena in cui si interroga in tribunale). Il film è pieno fino all’orlo di gag (essere costretto a eseguire un intervento chirurgico dal suo orgoglioso padre) e di calci piazzati (l’ampio mondo della copertura sportiva del suo matrimonio consumato) che fanno davvero il possibile.

Il film, uscito dopo il successo iniziale di  Take the Money and Run  , ha portato Allen da nuovo talento a star della commedia affermata. 

Annie Hall (1977)

Woody Allen e Diane Keaton in Annie Hall

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Nazione: USARegista: Woody AllenSceneggiatori: Woody Allen, Marshall BrickmanStar: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts

Annie Hall  è ingannevolmente semplice: parla di un comico cinico che riflette sulla sua relazione fallita con una donna, la titolare Annie Hall, che era troppo libera per potersi trattenere. Ma lasciarlo così sarebbe un disservizio per quello che potrebbe essere il lavoro più iconico di Woody Allen. Questo film ha stabilito Allen come qualcosa di più di un magro chiacchierone in grandi commedie come  Bananas;  ora era un regista serio che offriva una visione reale delle relazioni umane, il tipo di intuizione su cui la maggior parte delle commedie romantiche sorvola.

Il film non solo ha consolidato Diane Keaton come la star più trendy di Hollywood (con il suo abbigliamento da femme-Charlie-Chaplin), ma ha anche definito lo stile caratteristico di Allen: una protagonista nevrotica e dal cuore spezzato; un focus su fette di vita; dialogo cordiale e intellettuale; e pittoresche vedute di Manhattan.

Questo è il tocco spinale (1984)

Cast di colpetto spinale

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Paese: USARegista: Rob ReinerSceneggiatori: Christopher Guest, Michael McKean, Harry Shearer, Rob ReinerStar: Rob Reiner, Christopher Guest, Michael McKean, Harry Shearer, Fran Drescher, Bruno KirbyNon devi essere un fan eterno dei Motley Crue per apprezzare  questo Is Spinal Tap , l’esilarante parodia del regista Rob Reiner dell’industria musicale in generale e della cultura hair metal degli anni ’80 in particolare.

Presentato come un documentario “reale”,  Spinal Tap  è un’opera di brillantezza impegnata. In quanto membri egocentrici e a volte deliranti del gruppo immaginario heavy metal Spinal Tap, gli attori Christopher Guest, Michael McKean e Harry Shearer pronunciano ogni riga di dialogo ed eseguono ogni canzone esagerata con tale vigore che  This Is Spinal Tap  sembra il l’ episodio più divertente di  Behind The Music  mai realizzato. 

Venendo in America (1988)

Eddie Murphy e i fan

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Paese: USARegista: John LandisSceneggiatori: David Sheffield, Barry W. BlausteinStar: Eddie Murphy, Arsenio Hall, James Earl Jones, Madge Sinclair, John Amos, Shari Headley, Eriq La Salle, Louie Anderson I giovani capi potrebbero non rendersene conto, ma Eddie Murphy lo era una volta l’uomo più divertente di Hollywood. Coming to America  è il suo miglior film, una rivolta ermetica che è divertente oggi come doveva essere quando è uscito.

Nei panni di un dolce principe africano che vive nel Queens, Murphy non perde mai un colpo, recitando brillantemente fuori da Arsenio Hall (nei panni del suo compagno, Semmi) e apparendo truccato come una manciata di altri personaggi. (La scena da barbiere pesante di Murphy è una delle più grandi sequenze della commedia). Se dici di conoscere le commedie ma non hai visto questo classico, schiaffeggiati subito: guardare  Coming to America  è un rito di passaggio. 

Rushmore (1998)

Bill Murray in Rushmore

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Nazione: USARegista: Wes AndersonSceneggiatori: Wes Anderson, Owen WilsonAttori: Jason Schwartzman, Bill Murray, Olivia Williams, Seymour Cassel, Brian Cox, Mason Gamble, Connie Nielsen, Luke WilsonI film di Wes Anderson sono un gusto acquisito. Lo scrittore-regista acclamato dalla critica popola i suoi film ben curati con personaggi affascinanti ma socialmente inetti. La fissazione per la simmetria e l’umorismo costantemente ironico è stata fonte di disprezzo in sforzi successivi come  The Life Aquatic With Steve Zissou The Darjeeling Limited . Ma  Rushmore , il primo film a mettere Anderson sulla mappa, è più di una raccolta di tic e stranezze.

Il film fa del suo eroe un nerd arrogante (un azzeccato Jason Schwartzman) che viene catturato in un triangolo amoroso con l’insegnante di prima elementare della sua accademia (Olivia Williams) e uno strano milionario (Bill Murray, nel suo ruolo di resurrezione).

Ogni volta che Schwartzman e Murray si scontrano,  Rushmore  è sublimemente esilarante. Anderson trova il modo di far sembrare comprensivi personaggi altrimenti ripugnanti (un ipocrita quindicenne sfigato, un ricco coglione). Probabilmente vorresti mettere fuori combattimento il personaggio di Schwartzman nella vita reale, ma in  Rushmore  fai il tifo per lui. 

Boogie Nights (1997)

Mark Wahlburg in Boogie Nights

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Paese: USARegista: Paul Thomas AndersonSceneggiatore: Paul Thomas AndersonAttori: Mark Wahlberg, Julianne Moore, Don Cheadle, Philip Seymour Hoffman, Burt Reynolds, William H. Macy, John C. Reilly, Heather Graham

Non preoccuparti, non devi guardarlo all’una di notte con il volume basso. È un film sull’industria del porno, ma non gioca nelle aree più sporche tanto quanto potresti pensare. Boogie Nights  segue la carriera emergente (gioco di parole) di un uomo nell’industria del porno e le persone che incontra lì. Ciò include una veterinaria (Julianne Moore), un magnate (Burt Reynolds) e Rollergirl (Heather Graham) che non si toglie mai i pattini, anche durante le esibizioni.

La più grande sorpresa del film (oltre alle dimensioni del pene del personaggio principale) è stata Marky Mark, lo stesso signor Calvin Klein Undies, nel ruolo da protagonista del famoso stronzo Dirk Diggler. Wahlberg ha lanciato un appello tutto americano (con un pizzico di innocenza) a quella che altrimenti sarebbe stata una vendita rischiosa al grande pubblico.

Il mio Idaho privato (1991)

Colpo alla testa del fiume Phoenix

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Nazione: USARegista: Gus Van SantSceneggiatore: Gus Van SantStar: River Phoenix, Keanu Reeves, Rodney Harvey, Grace Zabriskie, William Richert, James Russo

Nel 1991, il cinema gay ha avuto successo con  My Own Private Idaho , la rivisitazione di Gus Van Sant delle  storie di Henry di Shakespeare  . Interpretato da River Phoenix e Keanu Reeves, il film segue due imbroglioni che esplorano il nord-ovest americano.

Privo di sentimenti, è uno studio attento di uno dei personaggi più amati del film: il vagabondo. Ha dato a Van Sant il potere di diventare il regista di successi come  Good Will Hunting , importanti film politici come  Milk e gioielli d’autore come  Elephant  e  Paranoid Park

Cowboy di mezzanotte (1969)

Jon Voight e Dustin Hoffman

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Paese: USARegia: John SchlesingerSceneggiatore: Waldo SaltStar: Dustin Hoffman, Jon Voight, Sylvia Miles, John McGiver, Brenda Vaccaro, Barnard HughesLa parola “bromance” è un neologismo recente, ma funziona per descrivere il dramma squallido ed emozionante di John Schlesinger  Midnight Cowboy . Alimentato da un paio di magnifiche interpretazioni, il film segue un prostituto maschio (Jon Voight) che stringe una stretta amicizia con un truffatore malaticcio (Dustin Hoffman).

L’unico film classificato X ad aver mai vinto l’Oscar per il miglior film,  Midnight Cowboy  non è sempre piacevole; è, tuttavia, un’inclusione necessaria nella nostra lista di film da guardare prima di morire.  

Lost in Translation (2003)

perso nella traduzione

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Nazione: USA, GiapponeRegista: Sofia CoppolaSceneggiatura: Sofia CoppolaStar: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna FarisPrima di tutto, come non amare Bill Murray? La leggenda della commedia potrebbe fare una routine mimica e lasciarci ancora con i punti di sutura, grazie alla sua straordinaria capacità di ricavare risate da sguardi, sopracciglia alzate e indifferenza.

Tutto ciò gioca molto bene nella commedia romantica non convenzionale di Sofia Coppola  Lost in Translation , con Murray nei panni di un attore disincantato che fa quadrare i conti lavorando in spot pubblicitari giapponesi. La sua disillusione è pari a quella di una donna più giovane (Scarlett Johansson) infelicemente sposata che incontra al bar di un hotel.

Emergono sentimenti di farfalla nello stomaco in erba, ma Coppola, che ha anche scritto la sceneggiatura, evita i sentimenti di cattivo gusto, basando invece l’ipnotico  Lost In Translation  su una finezza finemente sintonizzata. 

Ragazze cattive (2004)

Cast di ragazze cattive

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Nazione: USARegista: Mark WatersSceneggiatura: Tina FeyStar: Lindsay Lohan, Rachel McAdams, Tina Fey, Amanda Seyfried, Lacey Chabert, Lizzy Caplan, Amy Poehler, Ana Gasteyer, Daniel Franzese, Tim Meadows, Jonathan BennettLe commedie adolescenziali sono date all’immaturità, ma non  Cattive ragazze. La sceneggiatrice Tina Fey, che nel sonno è più intelligente della maggior parte degli scrittori di Hollywood con tre tazze di caffè, ha scritto un film acuto e spiritoso che ha sfidato gli stereotipi. L’esilarante  sceneggiatore di Saturday Night Live  si è avvicinato alle cricche di adolescenti con uno spirito inclusivo. I personaggi, dalla brava ragazza intrigante di Lindsay Lohan allo spregevole mostro di Rachel McAdams, non sono caricature; sono ritratti sfumati che hanno contribuito a trasformare il film in un classico di culto duraturo. 

Anchorman: La leggenda di Ron Borgogna (2004)

Will Ferrell nel ruolo di Ron Borgogna

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Paese: USARegista: Adam McKaySceneggiatori: Will Ferrell, Adam McKayStar: Will Ferrell, Christina Applegate, Paul Rudd, Steve Carell, David Koechner, Vince Vaughn, Fred Willard, Chris ParnellQuando  Anchorman  è uscito per la prima volta, gli spettatori sono usciti dai cinema più confusi che divertiti. All’epoca, la satira di Adam McKay e Will Ferrell sui giornalisti degli anni ’70 disorientava per la sua palese ridicolità; col senno di poi, non eravamo pronti.

Non è fino alla seconda o terza visione che  la grandezza di Anchorman diventa evidente. A quel punto, il tono è stato accettato e il punto – che Ferrell e i suoi collaboratori hanno fatto tutto ciò  che  pensavano fosse divertente, senza alcun riguardo per il pubblico di massa – è stato compreso. Oggi siamo certi che  Anchorman  fosse un dono degli dei della commedia.

Anchorman  è uno dei film più quotati di sempre, un tour de force di assurdità e un raduno dei più importanti buffoni della nostra generazione.

A qualcuno piace caldo (1959)

Ancora da A qualcuno piace caldo

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Nazione: USARegia: Billy WilderSceneggiatori: Billy Wilder, IAL DiamondStar: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Joe E. Brown, Pat O’Brien

Billy Wilder, uno degli eroi del cinema americano, ha affrontato la commedia stravagante con  A qualcuno piace caldo . Due amici vengono coinvolti inavvertitamente con la mafia e devono scappare. Non c’è modo migliore per nascondersi che farsi trascinare, che è esattamente quello che fanno questi due goffi musicisti jazz.

Marilyn Monroe non è mai stata così affascinante e Jack Lemmon e Tony Curtis non sono mai stati così divertenti. Per capire il fascino di queste tre leggende del grande schermo, devi andare direttamente alla fonte.

La storia di Filadelfia (1940)

Cast di The Philadelphia Story

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Nazione: USARegista: George CukorSceneggiatore: Donald Ogden StewartAttori: Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart, Ruth Hussey

Durante il periodo del Codice di produzione, a molti film era vietato coprire determinati argomenti, incluso il sesso al di fuori del matrimonio e le scene della “prima notte”. I film hanno persino dovuto aggirarsi in punta di piedi intorno a rappresentazioni di seduzione. The Philadelphia Story , su una donna benestante intrappolata in un triangolo amoroso, ha giocato in modo timido: ha ballato attorno alla questione delle relazioni extraconiugali facendo in modo che i personaggi divorziano, si innamorano di nuovo e si risposano, il tutto mantenendo la commedia stravagante maturi di sciocchezze e dialoghi intelligenti.

Giustamente, questa vecchia commedia romantica di Hollywood è stata il ritorno sul grande schermo di Katharine Hepburn, ponendo fine alla sua reputazione di “veleno al botteghino”, e ha anche caratterizzato due dei più grandi protagonisti romantici di tutti i tempi, Cary Grant e Jimmy Stewart.

In vena di amore (2000)

Maggie Cheung e Tony Leung

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Nazione: Hong KongRegista: Wong Kar-waiSceneggiatura: Wong Kar-waiAttori: Tony Leung, Maggie Cheung, Siu Ping Lam, Rebecca Pan

La seconda parte di una trilogia informale,  In the Mood for Love di Wong Kar-wai  segue due vicini che scoprono che i loro coniugi hanno una relazione e la conseguente storia d’amore che sboccia dalla loro amicizia.

La storia si svolge negli anni ’60 conservatori in una Hong Kong piena di abiti chic, set simili a case di bambole e tavolozze al neon saturate che lo rendono semplicemente uno dei film più belli mai girati. I faticosi 15 mesi di riprese del film sono passati attraverso due direttori della fotografia e miglia di riprese. In effetti, è stato completamente assemblato solo settimane prima della data per presentarlo a Cannes, dove ha vinto il Gran Premio Tecnico, e ne ha vinti dozzine di altri in tutto il mondo, spezzando i cuori lungo la strada.

Quando Harry ha incontrato Sally… (1989)

Meg Ryan e Billy Crystal

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Nazione: USARegia: Rob ReinerSceneggiatura: Nora EphronAttori: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby

Quando Harry incontra Sally…  esplora due argomenti nel modo giusto: gli uomini e le donne (eterosessuali) possono essere solo amici? E c’è qualcosa di più esilarante di Meg Ryan che finge un orgasmo in una gastronomia ebraica?

Oltre a dare alla cultura pop una delle coppie più amate (e decisamente realistiche) di sempre, questo film ha perfettamente confezionato una situazione romantica allora difficile da definire: fino ad oggi, le persone descrivono ancora la zonazione degli amici come “bloccata in un Harry -e-Sally relazione.” 

Parla con lei (2002)

Pedro Almodovar con l'Oscar

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Paese: SpagnaRegista: Pedro AlmodovarSceneggiatore: Pedro AlmodovarStar: Javier Camara, Dario Grandinetti, Leonor Watling, Geraldine Chaplin, Rosario Flores

Il capolavoro di Almodovar del 2002 è incentrato sull’amicizia tra Benigno e Marco, due uomini che si prendono cura delle donne in coma. Marco si occupa di Lydia, una matador che stava per lasciarlo; Benigno, un’infermiera, ha stretto una relazione delirante con Alicia, la ballerina di cui era ossessionato da lontano.

Da questo ridicolo allestimento,  Talk to Her  diventa uno degli sguardi più indagatori sulla compassione che Almodovar abbia mai prodotto. Ha anche le strane cose sessuali e cenni amorevoli per cui il regista spagnolo è noto, a volte allo stesso tempo: c’è un film muto esilarante all’interno del film in cui un ometto si arrampica nella vagina di una donna addormentata.

Il film riesce a far provare pietà e persino amore allo spettatore per un uomo che ha commesso un atto vile. Il livello di controllo richiesto per una tale reazione ha pochi precedenti, il che la rende una delle esperienze più singolari del cinema. Considerando che ha realizzato tutto questo sulla scia di  All About My Mother , il suo miglior lavoro fino ad oggi, rende  Talk to Her  ancora più impressionante.

 Per i suoi sforzi, Almodovar ha vinto un Oscar per la migliore sceneggiatura. 

8 1/2 (1963)

Fellini e attori

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Paese: ItaliaRegia: Federico FelliniSceneggiatori: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli e Brunello RondiStar: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Sandra Milo, Anouk AimeeIn termini di meta-cinema, il capolavoro di Federico Fellini  8 ½  è l’articolo autentico. In gran parte autobiografico, il miglior film del pioniere italiano scava nella mente di un regista stressato (Marcello Mastroianni) che sfugge ai fastidi di produttori fastidiosi e ai problemi legati al lavoro diffondendosi nel suo subconscio. Veramente in anticipo sui tempi,  8 ½  rapisce con il suo intreccio lungimirante di sequenze oniriche e flashback, il tutto messo in scena con un’eleganza accessibile.

È difficile descrivere a parole questo capolavoro: è uno di quei film che devi guardare per apprezzare. 

Le scarpe rosse (1948)

Moira Shearer nelle scarpe rosse

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Nazione: Regno UnitoRegisti: Michael Powell, Emeric PressburgerSceneggiatori: Michael Powell, Emeric Pressburger, Keith WinterStar: Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Goring

La squadra magistrale di Powell e Pressburger ha creato il suo lavoro più grandioso con questo film su un balletto, liberamente adattato dal racconto morale di Hans Christian Andersen su un paio di scarpe magiche.

La storia dà uno sguardo romantico all’alto prezzo dell’ambizione, i debiti pagati quando si aspira alla grandezza. Il balletto creato per il film è una delle sequenze tecnicamente più meravigliose nella storia del cinema, con alcune danze davvero ispirate e trucchi con la telecamera. Il talento del protagonista è letteralmente impossibile, rendendo il finale ancora più straziante.

Ma non crederci sulla parola. Martin Scorsese lo considera, insieme a  The River di Renoir , i due film a colori più belli mai realizzati.

Il Rocky Horror Picture Show (1975)

Tim Curry e Susan Sarandon in Rocky Horror Picture Show

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Paese: USA e Regno UnitoRegista: Jim SharmanSceneggiatori: Jim Sharman, Richard O’BrienStar: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Patricia Quinn, Nell Campbell, Jonathan Adams, Meat Loaf

The Midnight Movie a cui vengono paragonati tutti gli altri,  The Rocky Horror Picture Show  è un musical vestito con un abito da mostro economico girato su un palcoscenico con un sacco di oggetti di scena fantascientifici avanzati. Ha lanciato un migliaio di proiezioni di mezzanotte e ha creato un culto di devoti seguaci che ha aperto la strada alle tradizioni di proiezione come gridare allo schermo, battute rituali e vestiti, se sei stato a una proiezione di  The Room  in cui le persone urlano il dialogo agli attori , è perché  The Rocky Horror Picture Show  lo ha fatto per primo.

Ma attenzione: questo è uno di quei film che devi guardare con gli amici. Non è la stessa cosa da soli.  

Cantando sotto la pioggia (1952)

Cast di Cantando sotto la pioggia

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Nazione: USARegisti: Gene Kelly, Stanley DonenSceneggiatori: Betty Comden, Adolph GreenStars: Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell

Venticinque anni dopo che i talkie hanno preso d’assalto Hollywood,  Singin’ in the Rain  ha reso un po’ divertente la transizione dal punto di vista degli attori. (E se una leggenda del cinema muto avesse una voce ridicola?)

Anche se Debbie Reynolds è affascinante e Donald O’Connor li supera tutti, questo è lo spettacolo di Gene Kelly. Oltre a recitare e fornire la coreografia, Kelly è stata anche co-regista. Mentre sulla superficie solare è il perfetto musical di Hollywood dei vecchi tempi, molte delle stesse buffonate delle star del cinema che venivano prese in giro nel film stavano accadendo dietro le quinte: Reynolds non sapeva ballare e Kelly glielo fece sapere (anche se in seguito lo fece poliziotto per il suo cattivo comportamento). O’Connor ha dovuto essere ricoverato in ospedale e gli sono stati ordinati tre giorni di riposo a letto dopo la sua brillante routine “Make ‘Em Laugh”. E Kelly era gravemente malata durante le riprese del numero di ballo del titolo. Come se mantenere una temperatura di 103 gradi non fosse abbastanza scomodo, il flusso costante di acqua ha fatto restringere il suo abito di lana nel corso dei giorni necessari per completare la scena. Dignità, 

La bella e la bestia (1991)

Interpreti in costumi La Bella e la Bestia

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Nazione: USARegisti: Gary Trousdale, Kirk WiseSceneggiatura: Linda WoolvertonAttori: Paige O’Hara, Robby Benson, Richard White, Jerry Orbach, David Ogden Stiers, Angela Lansbury, Bradley Pierce

La versione Disney de  La Belle et la Bete  è stato il primo film d’animazione ad essere nominato all’Oscar per il miglior film e, sospettiamo senza fare molte ricerche sull’argomento, anche il primo film sulla bestialità ad essere nominato per quel premio.

La versione G-rated della classica fiaba racconta la storia di un principe egoista trasformato in bestia che viene maledetto da un’incantatrice per la sua vanità. Per trasformare lui e il suo castello pieno di lavoratori in esseri umani, deve guadagnarsi l’amore di una bella donna. Entra: Belle, una tosta un po’ femminista (per gli standard Disney) che è ben colta, autosufficiente e con standard abbastanza alti da non innamorarsi del bel ragazzo della città senza cervello. Invece, è presa dal mostro ferito dell’uomo che la sfida e la tratta con rispetto. Detto questo, è ancora praticamente un bufalo su due gambe.

Il re leone (1994)

Timon e Pumba ne Il re leone

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Nazione: USARegisti: Roger Allers, Rob MinkoffSceneggiatori: Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda WoolvertonAttori: Matthew Broderick, James Earl Jones, Jeremy Irons, Jonathan Taylor Thomas, Moira Kelly, Nathan Lane, Rowan Atkinson, Ernie Sabella, Robert Guillaume, Whoopi Goldberg , Cheech Marino

Normalmente, i bambini non si mettono in fila per vedere un mash-up di  Amleto  e i racconti biblici di Giuseppe e Mosè, eppure la Disney è riuscita a realizzarlo con  Il re leone . Immagino che tutto ciò che serve è Elton John. Complimenti al cantante per aver permesso alla Disney di introdurre i bambini ad argomenti più pesanti, come un padre amato che viene calpestato da una fuga precipitosa di gnu. (Non l’abbiamo ancora superato.)

Il remake del 2019 ha fatto schifo, ma il Re Leone animato originale   rimane una delle storie più strazianti nel catalogo Disney. Ha aperto nuovi orizzonti con l’uso della CGI e ha continuato a generare uno dei musical di Broadway più popolari (e stucchevoli) di sempre. È il quinto spettacolo più longevo nella storia di The Great White Way e lo spettacolo con il maggior incasso di tutti i tempi. Hakuna Matata, piccola. 

Il mago di Oz (1939)

Judy Garland ne Il mago di Oz

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Nazione: USARegista: Victor FlemingSceneggiatori: Noel Langley, Florence Ryerson, Edgar Allan WoolfStar: Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke, Margaret Hamilton

Il  Mago di Oz  si svolge come il tuo peggior incubo: orde di uomini minuscoli e inquietanti con spraytan; una città kitsch che sembra una vetrina natalizia di grandi magazzini; scimmie volanti di dimensioni umane; e una malvagia strega verde che ride maniacalmente per cose che, francamente, non sono particolarmente divertenti. Tuttavia, questo è un film per bambini, e per di più amato.

Anche se  Il mago di Oz  è stato un flop al botteghino al momento del rilascio (ha appena recuperato i tre milioni di dollari spesi per la produzione), ha avuto una seconda vita con le trasmissioni televisive annuali delle festività natalizie a partire dal 1956. Ancora oggi, genitori e figli sono felicissimi di Dorothy, il Leone Codardo, l’Uomo di Latta e lo Spaventapasseri saltano per vedere il Mago. 

Mulholland Drive (2001)

Cast di Mulholland Drive

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Nazione: USARegista: David LynchSceneggiatore: David LynchAttori: Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux, Ann Miller, Robert Forster

Il film più importante del regista David Lynch dai tempi di  Blue Velvet , questo gioiello del 2001 ha lanciato la carriera di Naomi Watts ed è stato votato il miglior film del 21° secolo in un sondaggio della BBC di critici cinematografici internazionali. Originariamente concepito come un pilota televisivo, il film condivide un terreno comune con  Twin Peaks , caratterizzato da una protagonista femminile circondata da un cast di personaggi ottusi e originali.

Mentre  Twin Peaks  flirtava e sovvertiva i classici tropi delle soap opera,  Mulholland Drive  gettava al vento le convenzioni narrative. Il risultato è uno strano ritratto di Los Angeles e Hollywood come un incubo. Ha conquistato Lynch come miglior regista a Cannes, rinvigorendo la carriera del regista veterano e attirando il plauso della critica e del pubblico, un’impresa rara per il maestro del cinema di culto.

Freaks (1932)

locandina del film Freaks

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Paese: USARegista: Tod BrowningSceneggiatore: Willis Goldbeck e Leon GordonStar: Wallace Ford, Harry Earles, Leila Hyams, Olga Baclanova, Roscoe Ates, Henry VictorTod Browning è uno dei registi più importanti del genere horror, se non altro per aver creato il classico  Dracula del 1931 , che ha come protagonista l’iconica Bela Lugosi e si classifica come uno dei più grandi film di mostri di tutti i tempi. Ma Browning è stato anche prolifico prima di  Dracula , girando quasi 50 film in tutti i generi.

Browning ha optato per un realismo inaudito durante il casting del suo prossimo film horror,  Freaks , aggirando i costumi e il trucco per assumere persone con deformità nella vita reale per interpretare un mucchio di stranezze circensi. Per il pubblico dell’epoca,  Freaks  era troppo scioccante per essere digerito. Il film è stato bandito nel Regno Unito e Browning ha visto le sue azioni nel mondo del cinema precipitare fino al punto di non ritorno.

Coloro che non hanno ancora visto  Freaks  dovrebbero cercarlo immediatamente sia per la sua straordinaria audacia che per la sua inquietudine unica. L’audacia di Browning merita un riconoscimento infinito.

Dracula (1931)

Bela Lugosi come Dracula

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Paese: USARegista: Tod BrowningSceneggiatore: Garrett FortStar: Bela Lugosi, Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward Van SloanA seconda di come ti senti riguardo ai vampiri moderni, il turno di Bela Lugosi nell’adattamento classico del regista Tod Browning del Dracula del romanziere Bram  Stoker  è o la più importante performance di recitazione nella storia dell’orrore o il catalizzatore di merda esasperante.

Viviamo con il primo campo, ma siamo anche solidali con il secondo. Interpretando il Conte Dracula nei panni di un incantatore gentile, Lugosi ha stabilito il progetto per i futuri uomini non morti come Bill Compton (Stephen Moyer in  True Blood della HBO ) ed Edward Cullen (Robert Pattinson nei  film di Twilight  ). A merito dell’influente attore ungherese, tuttavia, è stato anche in grado di spaventarci semplicemente osservando una donna addormentata. Lo stesso non si può dire per i vampiri emo di oggi.

Piano 9 dallo spazio esterno (1959)

Poster promozionale per il piano 9 dallo spazio esterno

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Nazione: USARegia: Ed WoodSceneggiatura: Ed WoodStar: Gregory Walcott, Mona McKinnon, Tom Keene, Tor Johnson, Dudley Manlove, Joanna Lee, John Breckinridge, Maila Nurmi (Vampira), Bela LugosiSono passati più di 50 anni dal periodo di massimo splendore di Edward D. Le attività cinematografiche di Wood Jr., eppure l’uomo dietro a fallimenti come il dramma travestito  Glen Or Glenda e Le spose del mostro  con un polipo gigante   rimane il peggior regista di tutti i tempi di Hollywood. È qualcosa di cui essere orgogliosi.

Se Ed Wood fosse ancora vivo oggi, ci auguriamo che si sentirebbe un sacco di gratificazione sapendo che tutti i suoi film reggono come opere non artistiche infinitamente esilaranti; non è quello che intendeva, ed è per questo che funzionano. Il campo forzato non è divertente come la realtà.

Plan 9 From Outer Space  dimostra che i film da vedere non devono essere grandiosi, e nemmeno belli. Il minimo della storia ruota attorno agli alieni che resuscitano i morti della Terra per impedire che un’arma nucleare potenzialmente sconvolgente per l’universo si scarichi. Ma, come in ogni produzione di Ed Wood, la trama è priva di significato, oltre che presentata in modo idiota; la cosa più importante, e più divertente, sono le scene in cui i microfoni a braccio sono chiaramente visibili, le lapidi di scena luccicano ogni volta che i personaggi muovono i piedi, e il chiropratico di Wood va in giro con un mantello sulla bocca per nascondere il fatto che non è la star Bela Lugosi, che è morto all’inizio del processo di ripresa (RIP!).

Psico (1960)

Janet Leigh in Psycho

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Paese: USARegista: Alfred HitchcockSceneggiatore: Joseph StefanoStar: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, Martin Balsam, John GavinFino al 1960 Alfred Hitchcock era conosciuto come il “maestro della suspense”, ma il suo marchio di tensione da brivido era riservato ai thriller e pezzi d’atmosfera noir. Con  Psycho , il suo adattamento dell’omonimo romanzo popolare dell’autore Robert Bloch (basato sul serial killer nella vita reale Ed Gein), Hitch era un uomo in missione. Rispondendo ai critici che avevano detto che aveva superato il suo periodo migliore, il regista provocatorio voleva spaventarli a morte. A sua volta, ha anche definito il film horror moderno come lo conosciamo tutti.

Lo spargimento di sangue è appena visibile, ma  la preoccupazione di Psycho per l’instabilità mentale si raffredda più di qualsiasi quantità di sangue. Anthony Perkins, un ragazzo dall’aspetto insignificante, interpreta Norman Bates, il proprietario di un motel lungo la strada dove la condannata Marion Crane (Janet Leigh) fa il check-in una notte e interferisce con Bates e lo stile di vita della “madre”. I coltelli escono, la colonna sonora stridente del compositore Bernard Herrmann entra in gioco e  Psycho  si fa strada nei libri di storia.

Tra i suoi numerosi elementi di prim’ordine,  Psycho  si distingue per il suo brillante senso di manipolazione del pubblico. A quel tempo, Leigh era una star del cinema di successo, quindi inserirla così presto nel film è stata una mossa ingegnosa (una mossa suggerita dalla moglie di Hitch e dalla sua stretta collaboratrice, Alma Reville). È una tattica che ha stabilito lo standard utilizzato dai successivi registi dell’horror come Wes Craven e John Carpenter per trovare nuovi modi per scioccare davvero e profondamente il pubblico.

La notte dei morti viventi (1968)

Zombie nella notte dei morti viventi

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Paese: USARegista: George A. RomeroSceneggiatori: George A. Romero, John RussoStar: Duane Jones, Judith O’Dea, Karl Hardman, Marilyn Eastman, Keith Wayne, Judith Ridley, Bill Cardille, Kyra SchonChiedi al  creatore di Walking Dead  Robert Kirkman o alla serie originale lo showrunner Frank Darabont: La  notte dei morti viventi di George A. Romero  è il film di zombi più importante di tutti i tempi. È anche uno dei film horror più importanti di tutti i tempi.

L’impostazione è di base: sette persone a caso si barricano all’interno di una fattoria anonima mentre cadaveri carnivori si aggirano all’esterno. Realizzato in modo indipendente nel 1968,  Night Of The Living Dead  ha spinto i confini dell’horror con scene straordinariamente grafiche di cannibalismo e la scelta coraggiosa di avere un protagonista di colore durante l’era dei diritti civili.

Soprattutto, però, è ancora spaventoso da morire. 

Halloween (1978)

Michael Myers ad Halloween

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Nazione: USARegista: John CarpenterSceneggiatori: John Carpenter, Debra HillStar: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasance, Nick Castle, PJ Soles, Nancy Kyes, Brian Andrews

La formula, ormai, è leggendaria: prendi un gruppo di liceali promiscui, inserisci una vergine vestigiale e un killer psicotico e guarda l’orrore svolgersi. L’ Halloween di John Carpenter   non ha inventato l’immagine slasher, ma ha stabilito il livello per tutti quelli che sono seguiti.

Girato per soli $ 325.000, il film ha incassato quasi $ 50 milioni solo al botteghino statunitense, rendendolo, fino ad oggi, uno dei film indipendenti più redditizi di tutti i tempi. Ma il suo successo non è stato un colpo di fortuna. Come spesso accade, è stato il budget limitato a costringere i realizzatori a diventare creativi, trovando modi innovativi per accontentarsi di ciò che avevano, senza lamentarsi dei soldi che mancavano. (Caso in questione: la faccia stranamente vuota di Michael Myers, che è solo una maschera manipolata di William Shatner.)

Girato in 20 giorni, il film è noto anche per il suo lavoro di ripresa, che vede il pubblico identificarsi con il cattivo per la prima parte del film (un dispositivo utilizzato con effetti altrettanto inquietanti in  Psycho di Alfred Hitchcock e Black Christmas  di Bob Clark  ). Mentre le implicazioni di ciò sono state dibattute da molti nel corso degli anni – le femministe si sono schierate da entrambe le parti, alcune hanno definito il film un trionfo per le donne, altre lo hanno definito degradante – lo stesso Carpenter ha respinto tutte le definizioni di  Halloween  come tutt’altro  che  quello che era destinato ad essere: un film dell’orrore, puro e semplice. E per di più innovativo. 

Suspiria (1977)

Ancora promozionale da Suspiria

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Nazione: ItaliaRegia: Dario ArgentoSceneggiatori: Dario Argento, Daria NicolodiAttori: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Miguel Bose, Alida Valli, Joan Bennett

Alcuni film, come  Suspiria , non dovrebbero mai essere rifatti. Anche se la rielaborazione di Luca Guadagnino del 2018 è stata dannatamente buona, nessun regista potrebbe mai eguagliare la pura abilità artistica dell’originale, che è il tipo di film che sembra possa essere stato realizzato solo negli anni ’70.

La prima della trilogia de “Le tre madri” di Argento (  seguita  da Inferno  e  La madre delle lacrime ), Suspiria  è un film giallo horror su una ballerina americana in un’accademia di danza tedesca che ospita una congrega di streghe. Non preoccuparti di provare a sommare tutto, siediti e goditi il ​​giro in Technicolor.

Sottile non lo è. Il film è un ottimo esempio delle scelte stilistiche che sono arrivate a definire il lavoro di Argento – colori vivaci, orchestrazioni di violenza esagerate e inquietanti colonne sonore rock sinfonico (qui fornite per gentile concessione di Goblin) – con il risultato finale che è un incubo qualità che è tanto elegante quanto polarizzante.

Non c’è davvero nessuna via di mezzo con  Suspiria ; lo ami o lo odi. J. Hoberman di The Village Voice lo ha detto meglio quando ha definito  Suspiria  “un film che ha senso solo alla vista”. 

L’esorcista 1973)

Ellen Burstyn ne L'esorcista

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Paese: USARegista: William FriedkinSceneggiatore: William Peter BlattyStar: Ellen Burstyn, Linda Blair, Max von Sydow, Jason Miller, Lee J. Cobb Conoscete l’accordo: è il “film più spaventoso mai realizzato” e quello in cui racconta una ragazza pre-adolescente un prete che sua madre “succhia cazzi all’inferno” e vomita verde su tutto il suo abito cattolico.

L’esorcista  è una pietra miliare dell’orrore che ha bisogno di poche spiegazioni, principalmente perché il film parla da sé. E con “parla” intendiamo “provoca notti insonni e ispira le vesciche molli”.

Il massacro della motosega del Texas (1974)

Immagine promozionale dal massacro della sega a catena del Texas

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Nazione: USARegista: Tobe HooperSceneggiatori: Kim Henkel, Tobe HooperStar: Marilyn Burns, Paul A. Partain, Edwin Neal, Jim Siedow, Gunnar Hansen

I due film horror più importanti alla luce dello stato attuale del genere sono  Halloween  e  The Texas Chain Saw MassacreHalloween  è il prototipo del film slasher. Anche il massacro  della sega a catena del Texas  è uno slasher, ma si distingue da  Halloween  per la sua grinta estrema. Guardare il film di Tobe Hooper del 1974, anche oggi, è troppo come guardare uno snuff film.

È uno dei pochi film che questo scrittore abbia mai visto che, quando l’assassino è apparso per la prima volta, ha innescato un orribile pensiero in loop: “Non voglio guardare questo Non voglio guardare questo Non voglio per guardare questo”. E lo scrittore ha visto molti film dell’orrore. Ma c’è qualcosa di così: sembra sciocco usare una parola priva di significato come “reale”. Non c’è una parola per questo. È semplicemente terrificante.

Il film, sulla carta, è palesemente ridicolo. Famiglia di cannibali. Furgone dei bambini. Morte. Ma davvero, questo film fa paura. Troppo spaventoso. 

La cosa (1982)

Kurt Russell ne La cosa

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Nazione: USARegista: John CarpenterSceneggiatore: Bill LancasterAttori: Kurt Russell, Keith David, Wilford Brimley, TK Carter, David Clennon, Richard Masur

Non è iperbolico dichiarare  The Thing di John Carpenter  il più grande remake di tutti i tempi. In effetti, i registi privi di fantasia che sfornare oggi riavvii senz’anima farebbero bene a studiare questo progetto violento e oscuro su come aggiornare il materiale con un occhio di riguardo alla politica di fine gioco e al nichilismo.

Il film selvaggio di Carpenter rimane fedele alla premessa dell’originale del 1951,  La cosa da un altro pianeta , su un gruppo di ricercatori intrappolati all’interno di un campo norvegese mentre una creatura mutaforma li fa fuori uno per uno. Saggiamente, tuttavia, la posta dell’originale viene notevolmente alzata con una serie di sceneggiate grossolane. Il meglio del gruppo riguarda i personaggi umani del film che vengono legati alle sedie da Kurt Russell nella speranza di scoprire chi è ora un alieno. Messo in scena con alta tensione, la sequenza si sviluppa metodicamente prima di esplodere in una grandiosa vetrina di striscianti inquietanti, casse che si aprono esplodono e volti che si contorcono in tentacoli con i bulbi oculari.

Uno spasso totale che è sia a sangue freddo che accessibile,  The Thing  è uno dei migliori film che normalmente non viene incluso nel canone. Uno dei film per eccellenza da guardare prima di morire.

Velluto blu (1986)

Isabella Rossellini in Velluto Blu

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Nazione: USARegia: David LynchSceneggiatore: David LynchAttori: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell

L’industria cinematografica è piena di tipi strani. Ma nessuno traduce le proprie eccentricità sul grande schermo con la stessa fluidità o la frequenza di David Lynch.

Usando la stessa formula bizzarra che avrebbe reso  Twin Peaks  un tale successo negli anni ’90, Lynch racconta la storia di una cantante sexy (Isabella Rossellini) bloccata sotto il pollice di uno psicopatico che sbuffa nitroso (Dennis Hopper) che tiene in ostaggio la sua famiglia. E poi ci sono i due giovani (Kyle MacLachlan e Laura Dern) che interpretano dei detective adolescenti, legati per svelare il mistero.

Dopo il fallimento al botteghino di  DuneBlue Velvet  è stato il tentativo di Lynch di creare qualcosa di personale. In  Lynch on Lynch , il regista osserva: “Dopo  Dune  ero così giù che tutto andava bene! Quindi era solo un’euforia. E quando lavori con quel tipo di sentimento, puoi rischiare. Puoi sperimentare.”

E l’esperimento ha fatto. Usando lo stile per ammorbidire i suoi atti brutali, il classico di culto dipinge un ritratto surreale della giustapposizione tra Anytown, negli Stati Uniti, e la perversione che si nasconde sotto i suoi prati perfettamente curati. 

Urlo (1996)

I membri del cast di Scream Courteney Cox e Drew Barrymore

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Paese: USARegista: Wes CravenSceneggiatore: Kevin WilliamsonAttori: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Matthew Lillard, Skeet Ulrich, Rose McGowan, Drew Barrymore, Jamie KennedyWes Craven’s  Scream  è uno degli unici film meta-horror mainstream che contano. Per i suoi obiettivi di genere preferiti, lo sceneggiatore ha optato per l’allora modello di film slasher morto, scatenando un assassino mascherato su una banda di giovani ignari (e incredibilmente pettinati), tutti attraenti a livello di pin-up.

Tranne che, in  Scream , le potenziali vittime sapevano molto su come funzionavano i film slasher e la sceneggiatura di Williamson usa abilmente la loro coscienza per sovvertire regolarmente le aspettative del pubblico. Alla fine, il  franchise di Scream  si sarebbe trasformato in film accettabili che si concentrano troppo sulla commedia e quasi per niente sulle paure. Ma avremo sempre l’originale di Craven – e il fatto che sia stato ispirato da eventi veri – da custodire. 

Il progetto Blair Witch (1999)

Ancora da The Blair Witch Project

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Nazione: USARegisti: Daniel Myrick, Eduardo SanchezSceneggiatori: Daniel Myrick, Eduardo SanchezAttori: Heather Donahue, Michael C. Williams, Joshua Leonard

Se, tra 20 anni, ti verrà chiesto per qualche motivo di spiegare la storia dei film horror found footage, dovrai tornare alla fonte, al piccolo indie che potrebbe,  The Blair Witch Project

Uscito nel 1999, il film voleva essere visto come una saggistica, un vero e proprio record di tre studenti che perseguivano una leggenda locale nel Maryland. (Sì, questo è il film che ha generato innumerevoli discussioni con manichini che pensano che le recenti incarnazioni di  Texas Chain Saw Massacre  e  Paranormal Activity  siano basate su eventi reali). Con un costo inferiore a un milione di dollari,  The Blair Witch Project  ha incassato circa 250 volte tale importo.

Ragazza grassa (2001)

100 devi guardare film prima di morire ragazza grassa

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Nazione: Francia e ItaliaRegia: Catherine BreillatSceneggiatura: Catherine BreillatAttori: Anais Reboux, Roxane Mesquida, Libero De Rienzo, Arsinee Khanjian

Troppa poca attenzione viene prestata alle molte registe donne che creano lavori profondamente significativi nell’industria cinematografica. La situazione era ancora più grave all’inizio del secolo, quando la regista francese Catherine Breillat ha realizzato  A ma soeur  –  Fat Girl  en anglais – un film su due sorelle che sperimentano il sesso e la relazione arrabbiata che complica gli stereotipi di genere e amplifica il sessismo in un film horror livelli.

Questo non è un film da “godere” nel senso classico della parola. Lo sopporti e te ne vai con la sensazione di avere un pugno allo stomaco. 

King Kong (1933)

Una foto di King Kong

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Paese: USARegisti: Merian C. Cooper, Ernest B. SchoedsackSceneggiatori: James Creelman, Ruth RoseStars: Fay Wray, Bruce Cabot, Robert ArmstrongSceneggiatori James Creelman e Ruth Rose hanno eseguito un abile okie-doke quando hanno dato  vita a King Kong  nel 1933. A in primo luogo, la gigantesca scimmia è stata presentata come un mostro malvagio, l’indiscussa annunciatrice di sventure per la bellissima attrice Ann Darrow (Fay Wray) quando viene rapita dai nativi della giungla e impiccata come sacrificio a Kong.

Con il progredire della storia, però, Kong si ammorbidisce. Alla fine del film, la bestia un tempo spaventosa si è guadagnata l’affetto del pubblico, conferendo al suo tragico episodio in cima all’Empire State Building un’intensità non comune per i film di mostri.

Dal punto di vista tecnico,  King Kong  è stato davvero rivoluzionario nel ’33. Fondamentalmente, questa produzione della RKO Radio Pictures era solo un gruppo di ragazzi che giocavano con i giocattoli. Tutte le bestie di grandi dimensioni in mostra, dai vari dinosauri allo stesso Kong, erano modelli in miniatura costruiti da Marcel Delgado. Kong era in realtà quattro modelli diversi, incluso uno da 24 pollici utilizzato durante le scene culminanti del film in cima all’Empire State Building.

Ricordi quei film epici che faresti con i personaggi d’azione nella vasca da bagno? King Kong ne  è la versione definitiva. 

Lo squalo (1975)

Richard Dreyfuss e Roy Scheider in Jaws

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Paese: USARegista: Steven SpielbergSceneggiatori: Peter Benchley, Carl GottliebStar: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray HamiltonNel 1974, Lo  squalo del romanziere Peter Benchley è  emerso come un best seller, un thriller improbabile su un grande squalo bianco assassino e il pochi uomini abbastanza coraggiosi da combatterlo. Come un divertente volta-pagina, il libro di Benchley funziona bene, ma è stato solo quando Steven Spielberg ha sopportato una ripresa infernale per completare il suo adattamento di successo del 1975 che il pesce omicida ha guadagnato le sue strisce spaventose.

Per lo più tenuto fuori dallo schermo – il risultato non intenzionale dei regolari malfunzionamenti dello squalo animatronic sul set – l’antagonista subacqueo di Spielberg incute paura nelle ossa degli spettatori attraverso il semplice suggerimento, che si tratti di una telecamera ripresa sotto le gambe penzolanti dei nuotatori o dell’iconica colonna sonora del compositore John Williams. Quando Jaws finalmente mostra i suoi denti affilati come rasoi, gli shock sono feroci. I blockbuster non sono mai stati gli stessi.

Alieno (1979)

Sigourney Weaver in Alien

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Paese: USA e Regno UnitoRegista: Ridley ScottSceneggiatore: Dan O’BannonStar: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Harry Dean Stanton, Veronica Cartwright, John Hurt, Ian Holm, Yaphet KottoA seconda di chi lo chiedi,  Alien  di Ridley Scott è fantascientifico o una storia di una casa stregata ambientata nello spazio. Ad ogni modo, ha assunto un nuovo significato da quando il Dipartimento della Difesa ha pubblicato UFO — scusate, il filmato dell’UAP ad aprile. 

Alien  combina i generi così bene da scrollarsi di dosso la categorizzazione. Sigourney Weaver, nel suo ruolo da protagonista, interpreta l’eroina Ellen Ripley, un membro di un equipaggio che cerca di sopravvivere a un alieno terrificante, veloce e assetato di sangue che si scatena sulla loro nave.

Sotto la sorveglianza di Scott,  Alien  è pieno di paure autentiche, tensione palpabile ed effetti visivi abbaglianti. Parlando di FX, il design dell’alieno, accreditato a HR Giger, è il più bizzarro del suo genere; con una lunga testa a forma di jai-alia a forma di racchetta e braccia e gambe simili a Velociraptor, il mostro del film è materia di incubi intergalattici. È anche il benefattore di uno dei grandi slogan di tutti i tempi del cinema: “Nello spazio, nessuno può sentirti urlare”.

Star Wars: Episodio IV – Una nuova speranza (1977)

Cast di Star Wars: Episodio IV Una nuova speranza

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Paese: USARegista: George LucasSceneggiatore: George LucasStar: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Peter Mayhew, James Earl JonesI più accaniti odiatori di George Lucas potrebbero scrivere volumi sul perché  Star Wars: Episodio IV – A New Hope  è uno dei film più sopravvalutati di tutti i tempi, un’opera spaziale scadente che è invecchiata male dopo essere stata fatta male in primo luogo. Sfortunatamente, il cambio di gioco di Lucas del 1977 è diventato un tale colosso culturale che la sua meraviglia iniziale è stata dimenticata. 

Lanciando una varietà di influenze nella sua macchina da scrivere, dai poemi epici dei samurai di Akira Kurosawa ai western della vecchia scuola e alle immagini delle navi spaziali degli anni ’50, Lucas ha deciso di creare un’epica ambientata completamente sopra le nuvole utilizzando gli effetti speciali più avanzati possibili. Fortunatamente, non si è affidato esclusivamente all’inganno artificiale; Lucas ha dato vita a un flusso infinito di personaggi in carne e ossa colorati e memorabili, robot affascinanti e creature fantasiose per portare a termine la sua elaborata narrativa della missione di salvataggio.

Il primo  film di Star Wars  ha dei difetti, ma i suoi sporadici colpi alla fine vengono attenuati dall’ambizione sfrenata, dall’immaginazione giocosa e dal desiderio di Lucas di spingere il cinema in una direzione in avanti. 

I predatori dell’arca perduta (1981)

Harrison Ford ne I predatori dell'arca perduta

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Nazione: USARegista: Steven SpielbergSceneggiatore: Lawrence KasdanAttori: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, John Rhys-Davies, Ronald Lacey, Denholm Elliot

Sai che un film è arrivato quando è ritenuto storicamente significativo dalla Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti (se fosse stato britannico, sarebbe stato nominato cavaliere). I pionieri del fantasy epico (e gli appassionati di castelli di sabbia, a quanto pare) George Lucas e Steven Spielberg hanno collaborato per un film che mirava al cuore dell’immaginazione americana.

Harrison Ford è il professore malizioso di giorno e il predone di tombe malizioso di notte. Scoprendo i manufatti segreti di civiltà antiche e potenti (e rubandoli), realizza il sogno americano di possedere tutto.

Nel primo film di quella che sarebbe diventata una trilogia (sì, una trilogia, il quarto film non è mai accaduto, e nemmeno il quinto; stiamo chiudendo gli occhi e coprendoci le orecchie, la la la) Indiana Jones si imbatte in un complotto nazista utilizzare l’Arca soprannaturale dell’Alleanza per formare un esercito immortale e conquistare il mondo. Sta andando tutto alla grande fino a quando Indy non li sventa in un modo spavaldo che renderebbe orgoglioso Douglas Fairbanks.

Non mancano le emozioni in quest’opera d’azione del padre del blockbuster. I predatori dell’arca perduta  è stato nominato per nove Academy Awards e ha vinto su tutta la linea per la sua abilità tecnica, spingendo Industrial Light and Magic al suo meglio da nazisti e inseguimento di massi. 

Ritorno al futuro (1985)

Michael J. Fox in Ritorno al futuro

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Paese: USARegista: Robert ZemeckisSceneggiatori: Robert Zemeckis, Bob GaleStar: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. WilsonL’eredità di  Ritorno al futuro  lo definisce come un ottimo intrattenimento popcorn, il che è decisamente accurato. Ma il film di successo di Robert Zemeckis è anche qualcosa di più: è senza dubbio il miglior film sui viaggi nel tempo mai realizzato.

Guardando oltre la vibrante interpretazione di Michael J. Fox (che è grandiosa, intendiamoci) e la presenza pazza di Christopher Lloyd, ciò che spicca è la sceneggiatura ermetica del film, scritta da Zemeckis e Bob Gale. Per natura, i film sui viaggi nel tempo possono trasformare la mente in fango, ma in qualche modo  Ritorno al futuro  è coerente e facilmente digeribile da un capo all’altro.

Ora che abbiamo eliminato il gergo analitico, è tempo di riconoscere quanto sia divertente il film per la famiglia di Zemeckis, dal dialogo vivace tra Fox e Lloyd, all’affascinante svolta nevrotica di Crispin Glover nei panni della versione più giovane del personaggio di Fox. schiocca.

Terminator 2: Il giorno del giudizio (1991)

Arnold Schwarzenegger in Terminator 2

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Paese: USARegista: James CameronSceneggiatori: James Cameron, William WisherStar: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong, Robert Patrick, Joe Morton, S. Epatha MerkersonIl suo personaggio pubblico più santo di te potrebbe spingerci oltre il muro, e  Avatar  è ancora un empio accoppiamento di  Balla coi lupi  e  FernGully  (vuole davvero farne altri tre??) ma dobbiamo consegnarlo a James Cameron: è il re dei sequel.

Dimostrando che il suo straordinario sequel di  Alien , Aliens del 1986  non è  stato un colpo di fortuna, Cameron ha seguito il suo straordinario film di fantascienza  Terminator  con un secondo round più ostentato e in definitiva superiore al suo predecessore.

Arnold Schwarzenegger interpreta ancora una volta il cyborg per lo più silenzioso rimandato dal futuro, anche se questa volta è un bravo ragazzo; il cattivo è un ‘borg in grado di rigenerare il suo guscio umano (vestito con un’uniforme da poliziotto e interpretato con imponente minaccia da Robert Patrick) e deciso a uccidere il giovane John Connor (Edward Furlong).

Cameron non ha sprecato un centesimo del budget di 100 milioni di dollari riportato nel film (una cifra sbalorditiva nel ’91), riempiendo il viscerale  T2  con una quantità ridicola di esplosioni, incidenti stradali, robot a misura d’uomo e trasformazioni corporee. 

Jurassic Park (1993)

T Rex a Jurassic Park

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Nazione: USARegista: Steven SpielbergSceneggiatori: Michael Crichton, David KoeppStar: Sam Neill, Laura Dern, Richard Attenborough, Jeff Goldblum, Joseph Mazzello, Ariana Richards, Samuel L. Jackson, Wayne Knight, Bob Peck

Per i bambini che sono cresciuti amando i dinosauri,  Jurassic Park  ha solleticato le fantasie come nessun altro. Adattato da un romanzo di Michael Crichton, l’avventura dei dinosauri tornati di Steven Spielberg ha tratto grandi benefici dalla maestosa animazione dei dinosauri del defunto gigante degli effetti visivi Stan Winston, creazioni a grandezza naturale che sembravano spaventose da morire e si muovevano con agilità convincente.

Come nel libro di Crichton, alle bestie preistoriche viene data una seconda vita attraverso la sperimentazione con dino-DNA fossilizzato; progettato come un’attrazione privata e costosa su un’isola, Jurassic Park diventa rapidamente il terreno di calpestio per i Velociraptor arrabbiati, un T-Rex affamato e creature che sputano acido.

La magia di  Jurassic Park , come il migliore dei film di Spielberg, sta nella sua capacità di rendere tangibile il fantastico; dalla prima volta che vediamo un brontosauro che mastica le foglie, alla spaventosa introduzione del malvagio Tyrannosaurus Rex, i dinosauri guadagnano più che un’incredulità stropicciata.

La matrice (1999)

Carrie Anne Moss e Keanu Reeves in Matrix

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Nazione: USA e Australia Registi: The Wachowskis Sceneggiatori: The WachowskisStar: Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving, Joe Pantoliano, Marcus Chong Ogni tanto arriva un film così audace, così creativo e tecnicamente avanzato che lascia il pubblico in uno stato di meraviglia “oh-merda”. Nel 1999, questo è esattamente ciò che i Wachowski hanno fatto con  The Matrix .

Matrix  è influenzato dal cinema di kung fu, dagli anime, da Philip K. Dick e dal cyberpunk. È tutto lì mentre l’hacker di computer Neo (Keanu Reeves) si fa strada attraverso i cyber-tiranni in una dimensione alternativa in una missione di libertà che i registi hanno reso con tecniche mai viste, tra cui, notoriamente, l’inganno della telecamera bullet-time.

Speriamo che il quarto film in uscita della serie compensi i due deludenti sequel della Wachowski. 

Il cavaliere oscuro (2008)

Heath Ledger ne Il cavaliere oscuro

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Nazione: USA e Regno UnitoRegista: Christopher NolanSceneggiatori: Jonathan Nolan, Christopher NolanAttori: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Gary Oldman, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, Morgan Freeman

Il Cavaliere Oscuro  ha presentato al pubblico un nuovo tipo di Batman e un nuovo modo di vivere i film sui supereroi. Piuttosto che sembrare uscito da una pagina di un fumetto, la versione di Christopher Nolan sembra stranamente radicata in una realtà tangibile. La sua visione di Gotham è essenzialmente un mix di tutte le principali città americane, che perpetua l’illusione che il tipo di terrore che regna sulla metropoli possa accadere ovunque. E in questa storia di supereroi, il cattivo è alto. 

Dimentica il tuo tipico malfattore in CGI, Joker di Heath Ledger offre a ogni spettatore qualcosa di spaventosamente reale di cui aver paura. Il personaggio è una testimonianza del talento e del sacrificio del compianto attore, che è diventato solo il secondo destinatario postumo di un Oscar.

Entra nel drago (1973)

Bruce Lee in Entra nel drago

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Nazione: Hong Kong, USARegista: Robert ClouseSceneggiatori: Michael Allin Protagonisti: Bruce Lee, John Saxon, Jim Kelly, Ahna Capri, Shih Kien, Robert Wall

Perché  Enter the Dragon  è nel nostro elenco di film da non perdere? È abbastanza semplice. Bruce Lee. Bruce Lee è l’artista marziale più iconico nella storia del cinema. Era, in ogni caso, sovrumano. Enter the Dragon  è il primo film cinese di arti marziali realizzato con la collaborazione di un importante studio americano.

Bruce Lee è in  Enter the Dragon . Nel film, partecipa a un concorso su un’isola (non è mai stato fatto da allora). Prende a calci in culo. Ti piacerà. 

Tigre accovacciata, drago nascosto (2000)

100 devono guardare film prima di morire accucciati tigre

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Paese: Taiwan, Cina, Hong Kong e USARegista: Ang LeeSceneggiatori: Wang Hui-ling, James Schamus, Tsai Kuo JungStar: Chow Yun-fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi, Chang Chen, Cheng Pei-pei

Le arti marziali sono un genere fiorente in Asia, dove i raccolti di eroi d’azione salgono alla celebrità come gli atleti in America. Prima del successo internazionale di Ang Lee, il lavoro di rete e il coordinamento dei combattimenti vivevano principalmente in magazzini e dojo e presentavano storie blande e prevedibili.

Qui, il regista Ang Lee e il coordinatore dei combattimenti Yuen Wo Ping fanno tutte le mosse giuste, utilizzando un cast di attori cinesi di fama internazionale e portando le scene di combattimento all’aperto (incluso l’indimenticabile combattimento con la spada sui rami degli alberi). Con una storia d’amore sincera, un cast impeccabile e abbastanza scene di combattimento per i fanatici del genere, questo film è esploso come una bomba, diventando il film straniero di maggior successo in America. È uno dei rari film stranieri a ricevere una nomination all’Oscar per il miglior film. 

Il terzo uomo (1949)

Ancora da Il terzo uomo

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Nazione: Regno UnitoRegia: Carol ReedSceneggiatura: Graham GreeneAttori: Joseph Cotten, Orson Welles, Alida Valli

Il terzo uomo di Carol Reed  , con una sceneggiatura del famoso romanziere britannico Graham Greene, è un esercizio di anticipazione. Uno scrittore americano (Joseph Cotten) arriva a Vienna non molto tempo dopo la seconda guerra mondiale alla ricerca del suo amico Harry Lime. Tranne che Harry è morto, presumibilmente. Il nostro intrepido scrittore, ricercatore di contro-narrazioni, non è convinto.

Per la maggior parte del film, lo spettatore cerca Harry al fianco dello scrittore attraverso lo splendido chiaroscuro del noir in bianco e nero. Ci sono suggestioni, inquadrature piene di ombre, una partitura incessante che stuzzica e fa salire la suspense. E poi, voilà: Harry, interpretato nientemeno che da Orson Welles.

Harry fa una lezione allo scrittore, spiegando la sua filosofia sulla morte e il potere che raffredda il sangue per quanto sembra vero. La resurrezione dell’ex amico dello scrittore non è un’occasione felice, nemmeno un po’.

Ecco Harry, che giunge al termine del suo famoso discorso “L’orologio a cucù”:

“Come dice il tizio, in Italia per 30 anni sotto i Borgia hanno avuto guerre, terrore, omicidi e spargimenti di sangue, ma hanno prodotto Michelangelo, Leonardo da Vinci e il Rinascimento. In Svizzera hanno avuto un amore fraterno. Hanno avuto 500 anni di democrazia e pace, e che cosa ha prodotto? L’orologio a cucù”.

La filosofia del film è deprimente e l’esecuzione è perfetta. Soprattutto, le sue lezioni sul potere risuonano oggi.

Viale del tramonto (1950)

Sempre da Sunset Boulevard

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Nazione: USARegia: Billy WilderSceneggiatori: Billy Wilder, Charles Brackett, DM Marshman, Jr.Attori: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson

Questo noir è così deliziosamente intrigante che può lasciare qualsiasi idiota a cui non piacciono i film “noiosi” in bianco e nero che bramano di più. Spesso citato come uno dei più grandi film del cinema americano, il film segue uno sceneggiatore in difficoltà che forma un legame inevitabile con un’ex star del cinema muto delirante (con la D maiuscola), Norma Desmond (interpretata dalla vera ex star del cinema muto, Gloria Swanson ).

A parte tutte le sue nomination all’Oscar, incluso il miglior film,  il contributo più maestoso di Sunset Boulevard alla storia del cinema deve essere le sue iconiche (e maniacali) battute finali. Non per rovinare il film, ma ti lascerà in discussione l’idea di sanità mentale. 

È una vita meravigliosa (1946)

Ancora da È una vita meravigliosa

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Paese: USARegista: Frank CapraSceneggiatori: Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank CapraStar: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell È una vita meravigliosa  dovrebbe essere vista da chiunque odi più di quanto apprezzi. James Stewart interpreta un ragazzo appesantito dai debiti finanziari. Dopo aver toccato il fondo, decide di togliersi di dosso. Quindi, un angelo scende dalle nuvole e guida Stewart attraverso la sua sequenza temporale per rendersi conto di quanto sia fortunato.

Il classico del regista Frank Capra si conclude con un’iconica scena finale: Stewart corre attraverso la sua città in giubilo, torna a casa e soffoca la sua famiglia con baci e abbracci accanto a un albero di Natale. Innegabilmente pieno di speranza,  It’s A Wonderful Life  supera ogni scherno grazie alla sua forte recitazione e alle sue argomentazioni radicali per la comunità. 

Casablanca (1942)

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman a Casablanca

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Paese: USARegista: Michael CurtizSceneggiatori: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard KochStar: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid Casabla — bla, bla, bla, giusto? Sbagliato! Sicuramente il titolo è stato citato così tanto da preziosi fanatici del cinema che difficilmente hai la pazienza di dargli una possibilità. Ma ci sono due ragioni molto valide per cui è nella nostra lista di 100 film da guardare: è davvero fottutamente bello e legittimamente importante.

Ambientato a Casablanca, in Marocco, controllata da Vichy, durante la seconda guerra mondiale, il film si concentra sull’espatriato americano Rick Blaine (Humphrey Bogart) mentre lotta tra il mantenimento del suo bar (dove impiega i rifugiati che sono fuggiti dal regime nazista) e il riemergere di il suo amore non corrisposto, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), che ora è sposata con lo stesso tipo di uomo che Blaine cercava di proteggere.

Il film è caduto nel momento perfetto della storia: il 26 novembre 1942, in concomitanza con l’invasione alleata del Nord Africa e la presa di Casablanca. Quindi, il motivo per cui Tom Hanks ha paragonato il film sulla guerra in Iraq del 2008  The Hurt Locker  a  Casablanca  quando ha presentato il film più recente con il suo Oscar per il miglior film.

Vertigini (1958)

Sempre da Vertigine

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Paese: USARegista: Alfred HitchcockSceneggiatori: Alec Coppel, Samuel TaylorStar: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom HelmoreRecentemente incoronato il miglior film mai realizzato dalla rivista britannica  Sight & SoundVertigo  fa appello a due fazioni di amanti del cinema solitamente distinte: fan dell’horror psicologico e coloro che apprezzano una buona storia d’amore.

Jimmy Stewart interpreta John “Scottie” Ferguson, un detective che è colpito da una prepotente paura dell’altezza e la cui fragile psiche viene messa in tilt quando inizia un’indagine sulla giovane e bella moglie di un vecchio amico (Kim Novak). La storia d’amore nasce dalle tenere interazioni di Ferguson con la Madeleine di Novak, tutte gestite delicatamente da Hitchcock per evocare una sincera compassione per entrambi i personaggi.

Per quanto riguarda  il lato oscuro di Vertigo , la seconda metà del film, ricca di colpi di scena intelligenti e rivelazioni sorprendenti, traspone in modo efficace la sanità mentale fatiscente di Ferguson sullo spettatore. Impiegando alcuni ausili visivi poco sottili, Hitchcock manifesta la paranoia interna del personaggio attraverso un caleidoscopio che è allo stesso tempo vertiginoso e ipnotico.

Tempi moderni (1936)

Charlie Chaplin in tempi moderni

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Paese: USARegista: Charlie ChaplinSceneggiatore: Charlie ChaplinAttori: Charlie Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Tiny Sandford, Chester Conklin

Il piccolo vagabondo, l’amato personaggio di Charlie Chaplin che ha debuttato nel 1914, fa il suo ultimo inchino in ottima forma in  Modern Times , mentre fa del suo meglio per adattarsi al mondo che cambia intorno a lui. E le sfide post-depressione che deve affrontare non sono molto diverse da quelle che dobbiamo affrontare oggi: disoccupazione, povertà e la tendenza in corso delle macchine che sostituiscono le persone sul posto di lavoro. (La scena in cui Chaplin diventa letteralmente un ingranaggio al volante di una macchina è un’impresa di commedia fisica che oggi è divertente da ridere come qualsiasi cosa stia facendo Will Ferrell.)

A riprova che le immagini parlano più delle parole,  Modern Times  è il titolo perfetto in quanto definisce la trama e la decisione piuttosto ironica di Chaplin di cestinare la sceneggiatura che era già stata scritta e girare il film come un film muto nel periodo d’oro dei talkie. 

Il Gabinetto del dottor Caligari (1920)

Ancora dal Gabinetto del dottor Caligari

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Paese: GermaniaRegia: Robert WieneSceneggiatori: Hans Janowitz, Carl MayerAttori: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil DagoverIl film horror come lo conosciamo può essere fatto risalire a  Il gabinetto del dottor Caligari , il film muto tedesco del 1920 diretto da Robert Vienna. Prima ancora che il mostro del film, il sonnambulo Cesare, si manifesti,  Caligari  è un’eccellente dimostrazione di inquietudine fuori luogo, un effetto ottenuto da Wiene attraverso la sua decisione di avere tutti i set disegnati in modo astratto come paesaggi onirici popolati da edifici frastagliati dall’aspetto fantastico.

Ma poi Caligari, uno dei grandi dottori pazzi del cinema, manda in città il suo servitore addormentato e controllato ipnoticamente Cesare per rapire la bella Jane Olsen (Lil Dagover). È allora che il film di Wiene raggiunge il suo apice di puro horror e il grado in cui  Il gabinetto del dottor Caligari  è stato influente tra i registi del genere diventa incommensurabile. 

Metropoli (1927)

Sempre da Metropolis

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Paese: GermaniaRegia: Fritz LangSceneggiatura: Thea von HarbouStar: Alfred Abel, Brigitte Helm, Gustav Frohlich, Rudolf Klein-RoggeConsiderando quanto sia maestoso il classico di fantascienza di Fritz Lang  Metropolis  , si può solo immaginare quanto drasticamente siano state spazzate via le menti nel 1927 , quando il film ha debuttato come la produzione cinematografica tedesca più costosa fino ad oggi.

Ogni dollaro è proprio lì sullo schermo, con rivolte su vasta scala, abbaglianti esperimenti di laboratorio e paesaggi distopici che sembrano migliori della maggior parte dei set e degli effetti più costosi e tecnologicamente avanzati di oggi. In parole povere, non puoi definirti un amante del cinema finché non hai visto  Metropolis

2001: Odissea nello spazio (1968)

Ancora da 2001: Odissea nello spazio

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Paese: USA, Regno UnitoRegista: Stanley KubrickSceneggiatori: Stanley Kubrick, Arthur C. ClarkeStar: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester 2001: Odissea nello spazio  non è un vero film, è una trascendenza visiva. Coprendo l’intera esistenza dell’umanità, dagli albori dell’uomo, quando le scimmie facevano festa nelle cave di roccia, a un futuro non identificabile, il monumentale esame di tecnologia, evoluzione e spazio esterno di Stanley Kubrick non segue una struttura narrativa tipica, né asseconda l’attenzione degli handicappati campate. Alla fine della sua durata di quasi tre ore,  2001  non risponde a nessuna domanda e non ha più di 100 battute di dialogo. Fondamentalmente, è Kubrick al suo picco del fottuto status quo.

Allora, qual è il punto di tutto questo? Se ti interessano gli ululati esistenziali,  il 2001  è il cinema più freddo; se sei più incline a scatenare un disastro e guardare film nella speranza di migliorare lo sballo, è un lampo senza fine. Anche prima dell’esteso spettacolo di luci laser che manda un personaggio nel futuro, con l’aspetto di uno screen saver di Windows 95 su PCP,  2001  assalta i sensi attraverso effetti speciali pionieristici che, essenzialmente, hanno rivoluzionato sia il genere fantascientifico che l’intero mezzo. 

Blade Runner (1982)

Harrison Ford in Blade Runner

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Paese: USARegista: Ridley ScottSceneggiatori: Hampton Fancher, David PeoplesStar: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, M. Emmett Walsh, Daryl HannahPer molti versi,  Blade Runner  è uno dei film di fantascienza più accessibili di tutti i tempi. Adattamento liberale del romanzo breve di Philip K. Dick  Do Androids Dream Of Electric Sheep? , il regista Ridley Scott ha modellato il thriller futuristico come il film noir tecnologicamente più avanzato, completo di “dame”. È il tipo di storia che Humphrey Bogart era solito fare, con Harrison Ford che interpreta un detective in pensione in missione per catturare un mucchio di fuggitivi. E chi non ama una bella saga poliziesca vecchia scuola?

La magia di  Blade Runner  è che tecnicamente è tutt’altro che vecchio stile. Il noir incontra Ziggy Stardust, con una scenografia straordinaria mostrata in grande dettaglio attraverso riprese aeree tentacolari. Il mondo di  Blade Runner  è caleidoscopico, pieno di luci al neon e veicoli luminosi che sfrecciano nel cielo. Mentre Ford indossa il suo Dick Tracy, Scott fa di tutto per conquistare  Metropolis di Fritz Lang. Anche il seguito del 2017,  Blade Runner 2049 , è fantastico, ma abbiamo un debole per l’originale. 

Arancia meccanica (1971)

Malcolm McDowell in Arancia meccanica

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Nazione: Regno UnitoRegista: Stanley KubrickSceneggiatore: Stanley KubrickAttori: Malcolm McDowell, Warren Clarke, Patrick Magee, Carl Duering

Arancia Meccanica  è l’audace saluto di Kubrick al libero arbitrio, anche se è avvolto da intenzioni maligne. Il personaggio di Malcolm McDowell, un capobanda di nome Alex che violenta e ruba per i calci, subisce un esperimento di ricondizionamento radicale che altera i suoi riflessi interni; dopo la procedura, il più piccolo impulso a fare del male lo fa sentire male e incapace di difendersi dalle persone vendicative che ha offeso prima della sua trasformazione della personalità.

Ambientato in uno strano futuro in cui le persone pronunciano un gergo intricato con accenti britannici e le donne anziane raccolgono statue di pene giganti, il vertiginoso adattamento di Kubrick del classico romanzo di Anthony Burgess è un film che nessun altro regista, vivo o morto, avrebbe potuto realizzare. La musica, tutta sintetizzatori loopy e bassi echeggianti, tiene lo spettatore nervoso; la casualità della sua violenza, come uno stupro violento ambientato nell’interpretazione a cappella di McDowell di “Singin’ In The Rain”, sfida la moralità; e i tocchi stilistici, in particolare una scena di sesso a tre che è accelerata a una velocità ridicola, come se il dito di qualcuno fosse incollato al pulsante di avanzamento veloce, sono decisamente strani.

Tanto divertente quanto inquietante,  Arancia meccanica  è un film che sembra fresco e pericoloso ad ogni nuova visione. 

Videodromo (1983)

Ancora dal Videodromo

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Nazione: CanadaRegista: David CronenbergSceneggiatore: David CronenbergAttori: James Woods, Deborah Harry, Sonja Smits, Peter Dvorsky

Questo film deliziosamente strano dell’autore canadese David Cronenberg prende la tensione inquietante dei suoi primi lavori, come  The Brood e  Scanners  , e la porta a un livello tutto suo.

Attingendo all’insulso business dell’intrattenimento di consumo,  Videodrome  ruota attorno a un dirigente della televisione via cavo (James Woods) che è alla ricerca del massimo in termini di programmazione (pornografia e violenza, ovviamente). La sua ricerca lo porta a Videodrome, una trasmissione misteriosa e primordiale che intrattiene al punto da mutare la mente (pensa  a Half-Life , non a  Batman Returns ).

Gli effetti speciali, tra cui una vagina pulsante e una videocassetta, sono ancora innegabilmente inquietanti. Trent’anni dopo, i dispositivi sono cambiati, ma il commento di Cronenberg sui cambiamenti che gli esseri umani sperimentano di fronte alla tecnologia rimane urgente. 

Akira (1988)

Il regista di Akira Otomo

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Paese: GiapponeRegista: Katsuhiro OtomoSceneggiatori: Katsuhiro Otomo, Izo HashimotoStar: Nozumo Sasaki, Mitsuo Iwata, Mami Koyama, Tetsusho Genda, Hiroshi OtakeSe questo fosse un conto alla rovescia dei film d’animazione più importanti di tutti i tempi, l’anime di Katsuhiro Otomo  Akira  potrebbe benissimo essere numero uno. Ancora oggi, il film impressiona con le sue grottesche alla David Cronenberg e la brutalità di Akira-Kurosawa-in-Hell. Questo non è per i bambini.

L’epopea di due ore di Otomo era basata sul suo manga omonimo, sulle ricadute di un’esplosione nucleare a Tokyo. Ora chiamata “Neo-Tokyo”, la città devastata è il terreno di gioco per un membro di una banda di motociclisti che usa le abilità psichiche per provocare il caos estremo.

Concettualizzato sulla scala più grande,  Akira  è il tipo di storia a cui si può rendere giustizia solo attraverso l’animazione. È anche senza tempo e potremmo ottenere più  Akira  nel prossimo futuro.

ET l’extraterrestre (1982)

Sempre da ET l'Extra Terrestre

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Paese: USARegista: Steven SpielbergSceneggiatura: Melissa MathisonStar: Henry Thomas, Wallace, Peter Coyote, Robert MacNaughton, Drew Barrymore, C. Thomas Howell Eravamo tutti bambini una volta, diretti all’età adulta con occhi sbarrati, innocenza e meraviglia. Nessun regista nella storia del cinema ha lavorato in questa prospettiva meglio di Steven Spielberg, e pochi film hanno imbottigliato la sensazione di magia pre-adolescente meglio di  ET l’extraterrestre .

Spielberg ha colpito un grande slam sentimentale con il personaggio del titolo, un adorabile invasore spaziale che fa amicizia con un ragazzino di nome Elliot (Henry Thomas) e diventa il migliore amico che un bambino possa mai desiderare. La relazione tra Elliot ed ET è il collante che lega il film di Spielberg; è impossibile guardare  ET  e non desiderare che un piccolo alieno coccoloso atterri nel tuo stesso giardino.

Il club della colazione (1985)

Ally Sheedy e Molly Ringwald in The Breakfast Club

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Paese: USARegista: John HughesSceneggiatore: John HughesStar: Judd Nelson, Emilio Estevez, Molly Ringwald, Ally Sheedy, Anthony Michael Hall, Paul GleasonCome Martin Scorsese per il senso di colpa cattolico o Stanley Kubrick per la fredda sociologia, John Hughes è il re degli adolescenti e  Il Breakfast Club  è il suo lavoro migliore. Scritto e diretto dal defunto anticonformista di Hollywood,  The Breakfast Club  riprende l’impostazione quotidiana del liceo – ragazzi rinchiusi in punizione – e usa la situazione per esplorare la psicologia degli adolescenti sia popolari che socialmente ostracizzati. Potrebbe essere ambientato nel 1985, ma il film divertente e rivelatore di Hughes la dice lunga sui giovani adulti moderni, proprio come 26 anni fa.

Abilmente, Hughes ha scelto con cura le caricature più stereotipate e sistematicamente strappa i preconcetti. L’abrasivo teppista (Judd Nelson) è davvero un caso solitario con seri problemi di papà; l’atleta di punta (Emilio Estevez) fa invidia ai compagni di classe ma sembra non riuscire a rendere felice suo padre; e la ragazza popolare (Molly Ringwald) con cui tutti i ragazzi vogliono andare a letto è in realtà una super pudica. Il Breakfast Club  è come una sessione di terapia di gruppo, solo molto più divertente da guardare. 

I Goonies (1985)

Cast de I Goonies

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Nazione: USARegia: Richard DonnerSceneggiatore: Chris ColumbusAttori: Sean Astin, Josh Brolin, Jeff Cohen, Corey Feldman, Kerri Green, Martha Plimpton, Ke Huy Quan, Anne Ramsey, Joe Pantoliano, Robert Davi, John Matuszak

The Goonies  racconta la storia di un gruppo di ragazzi che cercano di salvare le loro case dalla demolizione, trovano una vecchia mappa del tesoro spagnola di un pirata di nome One-Eyed Willie (in realtà), affrontano i fuggitivi che cercano di rubare il suddetto tesoro e fanno amicizia con un mostro che sembra avrebbe potuto recitare in  The Hills Have Eyes . Ah sì, è un classico racconto di formazione in cui tutti i bambini possono immedesimarsi. Davvero, chi non ha passato tutto questo? Trovare il tesoro dei pirati spagnoli è, tipo, la prima fase della pubertà!

Il film lascia il pubblico con una sensazione di vera nostalgia, nonostante la trama stravagante, della propria infanzia: amici, avventure e calci che eravamo troppo giovani per apprezzare. Ispira l’avventuriero in tutti.

Il Sandlot (1993)

Cast di The Sandlot

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Nazione: USARegia: David Mickey EvansSceneggiatori: David Mickey Evans, Robert GunterAttori: Tom Guiry, Mike Vitar, Patrick Renna, Chauncey Leopardi, Brandon Adams, Marty York, Grant Gelt, Denis Leary, Marley Shelton, James Earl Jones

Baseball, estate, un gruppo dei tuoi migliori amici e una lotta contro un terrificante mastino chiamato “The Beast” – andiamo, cosa c’è da non amare nel film per bambini per eccellenza degli anni ’90? Il Sandlot  ha definito l’estate definitiva, facendoti sentire male quando la tua non è stata all’altezza.

Non solo ti ha riempito di un inestinguibile senso di avventura, il film ti ha messo di fronte a problemi di vita reale nel modo più delicato possibile. Hai problemi con papà? Va bene, non sei solo, perché (mi stai  uccidendo  ) anche il papà di Smalls è assente. Non ti adatti ai bambini perché fai schifo negli sport? Troverai un fantastico amico atletico con un nome come Benny “The Jet” Rodriguez che ti mostrerà le basi. Hai una cotta per un bagnino caldo? Sii un uomo, fingi di annegare e usa la RCP come scusa per baciarla!

Tutto ciò di cui avevi bisogno da bambino, lo puoi trovare guardando  The Sandlot

Toy Story (1995)

100 devono guardare film prima di morire storia di giocattoli

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Nazione: USARegista: John LasseterSceneggiatori: Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen, Alec SokolowStar: Tom Hanks, Tim Allen, Don Rickles, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, John Morris

E il premio per il primo lungometraggio animato al computer va a:  Toy Story .

Oltre al fatto che il primo lungometraggio della Pixar ha aperto le porte ad altri film classici del brillante studio (come  Up  e  Monster’s Inc. ), la sceneggiatura spiritosa e le immagini rivoluzionarie del film hanno spinto molti critici a definirlo il più grande film d’animazione mai realizzato. E non senza motivo: 27 animatori hanno lavorato diligentemente al film, illustrando ogni dettaglio, fino a ogni filo d’erba, per raccontare la storia delle disavventure di due giocattoli perduti – l’iconico duo di Buzz e Woody – che cercano di ritrovare la strada di casa .

Tuttavia,  il più grande risultato di Toy Story  è il suo equilibrio tra nostalgia, meraviglia dell’infanzia e umorismo da adulto con gli occhi annebbiati. Questa è la miscela a cui aspira ogni film per bambini. 

Scarface (1983)

Al Pacino in Scarface

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Nazione: USARegia: Brian De PalmaSceneggiatore: Oliver StoneStar: Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, F. Murray Abraham, Robert Loggia

Se ti piace la cultura pop solo perché ti permette di partecipare alla cultura in generale, devi vedere  Scarface . Ormai, se non l’hai già fatto, devi sentirti come se avessi già visto il remake di Brian De Palma del film di gangster del 1932 su Al Capone. Hai sentito il dialogo campionato nel rap; hai visto Tony Montana (la versione di Capone anni ’80 di De Palma e Stone) e la sua grossa pistola su poster e magliette. Hai giocato  a GTA: Vice City.

Ma i riferimenti e il contenuto parafrasabile non catturano l’esperienza di assistere all’epica sanguinosa. Per perdere davvero la tua anima al fianco di Tony, il rifugiato cubano che diventa un boss e un consumatore di droga, devi trascorrere quei 170 minuti in sua compagnia. 

Quei bravi ragazzi (1990)

Il cast di Quei bravi ragazzi

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Nazione: USARegia: Martin ScorseseSceneggiatori: Martin Scorsese, Nicholas PileggiProtagonisti: Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino

Nel pantheon dei film sui mafiosi americani, il dramma di Martin Scorsese del 1990 è il più realizzato dal punto di vista cinematografico. A 146 minuti, il regista si concede abbastanza tempo per estrarre tutti i dispositivi dal suo kit di strumenti, dal fermo immagine ai tagli saltati ai monologhi che rompono il quarto muro alle riprese di traccia. Oh , quella carrellata.

Facilmente la scena più memorabile del film, ci sono voluti diversi giorni e otto riprese per ottenere la passeggiata Steadicam di Henry e Karen Hill (Ray Liotta e Lorraine Bracco) attraverso Copacabana. doveva  essere giusto, perché funziona come una metafora visiva per la prima prima parte della storia: il mondo meraviglioso è spalancato per questa coppia.

Con l’avanzare del film, così fa anche il ritmo, imitando la velocità con cui la vita di Henry sta andando fuori controllo. È esausto e frenetico. Lo stesso Scorsese intendeva “iniziare  Quei bravi ragazzi  come un colpo di pistola e farlo diventare più veloce da lì, quasi come un trailer di due ore e mezza. Penso che sia l’unico modo in cui puoi davvero percepire l’euforia dello stile di vita e avere un’idea del motivo per cui molte persone ne sono attratte”.

Il padrino (1972)

Marlon Brando nel ruolo di Don Corleone ne Il Padrino

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Nazione: USARegia: Francis Ford CoppolaSceneggiatori: Mario Puzo, Francis Ford CoppolaAttori: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton

Francis Ford Coppola ha adattato il polposo romanzo di Mario Puzo  Il Padrino  in una meditazione d’atmosfera sull’America e sull’innocenza perduta del capitalismo, essenzialmente la carne di tutti i film di gangster. I film di gangster, specialmente quelli belli, parlano quasi sempre del fallimento dell’America (quindi il fallimento del capitalismo) nel proteggere e nutrire la sua gente. L’America non lo farà, e così altre organizzazioni, la mafia, ci proveranno. Ma queste organizzazioni commettono peccati simili. Solo vederli accadere a un piccolo cast di personaggi risuona in un modo più ampio di qualsiasi rapporto macroeconomico. 

“Credo in America.” Queste sono le prime parole pronunciate nel film di Coppola e le immagini poco illuminate di violenza e corruzione faranno di tutto per dissuaderti da questa convinzione. Michael Corleone (Al Pacino) ha resistito a lungo all’impresa di famiglia. Perché credeva nell’America. E così andò in guerra. Solo che l’azienda di famiglia ha bisogno di lui. La sua ascesa all’interno di quell’attività (e la sua simultanea caduta in disgrazia) lo rendono uno dei cattivi più comprensivi del cinema.

Praticamente tutti i film sulla mafia cercano di coprire questo terreno. È solo che nessuno di loro lo fa con la bellezza o la gravità del  Padrino

Cittadino Kane (1941)

Sempre da Citizen Kane

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Nazione: USARegista: Orson WellesSceneggiatori: Herman J. Mankiewicz, Orson WellesStar: Orson Welles, William Alland, Ray Collins, Dorothy Comingore, Joseph Cotten, George Coulouris, Agnes Moorehead, Harry Shannon

Non lasciare che i suoi numerosi riconoscimenti e la posizione saldamente radicata come Il più grande film mai realizzato ti spaventi: Citizen Kane  è all’altezza del clamore.

Dopo aver spaventato a morte il paese con la sua  trasmissione La Guerra dei Mondi  , Orson Welles è stato in grado di scrivere il suo biglietto per Hollywood. E quello che voleva era semplice: controllo totale, dall’inizio alla fine, dalla pre-produzione al post. E l’ha capito. Compreso il taglio finale. Welles ha sfruttato l’opportunità per creare una storia avvincente del sogno americano sotto forma dell’immaginario Charles Foster Kane, un magnate dei media (e versione sottilmente velata di William Randolph Hearst) sulla ricerca definitiva del potere. Odiamo quanto suoni familiare…

Il film ha fatto avanzare il cinema utilizzando una narrativa ricca di flashback che si è formalmente riflessa attraverso la cinematografia incredibilmente profonda, tra le altre innovazioni. 

Sfortunatamente per Welles, il suo picco è arrivato troppo presto. Dopotutto, come si può superare un film che è ampiamente considerato il più grande di tutti i tempi? Welles ha trascorso i suoi ultimi anni mettendo al lavoro la sua voce tonante, narrando di tutto, da  Shogun  a  The Transformers: The Movie

La rete sociale (2010)

Cast di Il social network

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Nazione: USARegista: David FincherSceneggiatore: Aaron SorkinStar: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Max Minghella, Brenda Song, Rashida Jones, Joseph Mazzello, Rooney MaraDefinito erroneamente come “il film di Facebook” prima della sua uscita,  The Social Network  ha dimostrato che, quando è nelle mani di una mente come David Fincher, i modi di pugnalare alle spalle dei ragazzini intelligenti e fastidiosi possono creare un cinema avvincente. La sceneggiatura del film, scritta dal peso massimo dell’industria Aaron Sorkin, ruggisce con dialoghi nitidissimi, umorismo ben posizionato e la perfetta fusione di più punti di vista.

Anche se i personaggi sono irritanti figli di privilegi, Jesse Eisenberg (nei panni del profondamente sgradevole Mark Zuckerberg) e Andrew Garfield sono infinitamente accattivanti, così come Justin Timberlake nei panni del Sean Parker di Napster. 

Toro scatenato (1980)

Robert De Niro in Toro scatenato

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Nazione: USARegia: Martin ScorseseSceneggiatori: Paul Schrader, Mardik MartinAttori: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana, Frank Vincent

Vai avanti e fai un elenco dei migliori film sportivi e posiziona  Toro scatenato  in cima. È una decisione facile, perché la maggior parte dei film sportivi fa schifo, soprattutto perché non riescono a uscire dal gioco.

Il miglior film di Martin Scorsese riguarda lo spazio di testa dell’atleta, in questo caso il pugile Jake LaMotta. Per un film sportivo, c’è poco tempo da trascorrere sul ring, e quando le telecamere si muovono tra le corde, è in un anello che è plasmato formalmente dall’interiorità feroce e turbolenta di LaMotta. Torna indietro e guarda di nuovo i combattimenti: vedrai che Scorsese distorce la tela, la rimpicciolisce o la rende vasta, a seconda dell’umore di LaMotta. Durante un incontro, ha filmato la lotta con il fuoco che bruciava sotto l’obiettivo e le ondate di calore distorcono le immagini.

Esci di qui con le sciocchezze sportive. Raging Bull  parla della bruttezza intrinseca della mascolinità come è stata concepita per generazioni. Essere un uomo in  Raging Bull  significa essere deformato dalla gelosia, dall’inferiorità, dal disprezzo di sé. È la mascolinità come mostruosità. Non c’è da stupirsi che l’Academy abbia assegnato il premio per il miglior film nel 1980 a  Persone ordinarie , un dramma da salotto. La verità non era abbastanza carina. 

Tassista (1976)

Robert De Niro in Taxi Driver

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Nazione: USARegia: Martin ScorseseSceneggiatore: Paul SchraderAttori: Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel

Siamo saldamente nella sezione De Niro di questa lista di film da non perdere.

Hai sentito la sua battuta più famosa di  Taxi Driver  prima di vedere il film: “Mi parli?” Ma nello sporco capolavoro degli anni ’70 di Martin Scorsese, è la frase successiva a essere più importante: “Perché qui non c’è nessun altro”.

Com’è strano che un film dominato da un punto di vista – razzista, sessista e generalmente disturbato, per di più – sia diventato la massima espressione di New York City, un luogo fatto di milioni di prospettive. Eppure molti di noi sono attratti da Travis Bickle, il tassista che vuole solo ripulirsi, magari farsi un amico. E se non funziona, si accontenterà di ripulire la sua città.

Suona familiare?

Questo è il riassunto meno la psicosi, ma il fantastico potere di  Taxi Driver  risiede in quella psicosi. Guardando, ti impegni per due ore nello spazio di testa di Bickle. Non c’è via d’uscita dallo squallido neon gocciolante dei cinema porno di Times Square e dai protettori appostati fuori dai walk-up dell’East Village.

In effetti, l’immaginazione americana non può sfuggire a  Taxi Driver , anche a 44 anni dall’uscita del film. Quando senti qualcuno che vive in città da appena un mese lamentarsi del fatto che Manhattan si sta trasformando in Disneyland, ricorda  Taxi Driver , una New York che ha vissuto attraverso i film. New York è tanto un film quanto un luogo reale. 

Roccioso (1976)

Sylvester Stallone e Carl Weathers in Rocky

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Nazione: USARegista: Sylvester StalloneSceneggiatore: Sylvester StalloneAttori: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Burgess Meredith

Sylvester Stallone è diventato famoso con  Rocky , vincitore del premio per il miglior film nel 1976 . L’ispirato film sportivo in stile David v. Goliath è stato una chiave di volta che ha stabilito lo standard per un intero genere di film. Rocky  riesce in particolare nei suoi montaggi di allenamento, con immagini memorabili di Stallone che corre per le strade particolarmente sporche di Filadelfia, sale i gradini del Museum of Arts, prende a pugni carcasse di carne e si fa dondolare con le sue tipiche tute grigie.

Questa meraviglia del montaggio ha ispirato migliaia di persone a correre per la loro città natale con l’aspetto di un pasticcio sudato, alzando le braccia per celebrare glorie immaginarie, forse anche strappando un paio di grida gutturali di “Adrian!” 

Chinatown (1974)

Jack Nicholson e Faye Dunaway a Chinatown

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Nazione: USARegista: Roman PolanskiSceneggiatore: Robert TowneAttori: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, Diane Ladd, John Hillerman, Darrell Zwerling

Pensa a quello che farai di Roman Polanski a livello personale (è disgustoso). Da un punto di vista artistico, non si può negare la sua genialità; è un autore ricco di sfumature che è stato citato come fonte di ispirazione da decine di registi internazionali, da Wes Craven a Wes Anderson, Darren Aronofsky a David Fincher. Chinatown  è il suo capolavoro.

Questo film del 1974, basato sulle guerre dell’acqua della California che hanno avuto luogo nella prima parte del secolo, è un complesso neo-noir in cui l’investigatore privato Jake Gittes (Jack Nicholson) si allea con la casalinga/femme fatale Evelyn Mulwray (Faye Dunaway). ) per scoprire chi ha ucciso suo marito.

Il film ha segnato il ritorno di Polanski a Hollywood, cinque anni dopo il raccapricciante omicidio della moglie incinta, l’attrice Sharon Tate, per mano dei seguaci di Charles Manson. Ed è stato per volere del super-produttore degli anni ’70 Robert Evans che Polanski ha accettato il lavoro; Evans ha ritenuto che l’eredità europea di Polanski e il suo background tormentato avrebbero potuto conferire  a Chinatown  un tocco decisamente più oscuro. Lui aveva ragione.

Nonostante le opinioni contrarie di Evans e dello sceneggiatore Robert Towne, è stato Polanski a insistere sul fatto che il finale del film fosse decisamente infelice, una rarità a Hollywood (sì, anche negli anni ’70). 

Apocalisse ora (1979)

Ancora da Apocalypse Now

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Paese: USARegista: Francis Ford CoppolaSceneggiatori: John Milius, Francis Ford CoppolaStar: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Laurence Fishburne, Dennis Hopper, Frederic Forrest, Sam Bottoms, Albert Hall, Harrison FordLa maggior parte dei film di guerra mira a immergere gli spettatori nella violenza e brutalità del combattimento; L’ipnotico e devastante Apocalypse Now di Francis Ford Coppola  , d’altra parte, rifugge gli ideali tradizionali sull’obiettività realistica del quadro di guerra.

Messo in scena con il potere allucinogeno di un viaggio acido, l’iconico adattamento del regista della classica storia di Joseph Conrad  Heart Of Darkness  avvolge le sue zampe ricoperte di vernice mimetica attorno al tuo cervello e lancia granate visive: rituale macellazione di animali, la morte di un giovane combattente sotto forma di nastro adesivo. il saluto registrato di sua madre suona, bombardamenti notturni che illuminano il cielo come fuochi d’artificio.

La sua reputazione di essere uno degli esami più ossessionanti e punitivi del lato oscuro dell’uomo mai messo su pellicola è del tutto guadagnata. 

Il buono, il brutto e il cattivo (1966)

Ancora da Il buono, il brutto e il cattivo

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Nazione: ItaliaRegia: Sergio LeoneSceneggiatori: Age & Scarpelli, Sergio Leone, Luciano VincenzoniAttori: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach

Se vedi solo uno spaghetti western, deve essere  Il buono, il brutto e il cattivo di Sergio Leone . Gli elementi della trama sono semplici e in definitiva non importanti: un ricercato, una scorta d’oro, un sacco di pistole. Da queste parti in movimento di base nasce un’epopea travolgente che riesce grazie all’impareggiabile colonna sonora del maestro Ennio Morricone, alla splendida fotografia con inquadrature infestate che Malick deve invidiare e all’iconica immagine di Clint Eastwood che vedi sopra. I film di Leone, e questo in particolare, hanno reso Eastwood quello che è oggi (recenti opinioni discutibili a parte).

Tarantino lo definisce uno dei suoi film da non perdere. È probabile che tu lo voglia. 

Il mazzo selvaggio (1969)

Il cast di The Wild Bunch

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Nazione: USARegista: Sam PeckinpahSceneggiatori: Sam Peckinpah, Walon GreenStar: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O’Brien, Warren Oates, Jaime Sanchez, Ben Johnson

Parliamo di violenza. Uscito nel 1969, due anni dopo  che Bonnie e Clyde  avevano lasciato che gli squib scoppiassero e il sangue volava, l’alcolista e regista americano Sam Peckinpah ha realizzato un film che si dilettava con il tipo di grinta che diamo per scontato nei nostri western. The Wild Bunch , su un gruppo di sciatti banditi che si trovano ad affrontare un mondo mutevole e ancora più corrotto di quello in cui già abitano, ha aperto la strada a classici recenti come  Unforgiven  e  Deadwood .

Usando il rallentatore e un montaggio aggressivo, Peckinpah ha rappresentato il danno del proiettile contro la carne in un modo che ha fatto indietreggiare il pubblico. La frustrazione di un paese in guerra è in questa immagine. In questo film c’è la frustrazione di un regista i cui demoni interiori alla fine avrebbero avuto la meglio su di lui. La morte è in questa foto. 

Sette Samurai (1954)

Locandina del film I sette samurai

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Paese: GiapponeDirettore: Akira KurosawaSceneggiatori: Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo OguniStar: Takashi Shimura, Isao Kimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Minoru Chiaki, Seiji Miyaguchi, Toshiro Mifune Seven Samurai  è ampiamente considerato uno dei più importanti e esperti -realizzato film fuori tutto il tempo, in qualsiasi paese. Diretto, montato e co-scritto da Akira Kurosawa nel 1954, è un racconto violento ed epico (che dura più di tre ore) di vendetta e onore. Sembra una descrizione applicabile a qualsiasi film di arti marziali, no? Forse, tranne per il fatto che tutti gli altri esempi del genere vorrebbero fossero i  Sette Samurai .

Sette samurai vengono assunti dai residenti di un villaggio povero e oppresso per la protezione contro bande di criminali durante la fine del 1500. Con una trama così semplice,  Seven Samurai  avrebbe potuto facilmente progredire con il controllo della velocità di crociera e precedere di 56 anni la monotonia senza storia e la forza insensata di  The Expendables  . Kurosawa non è caduto così, però. In questo gioiello, i personaggi sono tutti ben disegnati, le performance hanno colpito nel segno e, non a caso, le sequenze d’azione sono enormi e perfettamente eseguite.

E su quella trama “semplice”:  Seven Samurai  è accreditato come il primo film in cui un gruppo di esperti viene riunito per una causa comune, un dispositivo narrativo che è stato poi rimaneggiato a morte. Il tropo della trama multi-eroe è così comune al giorno d’oggi che in realtà è difficile accettare che ci sia stato un “primo” nel suo genere. Anche i film senza un solo momento di gioco con la spada hanno morso lo stile di Kurosawa, pensa a  Ocean’s Eleven  e ai suoi sequel. 

Rashomon (1950)

Scena tratta da Rashomon

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Paese: GiapponeRegista: Akira KurosawaSceneggiatori: Akira Kurosawa, Shinobu HashimotoStar: Toshiro Mifune, Masayuki Mori, Machiko Kyo, Takashi Shimura, Minoru ChiakiIl più intricato dei film di Kurosawa, il rivoluzionario  Rashomon  è ancora sbalorditivo 60 anni dopo il fatto. Rashomon , raccontato attraverso gli occhi di quattro diversi personaggi, è un dramma in tribunale meno qualsiasi luogo legale o cliché: l’inferno,  Rashomon  ha stabilito molte delle idee narrative che da allora si sono trasformate in cliché.

La trama: dopo che una donna è stata violentata e suo marito massacrato, un quartetto di testimoni racconta le loro versioni degli eventi, contraddicendosi spesso a vicenda e trasformando la storia nel mistero di una zia Anne che è difficile da decifrare la prima volta.

I fan degli spettacoli di avvocati e poliziotti hanno senza dubbio familiarità con “l’ effetto Rashomon  “, anche se non se ne rendono conto. Per ampliare un po’ le cose, praticamente qualsiasi pezzo di narrativa giallo raccontato attraverso i resoconti di testimoni oculari deve la sua esistenza a questo capolavoro di Kurosawa. Hollywood ha cercato più volte di emulare  Rashomon , a volte bene ( Courage Under Fire ), e altre volte in modo così inetto che vorresti che Kurosawa potesse schiaffeggiare i produttori dall’oltretomba ( Vantage Point ). 

Senza fiato (1960)

Jean Paul Belmondo e Jean Seberg in Senza fiato

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Paese: FranciaRegista: Jean-Luc GodardSceneggiatore: Jean-Luc GodardAttori: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin

Il primo lungometraggio di Godard è uno dei manufatti originali e più noti del movimento francese della New Wave degli anni ’50 e ’60. Breathless  ha espresso l’amore del regista per il pulp americano e il neorealismo italiano, utilizzando tecniche tecnicamente impegnative (tagli saltati, riprese lunghe) e sperimentando la narrativa.

La cosa migliore di Godard, specialmente nei suoi primi lavori, è che il suo intellettualismo non diventa mai troppo serio. Breathless  presenta un Jean-Paul Belmondo più grande della vita, un bambino grande quanto un uomo vestito da gangster, che corre per Parigi come se fosse un parco giochi, inseguendo il piacere scappando dalla noia (e dalla legge). Spara a un poliziotto e incontra una donna (l’irresistibile Jean Seberg). Sulla carta, la trama sembra incompiuta, ma i numerosi fan del film (si è guadagnato un cenno nel video “Bang Bang” di Beyonce e Jay-Z) dimostrano che merita assolutamente un posto nella nostra lista di film da non perdere. 

Il settimo sigillo (1957)

Personaggio de Il settimo sigillo

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Nazione: SveziaRegista: Ingmar BergmanSceneggiatore: Ingmar BergmanAttori: Max von Sydow, Bengt Ekerot, Gunnar Bjornstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson

Questo racconto fantasy sparso ma epico della Svezia medievale segue il cavaliere Antonious Block (Max Von Sydow) mentre gioca a scacchi con la Morte – indovina chi vince – ritardando il Mietitore in modo che possa compiere un ultimo atto utile prima di morire. Nel frattempo, raduna inavvertitamente una carovana che viaggia attraverso la terra devastata dalla peste, incontrando sciocchi, fanatici religiosi, famiglie e una presunta strega.

Il successo del film non deriva dalla sua accuratezza come pezzo d’epoca, ma dalle domande senza tempo che pone sulla fede e sull’esistenza. L’aspetto della Morte come una figura dalla faccia bianca con una veste scura è stato imitato e parodiato a non finire, spesso da Woody Allen, che definisce  Il settimo sigillo  il suo film preferito.

Il film è stato girato in soli 35 giorni, con un budget di 150.000 dollari. Il settimo sigillo  ha stabilito saldamente Bergman come un regista di livello mondiale che avrebbe continuato a produrre un lavoro bello e stimolante per il resto della sua carriera.

Fai la cosa giusta (1989)

Ancora promozionale da Do The Right Thing

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Nazione: USARegista: Spike LeeSceneggiatore: Spike LeeStar: Spike Lee, Danny Aiello, Ossie Davis, Ruby Dee, Giancarlo Esposito, John Turturro, Rosie Perez

Il 1989 è stato un anno molto positivo per il movimento cinematografico indipendente americano. Incanalando la consapevolezza politica dei registi della New Hollywood degli anni ’70, Spike Lee ei suoi fratelli della fine degli anni ’80 (tra cui Steven Soderbergh, Michael Moore e Jim Jarmusch) annunciarono l’arrivo di un nuovo tipo di regia.

Come la maggior parte dei film di Lee,  Do the Right Thing , la storia di tensioni razziali sfociate in violenze nel giorno più caldo dell’estate, è stata oggetto di controversie al momento della sua uscita. Esperti culturali di mentalità chiusa hanno suggerito che il film avrebbe probabilmente innescato una serie di atti ribelli simili.

Nel 2008, ha detto al  New York Magazine : “Persone come Joe Klein e David Denby sentivano che questo film avrebbe causato rivolte. I giovani maschi neri avrebbero emulato Mookie e lanciato bidoni della spazzatura attraverso le finestre. Ad esempio, ‘Come osi far uscire questo film in estate: sai come arrivano in estate, è come giocare con il fuoco.'”

Nessuna violenza è venuta dal film, ma ha acceso un dialogo, che continua ancora oggi, sulle tensioni ancora ribollenti che esistono nel mondo ma sono spesso negate o insabbiate. E il film ha superato la prova del tempo; è altrettanto preveggente e rilevante oggi come lo era 30 anni fa. Non male per una sceneggiatura che ha richiesto a Spike due settimane per essere scritta. 

Canzone Baadasssss di Sweet Sweetback (1971)

La troupe sul set di Baadasssss Song di Sweet Sweetback

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Paese: USARegista: Melvin Van PeeblesSceneggiatore: Melvin Van PeeblesStar: Melvin Van Peebles, Hubert Scales, Simon Chuckster, John Amos

In 19 giorni nel 1971, Melvin Van Peebles ha diretto, prodotto e interpretato  Baadasssss Song di Sweet Sweetback , il film indipendente che ha anche scritto (interpretato da Earth, Wind & Fire) e scritto. L’anno prima, Van Peebles aveva realizzato  Watermelon Man  per la Columbia, una commedia su un bigotto bianco che si sveglia nero. Per il suo seguito, Van Peebles voleva fare qualcosa di ancora più antagonista, una storia ruvida su un cattivo figlio di puttana che contrasta con l’autorità bianca. La Columbia era senza fegato; Van Peebles avrebbe dovuto cavarsela da solo.

Melvin Van Peebles ha fatto il suo film sul suo cattivo figlio di puttana, Sweet Sweetback, lui con il cazzo lungo e senza scopare, e grazie a dio l’ha fatto. Solo per i campioni,  Baadasssss Song di Sweet Sweetback  vale il suo peso in vinile (in particolare, Madlib ha cercato momenti scelti del dialogo per molti dei suoi progetti). Al di là del rap,  Song  è in gran parte accreditato di aver iniziato il genere Blaxploitation. Ha ispirato decine di registi neri, tra cui Spike Lee. 

Sesso, bugie e videocassetta (1989)

Cast di sesso, bugie e videocassetta

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Nazione: USARegia: Steven SoderberghSceneggiatore: Steven SoderberghAttori: James Spader, Andie MacDowell, Peter Gallagher, Laura San Giacomo

Nel 1989, il cinema indipendente americano ha ottenuto la spinta necessaria per creare opere come  Pulp FictionThe Shawshank Redemption  e altre opere importanti. La spinta è arrivata sotto forma di Sex, Lies e Videotape , vincitore della Palma d’Oro di Steven Soderbergh al Festival di Cannes del 1989. Da lì, tutti i principali studi hanno voluto entrare. I film indipendenti come li conosciamo oggi, specialmente come genere, con uno stile e tropi specifici, sono nati.

Sinceramente,  Sex, Lies, and Videotape  sembra addomesticato oggi. Che è in realtà ciò che lo rende uno dei nostri film da non perdere. Segue Ann (Andie MacDowell), una donna in un matrimonio senza sangue con John (Peter Gallagher). Quando il vecchio compagno di college di John (James Spader) arriva in città con una videocamera e si lancia per scendere, tutto cambia.

Giù per legge (1986)

Personaggio in Down By Law

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Nazione: USARegia: Jim JarmuschSceneggiatore: Jim JarmuschAttori: John Lurie, Tom Waits, Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Ellen Barkin

Il padrino indipendente Jim Jarmusch, lui stesso un vecchio impassibile, ha seguito il suo film di successo  Stranger Than Paradise  con un’altra commedia di vagabondi, questa volta con musicisti grizzly (Tom Waits, John Lurie) al fianco dell’adorabile strano Roberto Benigni in un film jailbreak che rinuncia a  The Great Escape  modello per un dramma in scala ridotta su momenti tranquilli e occasionali esplosioni di follia.

I tre atti di questa commedia ben adattata infrangono la maggior parte degli stereotipi dei film carcerari (nonostante sia ambientata sul Bayou) e persino molti standard della commedia (Benigni offre sia sollievo comico che speranza per gli americani un po’ senz’anima). Jarmusch lavora su piccola scala, portando una macchina fotografica lenta e curiosa ai suoi soggetti. Pochi nei film americani hanno questo tipo di pazienza o hanno un’opinione così alta dei loro spettatori. 

Pulp Fiction (1994)

Foto promozionale da Pulp Fiction

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Paese: USARegista: Quentin TarantinoSceneggiatore: Quentin TarantinoStar: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, Maria de Medeiros, Ving Rhames, Eric Stoltz, Christopher Walken, Bruce WillisHa altri film negli ultimi tempi la memoria ha generato più imitatori del successo di Quentin Tarantino? E non solo film polizieschi. Tutto, da  Donnie Darko  a  Juno  , ha preso in prestito dalla  sintesi intelligente di detriti della cultura pop di  Pulp Fiction . Ciò che separa l’ideatore dalle pallide imitazioni, però, è il senso della posta in gioco reale.

In definitiva, il film non è una battuta dopo l’altra. Ricordi l’umorismo, i discorsi sui massaggi ai piedi e la materia cerebrale, ma tutto serve a una fine seria. La scena finale dell’opera più celebre di Tarantino, in cui il sicario Jules (Samuel L. Jackson) spiega la sua filosofia di vita, risuona in un modo che va oltre i riferimenti alla TV cult degli anni ’70. 

Salvare il soldato Ryan (1998)

Matt Damon in Salvate il soldato Ryan

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Paese: USARegia: Steven SpielbergSceneggiatore: Robert RodatAttori: Tom Hanks, Matt Damon, Tom Sizemore, Edward Burns, Barry Pepper, Adam Goldberg, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Jeremy Davies, Ted Danson Saving Private Ryan , il racconto di Steven Spielberg di Il D-Day cruciale della seconda guerra mondiale non lesina sul sentimento. Con un vasto insieme di personaggi colorati, guidati dal resiliente capitano dell’esercito di Tom Hanks, Spielberg livella lo spettatore con una serie di sequenze di battaglie viscerali, ma anche con una caratterizzazione intricata. E la storia centrale è un knockout: Matt Damon interpreta un soldato scomparso i cui tre fratelli sono stati uccisi in azione, ispirando Hanks a condurre una missione di ricerca e salvataggio per salvare un uomo, anche se molti saranno uccisi nel processo.

I conflitti di “Dovrebbero molti morire per aiutarne uno?” forniscono emozioni sufficienti per Spielberg da mungere, ma i lampi di fine libro del film ai tempi moderni sono i suoi più maturi fornitori di giochi d’acqua visivi: il personaggio di Damon, ora un vecchio, porta la sua famiglia sulla tomba di Hanks, un’immagine potente rafforzata dalla vista di una bandiera americana e una partitura suggestiva.

Sentimento a parte, la scena di apertura è obbligatoria per gli amanti del cinema.

La sottile linea rossa (1998)

I membri del cast di The Thin Red Line Sean Penn e Nick Nolte

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Nazione: USARegista: Terrence MalickSceneggiatore: Terrence MalickStar: Sean Penn, Adrien Brody, Jim Caviezel, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Dash Mihok, Elias Koteas, Jared Leto, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, John Travolta

Siamo fortunati, tutti noi. Terrence Malick è tornato sotto i riflettori, girando regolarmente film. Non è sempre stato così. Quando  The Thin Red Line , il miglior film di guerra americano degli ultimi decenni, è uscito nelle sale, erano trascorsi 20 anni dal suo ultimo lungometraggio. 

Il film di guerra di Malick non è come gli altri. Come regista, il famigerato recluso è più interessato alla possibilità della voce umana abbinata a immagini in movimento che ai tradizionali scambi di dialoghi che servono la storia. È più interessato alla possibilità di tagliare tra fili d’erba e soldati che si muovono nei ruscelli e un uccello paralizzato a terra rispetto al tradizionale montaggio trasparente.

Malick è un artista e la sua imperfetta  The Thin Red Line  è la sua pesante meditazione sulla grazia, la natura e la distruzione. Ti inginocchi davanti. 

Fargo (1996)

Frances McDormand a Fargo

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Paese: USA, Regno UnitoRegisti: Joel CoenSceneggiatori: Joel Coen, Ethan CoenStar: Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Harve Presnell, Peter StormarePrima della favolosa serie TV che ha ispirato, Fargo dei fratelli Coen   è stato un ottimo esempio di mix di generi. Alcuni potrebbero vederlo come un semplice dramma poliziesco, ma ciò ignorerebbe l’umorismo estremamente impassibile che trasforma il film in qualcosa di molto più inquietante.

Un capo della polizia incinta (Francis McDormand) sta indagando su una serie di omicidi nella città di Fargo, nel North Dakota, mentre segue anche le gesta di un uomo (William H. Macy) che ha ingaggiato due criminali per rapire sua moglie. Peter Stormare e Steve Buscemi interpretano l’aiuto assunto. Non potrebbero essere più pessimi nel loro lavoro.

La tragica coppia tira fuori l’umorismo dal banale macabro, come nella scena in cui litigano come una coppia sposata su come dividere la loro auto appena rubata. Buscemi cura per tutto il tempo una ferita da arma da fuoco. Dovresti sentirti in colpa per aver riso? I Coen rimangono impassibili, sfidandoti a reagire. 

Ricordo (2000)

Cast di Memento

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Nazione: USARegista: Christopher NolanSceneggiatore: Christopher NolanAttori: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano, Stephen Tobolowsky

Il film che ha consolidato Christopher Nolan come un talento internazionale è stata un’operazione a basso budget che ha avuto successo grazie alla sua presunzione. Memento parla di  un uomo, Leonard Shelby, che ha perso la capacità di creare nuovi ricordi. Questo rende difficile trovare e catturare gli uomini che hanno violentato e ucciso sua moglie, quindi usa un complesso sistema di note e tatuaggi per ricordare a se stesso il suo obiettivo.

Il film si muove contro il tempo, svolgendosi in ordine cronologico inverso. Sì, non è andato bene nella nostra classifica dei progetti di Christopher Nolan, ma è comunque un film da non perdere, uno che si sviluppa fino a un climax devastante che ti lascerà scosso molto tempo dopo i titoli di coda.  

Requiem per un sogno (2000)

Jennifer Connelly e Jared Leto in Requiem for a Dream

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Paese: USARegista: Darren AronofskySceneggiatori: Darren Aronosfky, Hubert Selby, Jr.Star: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon WayansNon è da poco etichettare  Requiem for a Dream , un film su quattro tossicodipendenti sulla strada dell’auto- distruzione, uno dei film più deprimenti mai realizzati. Ad ogni svolta, il regista Darren Aronofsky mette in primo piano il tono pessimistico del film, non più che durante  il vertiginoso e implacabile atto finale di Requiem . Con una frenesia allarmante, Aronofsky utilizza tutti i tipi di trucchi della telecamera per disorientare lo spettatore oltre ogni immaginazione, mostrando le estremità di tutti e quattro i personaggi in un ribollimento di immagini.

Dopo la sua uscita, il film è diventato il film sulla droga per eccellenza, spodestando  Trainspotting  nei dormitori di tutto il mondo. È anche uno degli adattamenti cinematografici di maggior successo di sempre. Ovviamente, deve aver aiutato il romanziere Hubert Selby, Jr. a collaborare strettamente con Aronofsky durante il processo. 

Fame (2008)

100 devono guardare film prima di morire di fame

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Nazione: Regno Unito, IrlandaRegista: Steve McQueenSceneggiatori: Enda Walsh, Steve McQueenStar: Michael Fassbender, Liam Cunningham

Il debutto dell’artista visivo britannico Steve McQueen si concentra sullo sciopero della fame del 1981 organizzato dall’agente dell’IRA incarcerato Bobby Sands (Michael Fassbender). Il potere del film sta nell’attenzione ai dettagli fisici piuttosto che nei dialoghi: l’espressione delle guardie prima di un pestaggio controllato, la pulizia di un corridoio pieno di piscio, i respiri affannosi di un moribondo.

Girato con un occhio pittorico per la composizione,  Hunger  è un calvario. Gli spettatori sono fatti per sopportare la realtà del corpo umano sotto costrizione, e non c’è nient’altro di simile. McQueen ha vinto numerosi premi e borse di studio per il suo primo lungometraggio, incluso un premio BAFTA per “Special Achievement by a British Director”. Ha aiutato a inaugurare una nuova fase di artisti che realizzano film di successo e provocatori, in particolare seguito da  A Single Man del designer Tom Ford . 

Fenicotteri rosa (1972)

Scena da fenicotteri rosa

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Paese: USARegista: John WatersSceneggiatore: John WatersStar: Divine, David Lochary, Mary Vivian Pearce, Mink Stole, Danny MillsJohn Waters è un essere umano orgogliosamente strano. Per l’introduzione migliore e culturalmente più rilevante a Waters e ai suoi amici, procedi direttamente alla commedia contorta,  Pink Flamingos . Con protagonista l’icona di trascinamento Divine, il film segue “la persona più sporca del mondo” da un inquietante exploit all’altro. Nel corso del film, Waters aggredisce la decenza umana di base con un numero qualsiasi di atti sessuali perversi e momenti grotteschi.

Vediamo. Hai soft fellatio, cazzo di pollo, inseminazione artificiale tramite tacchino, uno stronzo gesticolante e, ultimo ma non meno importante, mangiare merda. A causa di queste meraviglie, i  fenicotteri rosa  sono diventati una sensazione di culto che continua a scioccare oltre 40 anni dopo. 

Gola profonda (1972)

Scena da Gola profonda

Nazione: USARegista: Gerard DamianoSceneggiatore: Gerard DamianoStar: Harry Reems, Linda Lovelace, Dolly Sharp, Carol Connors

Per un caldo secondo negli anni ’70, il porno era una cosa. Come in, gruppi di persone – coppie, amici, mariti e mogli – hanno comprato i biglietti e sono andati nei cinema porno per guardare le persone avere rapporti davanti alla telecamera. Persone normali, non uomini sudati che cercano di accarezzarsi sul sedile di fronte a loro. 

La gente normale è andata a vedere  Gola Profonda.  Come è diventato quello? Essere uno dei primi pezzi di pornografia ha aiutato, così come i postumi della sbornia degli anni ’60. Forse non sei riuscito a partecipare a Free Love. O nel 1972 avevi solo i ricordi. C’era sempre  Gola Profonda , il film di 61 minuti su una donna il cui clitoride si trova nella parte posteriore della gola.